LINCOLN

El que una película lleve el nombre de Steven Spielberg en los créditos ya es motivo suficiente para echarle un vistazo. Si además la película se titula Lincoln y tiene a Daniel Day-Lewis como protagonista, la expectación aumenta aún más. El filme ha conseguido además doce candidaturas a los premios Oscar: Mejor película, Mejor director (Steven Spielberg), Mejor actor (Daniel Day-Lewis), Mejor actor de reparto (Tommy Lee Jones), Mejor actriz de reparto (Sally Field), Mejor guión adaptado, Mejor montaje, Mejor fotografía, Mejor banda sonora, Mejor dirección artística, Mejor vestuario y Mejor sonido.

La película

Lincoln se ambienta en 1865, durante el final de la Guerra Civil Americana. El presidente de los Estados Unidos Abraham Lincoln, propone aprobar la Decimotercera Enmienda a la Constitución de los Estados Unidos, que aboliría la esclavitud para siempre. El problema es que si la guerra finaliza antes de aprobarse la enmienda el Sur tendría poder para rechazar la propuesta y continuar con la esclavitud pero, si la guerra continúa mucho más tiempo, la gente seguirá muriendo en combate.

Un retrato de los últimos meses de Abraham Lincoln

Esta película no es una biografía sobre el presidente americano, sino que trata sobre la reforma política que acabó con la esclavitud y del hombre que la hizo posible. La principal fuente de inspiración para la película es el libro de Doris Kearns Goodwin Team of rivals: the political genuis of Lincoln, a partir del cual Tony Kushner (con quien Spielberg ya había trabajado en Munich) redactó el guión. El resultado final de la cinta es algo irregular o, cuanto menos, no todo lo buena que se esperaba. 

Spielberg hace un retrato de los últimos meses de vida del presidente americano en forma de thriller político. Rodado con el estilo y la elegancia que le caracteriza, Spielberg hace aquí algo que no había hecho antes: que la película gire más en torno a los diálogos que al tratamiento de la imagen. El director que siempre había afirmado que en el cine solo habría que decir con palabras lo que no puede mostrarse con imágenes (no hay más que echar un vistazo a su cortometraje Amblin), decide que en Lincoln sea la sucesión de los diálogos lo que marque el ritmo de la película. Esto hace que el filme, en ocasiones, resulte demasiado lento y pesado. Pero en lo que sí acierta Spielberg es en el punto de vista con el que aborda al personaje de Lincoln, aparcando todo cinismo y heroísmo americano y centrándose en el lado más humano del presidente que es a la vez de político, padre y esposo.

El trabajo de Daniel Day-Lewis como Lincoln es impresionante, profundizando en el lado más humano del personaje. Day-Lewis se ve arropado por secundarios de lujo como Sally Field en el papel de Mary Todd Lincoln, David Strathairn como el Secretario de Estado William Henry Seward, Tommy Lee Jones como el carismático representante de Pensilvania Thaddeus Stevens o, uno de los actores de moda, Joseph Gordon-Levitt en el papel de Robert Lincoln, el hijo mayor del presidente.

Ficha técnica y artística

Lincoln

Director: Steven Spielberg

Guión: Tony Kushner basado en el libro de Doris Kearns Goodwin

Música: John Williams

Fotografía: Janusz Kaminski

Montaje: Michael Kahn

Intérpretes: Daniel Day-Lewis, Sally Field, Tommy Lee Jones, David Strathairn, Joseph Gordon-Levitt, James Spider

Año: 2012

Nacionalidad: Estados Unidos

Duración: 149 minutos

EL LADO BUENO DE LAS COSAS

Entre las mastodónticas producciones que se hacen con las nominaciones a los Oscar más importantes, siempre se cuela alguna sorpresa inesperada. Este es el caso de El lado bueno de las cosas, un drama envuelto en comedia ácida, con pequeños toque de romance. El director David O. Russell, responsable de The fighter, adapta al cine la novela de Matthew Quick.

Trama

Pat (personaje interpretado de Bradley Cooper) sale de una institución mental tras pasar internado ocho meses por agredir al amante de su esposa. Decide volver a casa de sus padres (Robert de Niro y Jacki Weaver) y para recuperarse y volver con su mujer, cosa que le será difícil ya que ésta ha pedido una orden de alejamiento contra él.  La vida de Pat se complica un poco más cuando entra en escena Tiffany (Jennifer Lawrence) una joven viuda que tras la muerte de su esposo decide practicar sexo con todos los trabajadores de su oficina.

La fuerza de los actores

El guión de David O. Russell contiene una mezcla perfecta entre drama y comedia. Esta historia podía haberse enfocado desde cualquiera de esos dos puntos de vista, sin embargo, lo que la hace destacar es esa perfecta mezcla entre ambas. Por otro lado la película es bastante ágil, tanto en los planos como en los ritmos de los actores (los diálogos podrían haber dado para tres películas). Y es que esos diálogos son los puntos fuertes de la película, siendo verdaderas joyas del sarcasmo y la ironía.

Los otros dos pilares de la película tienen nombres propios: Bradley Cooper y Jennifer Lawrence, ambos con una química estupenda. Cooper lleva el peso de la película y compone un personaje que sufre trastornos bipolares. Cooper es capaz de pasar de la alegría desbordada a ser una persona atormentada en milésimas de segundo. No es la primera vez que este actor hace comedia, ya que hemos podido verle como protagonista de Resacón en Las Vegas y su secuela. Aunque por sus matices, este personaje parece tener más puntos en común con el Will Tippin de Alias que con el Phill de Resacón. Con esta película consigue su primera nominación al Oscar.

La que sí es veterana entre los académicos es la joven Jennifer Lawrence, que obtiene con El lado bueno de las cosas su segunda nominación como mejor actriz tras Winter Bones. La protagonista de X-men: Primera generación y Los juegos del hambre nos regala con su interpretación de Tiffany el mejor personaje de la película. Desde su primera aparición en la película, Lawrence hace saltar chispas, plantándole cara en la pantalla al mismísimo Robert De Niro. No en vano, Lawrence ha conseguido un merecidísimo Globo de Oro a la Mejor actriz de comedia o musical por este papel. 

Por ponerle alguna pega, la última media hora de la cinta (la parte que coincide con el tercer acto) es algo más convencional y previsible, aunque no  por ello menos efectiva. 

Premios Oscar

Ni más ni menos que ocho son las candidaturas a los Oscar a las que opta El lado bueno de las cosas: Mejor película, Mejor director (David O. Russell), Mejor actor (Bradley Cooper), Mejor actriz (Jennifer Lawrence), Mejor actor de reparto (Robert de Niro), Mejor actriz de reparto (Jacki Weaver), Mejor guión adaptado y Mejor montaje.  El próximo 24 de febrero sabremos los resultados.

Ficha técnica y artística

Silver linings playbook

Director: David O. Russell

Guión: David O. Russell a partir de la novela de Matthew Quick

Música: Danny Elfman

Fotografía: Masanobu Takayanagi

Intérpretes: Bradley Cooper, Jennifer Lawrence, Robert de Niro, Jacki Weaver, Chris Tucker, Julia Stiles

Año: 2012

Nacionalidad: Estados Unidos

Duración: 120 minutos

DJANGO DESENCADENADO

La última película de Tarantino tiene forma de spaghetti western y con lo que el director admira este género, lo que extraña es que haya tardado tanto en rodar uno. Ya había pequeñas pinceladas de este género en casi todas sus películas, en especial en Kill Bill y Malditos Bastardos. Djando desencadenado ha obtenido ya dos Globos de Oro (Mejor guión original y Mejor actor de reparto para Christoph Waltz) y cinco nominaciones a los Oscar: Mejor película, Mejor actor de reparto (Christoph Watlz), Mejor guión original, Mejor fotografía y Mejores efectos sonoros.

Trama

Django (interpretado por Jamie Foxx) es un esclavo que se cruza en el camino del Dr. King Schutlz (Christoph Watlz), un antiguo dentista reconvertido en cazador de recompensas. Django es liberado a cambio de ayudar a Schultz a identificar a la próxima captura de éste. Ambos se hacen amigos y deciden  formar sociedad hasta encontrar a Broomhilda (Kerry Washington), la esposa de Django. Con el tiempo descubren que ésta se encuentra en manos de Calvin Candie (Leonardo DiCaprio), el sádico propietario de una enorme plantación del Mississippi.

Puro Tarantino

Muy buena película, pero no sorprende. El octavo filme de Tarantino parece querer emular al anterior, Malditos Bastardos, en lo que se refiere a concepto y estructura. Tarantino vuelve a obviar el tratamiento riguroso de la Historia y enmarca a los personajes en un contexto “tarantiniano”, ese marco tan característico en el que parecen desarrollarse todas sus películas. Tarantino no hace cine sobre Historia, sino que hace cine sobre Cine. Por ello son frecuentes las constantes referencias y guiños a otras películas. En este caso la mayor homenajeada es el Django de Sergio Corbucci, del año 1966. De hecho el actor protagonista de la cinta, Franco Nero, aparece aquí en un pequeño papel. 

El uso del zoom y otros movimientos de cámara propios del spaghetti western son homenajeados en la cinta. Por supuesto, tampoco faltan las melodías de su admirado Ennio Morricone ni otra de las constantes en su cine: el particular sentido del humor de Quentin, gamberro e irreverente. Pero sin duda, lo mejor de Django desencadenado es la magistral actuación de Christoph Waltz. El actor y Tarantino parecen haber nacido para trabajar juntos, y esa compenetración entre actor/director se nota en pantalla. Waltz compone un personaje que en ocasiones recuerda a Hans Landa, su personaje de Malditos Bastardos, sobre todo en su forma de hablar. No en vano, la mayor parte de los famosos diálogos “tarantinianos” salen de boca de Waltz. El duelo interpretativo que mantiene con Leonardo DiCaprio hacia el final de la película es sin duda uno de los momentos más logrados del filme. De hecho estos dos personajes secundarios acaban comiéndole terreno en pantalla al protagonista Django. 

Ficha técnica y artística

Django Unchained

Director: Quentin Tarantino

Guión: Quentin Tarantino

Fotografía: Robert Richarson

Intérpretes: Jamie Foxx, Christoph Waltz, Leonardo DiCaprio, Samuel L. Jackson, Kerry Washington, Don Johnson.

Año: 2012

Nacionalidad: Estados Unidos

Duración: 165 minutos

V

¿Quién no recuerda a Diana comiéndose los ratones? ¿Y el rostro de los lagartos con su uniforme rojo? ¿Y la nave nodriza sobrevolando la ciudad? Son muchos los recuerdos que tenemos de V. La serie consta de tres temporadas estrenadas entre los años 1983 y 1985, y que en su día dio lugar a un fenómeno mundial equivalente al de Perdidos.

V fue creada por Kenneth Johnson y, en un principio, nada tenía que ver con la ciencia ficción. Originalmente la serie trataba sobre el ascenso al poder de una especie de ejército nazi sobre los Estados Unidos. Sin embargo la productora NBC quería aprovechar el tirón de la por entonces recién terminada trilogía de Star Wars para lanzar una serie de ciencia ficción. Johnson retocó su guión siendo el ejército de los visitantes una especie de analogía del ejército nazi.

Los Visitantes

La historia comienza con la llegada a la Tierra de una enorme nave nodriza y su flota de platillos volantes. En un principio los visitantes parecen venir en son de paz, en busca de ciertos productos químicos necesarios para su supervivencia. A cambio, ofrecen a los seres humanos compartir con ellos su avanzada tecnología. Sin embargo poco a poco van sucediendo extraños acontecimientos que revelan los verdaderos planes de los visitantes. En realidad son una raza de reptiles que pretenden robar el agua de la Tierra y cosechar a sus habitantes como alimento. Para contrarrestarlos los seres humanos forman la Resistencia, un grupo rebelde cuyo fin es expulsar a los lagartos de la Tierra.

Personajes principales

Mike Donovan (Marc Singer)

Michael Donovan es uno de los líderes de la Resistencia de Los Ángeles. Está separado y tiene un hijo, Sean, que es secuestrado por los visitantes. Antes de la invasión trabajaba como corresponsal de guerra. Mike es el primero en darse cuenta de que en realidad los visitantes son una raza de reptiles y que han venido a la Tierra para robar sus recursos naturales. Donovan entabla amistad con un visitante llamado Martin, el líder de la Quinta Columna, una rama secreta de los visitantes que está en contra de la guerra y cree en la convivencia de ambas especies. El actor Marc Singer tuvo su mayor éxito con este papel, además de protagonizar la saga de películas de El señor de las bestias. Por otro lado, también intervino en el último episodio del remake de la serie de V.

Diana (Jane Badler)

Diana es la segunda al mando de la nave nodriza, además de ser una de las científicas más prestigiosas de su planeta. A lo largo de la invasión Diana se hará con el mando y demostrará ser un personaje inteligente, cruel y despiadado. Su equilibrada dieta compuesta fundamentalmente por ratones es uno de los elementos más recordados de la serie. La actriz Jane Badler ha participado también en el remake de V del año 2009. Ella y Marc Singer son los únicos actores de la serie de los ochenta que aparecen en el remake.

Julie Parrish (Faye Grant)

Julie es quien funda la Resistencia en Los Ángeles. Cuando llegan los visitantes Julie es una médico que ve en ellos una manera de compartir avances tecnológicos. Sin embargo con el tiempo Julie se dará cuenta de las falsas intenciones de los lagartos. Es un personaje valiente y decidido que, con la ayuda de Donovan, llevará a los rebeldes a la lucha. La televisión no era un medio desconocido para la actriz Faye Grant. Ya había trabajado anteriormente en otra serie: El gran héroe americano, donde interpretaba a Rhonda Blake.

Ham Tyler (Michael Ironside)

Tyler es otro de los líderes de la Resistencia. Es un antiguo agente de la CIA que pasó a convertirse en mercenario. Cuando Ham se une a la Resistencia de Los Ángeles se reencuentra con Donovan, al que conocía desde hacía tiempo. La rivalidad que se crea entre ambos personajes por sus diferentes formas de enfocar la lucha es uno de los puntos más fuertes de la serie. Michael Ironside es el actor que más ha triunfado después de V. Ha participado en películas como Top Gun, Desafío total, Starship Troopers o El maquinista. También ha intervenido en otras series como Smallville, donde interpretó al General Sam Lane, el padre de Lois Lane.

La miniserie original, La batalla final y La serie de televisión

Al hablar de V hay que separar claramente dos etapas: la compuesta por las miniseries y la serie de televisión propiamente dicha. V se concibió en formato de miniserie. La primera temporada constaría de dos episodios de unos 90 minutos de duración, donde se dan los primeros esbozos sobre la ocupación alienígena y la forja de la Resistencia. Esta temporada se estrenó en el año 1983 y fue escrita y dirigida por el propio Kenneth Johnson, el creador de la serie. La segunda temporada se estrenó el año siguiente, en 1984, y constaba de tres episodios de otros 90 minutos, donde se narraba la guerra entre los visitantes y los rebeldes hasta llegar a su confrontación final. Esta segunda miniserie se estrenó con el título de V: La batalla final, y se cerraban todas las tramas abiertas en la anterior temporada, dándole un final a la serie. Esta etapa se caracteriza por su gran calidad técnica, sobre todo para la televisión de la época.

Sin embargo, el éxito comercial de V hizo que se firmase por una temporada más. En 1985 se estrenan nuevos episodios pero con un formato diferente. Esta serie constó de 19 episodios de 45 minutos de duración y pasó de ser una miniserie a una serie propiamente dicha. Los guiones tomaron otro rumbo y pasaron a ser más convencionales y previsibles, más parecidos a los de las teleseries de la época. Por su parte la realización bajó mucho en su calidad, con una fotografía más pobre y unos planos mucho más cerrados, muy propios de la televisión. Pese a contar con el mismo reparto esta serie no contó con tanto respaldo del público como las anteriores, por lo que finalmente se canceló. Esto debió pillar a los productores por sorpresa ya que el último episodio finaliza dejando subtramas abiertas, de tal modo que la serie queda inconclusa.

Antes de terminar, un par de curiosidades. La primera vez que V se emitió en España se censuró el tercer episodio de la tercera temporada. Este episodio no se emitió hasta una reposición de la serie en los noventa. Por otro lado, el actor Robert Englund que en el cine dio vida al escalofriante Freddy Krueger en la saga de películas de Pesadilla en Elm Street, da vida a Willie, un simpático visitante que le da el punto de comicidad a la serie.

ARGO

Según la mitología griega, Argo es el nombre de la nave que Jasón y los Argonautas usaron para encontrar el vellocino de oro. Argo es también el nombre del guión de una película de ciencia ficción que la CIA usó para el rescate de seis diplomáticos durante la crisis de los rehenes de Teherán de 1979. La operación permaneció en secreto hasta que Bill Clinton la desclasificó en los noventa. Argo es ahora el título de la última película de Ben Affleck, que cuenta los hechos de esta operación de rescate.

Trama

Estamos en Irán, en diciembre de 1979. Seguidores del Ayatolá Jomeini asaltan la embajada americana de Teherán, con el objetivo de pedir la extradición del Sha de Persia. Seis diplomáticos americanos consiguen huir y refugiarse en casa del embajador de Canadá. La CIA y el gobierno canadiense preparan entonces una operación para sacarlos del país. ¿Cómo? Creando el falso rodaje de una película ciencia ficción llamada “Argo”,  con la que harán pasar a los seis funcionarios como parte del equipo de la película que ha viajado a Teherán para la búsqueda de localizaciones.

La película

Ben Affleck tiene una doble función en esta película: dirige y actúa. Como actor recae en él el peso del protagonista, el agente Tony Mendez, un experto en rescate de rehenes que deberá planear la operación y viajar a Teherán para sacar de allí a los diplomáticos. Por otro lado, a Affleck no se la da nada mal la dirección. Argo consigue atraparte desde el primer minuto y además, te mantiene en tensión durante toda la película. El resultado final es un más que digno thriller político. Pese a ser tan solo la tercera película como director de Affleck (tras Adiós muñeca, adiós y The town. Ciudad de ladrones) , demuestra con creces que es capaz de orquestar una película tan compleja como estar sin perder el rumbo en ningún momento.

Los primeros minutos de la cinta son un ejemplo de buen cine. Se trata de un prólogo que narra la situación entre Irán y EEUU, contextualizando la película y presentando la acción, todo ello realizado con un ritmo perfecto. Y es que ese es otro de los elementos clave de la película: El montaje. Un ritmo frenético y una tensión apabullante (sobre todo en los 30 minutos finales que marcan el tercer acto de la historia) son los estandartes de la propuesta de Affleck.

Por otro lado, Affleck se ha sabido rodear de muy buenos actores de reparto, muchos de ellos populares rostros televisivos como Bryan Cranston (Breaking Bad, Malcolm in the middle), Victor Garber (Alias), Tate Donovan (The O.C.) o Kerri Bishé (Scrubs). Por otro lado también cuenta con veteranos del cine como Alan Arkin y John Goodman.

Globos de Oro y Oscar

De sus cinco nominaciones a los Globos de Oro, Argo se hizo con las dos estatuillas más importantes: la de Mejor película – Drama y la de Mejor director para Ben Affleck. 

Para la noche de los Oscar, Argo opta a siete premios; Mejor película, Mejor actor de reparto (Alan Arkin), Mejor guión adaptado, Mejor montaje, Mejor banda sonora, Mejor sonido y Mejores efectos sonoros. El próximo 24 de febrero prodremos ver si consigue repetir su triunfo.

Ficha técnica y artística

Argo

Director: Ben Affleck

Guión: Chris Terrio

Música: Alexandre Desplat

Fotografía: Rodrigo Prieto

Intérpretes: Ben Affleck, Bryan Cranston, Alan Arkin, John Goodman, Victor Garber, Tate Donovan, Kerry Bishé y Clea Duvall.

Año: 2012

Nacionalidad: Estados Unidos

Duración: 120 minutos

LOS MISERABLES

La novela de Víctor Hugo Los Miserables ha sido adaptada a diferentes formatos, entre ellos un musical que se estrenó en Londres el 8 de octubre de 1985, del que hoy día se sigue representado. Las canciones originales de la obra fueron realizadas por Michel Schönberg, Alain Boubil y Jean-Marc Natel y el encargado de producirla fue Cameron Mackintosh.  En diciembre de 2012 se estrena la adaptación cinematográfica del musical, dirigido por el ganador del Oscar por El discurso del rey, Tom Hooper. Ganadora de tres Globos de Oro y con ocho nominaciones a los Oscar, Los Miserables es una de las películas que más está dando qué hablar.

Trama

Los Miserables se ambienta en la Francia de principios del siglo XIX y narra la historia de Jean Valjean, un hombre que tras cumplir una injusta condena en prisión de 19 años, decide dejar atrás su vida anterior y redimirse. Valjean cambia de identidad y se establece en Montreuil-sur-Merconvierte donde es dueño de una fábrica e incluso llega a convertirse en su alcalde. Con el tiempo se hace cargo de Cosette, la joven hija de Fantine, una bella pero desafortunada mujer que trabajaba en su fábrica. Sin embargo Valjean aún arrastra fantasmas de su pasado, como el de Javert, un implacable policía que lleva persiguiéndole desde que años atrás incumpliese la libertad condicional.

Reparto

Hugh Jackman encarna de manera soberbia a Jean Valjean. Cantar y bailar no es algo nuevo para este actor australiano, que ya había participado en el teatro en varios musicales (entre ellos destaca su papel de Gastón en La Bella y la Bestia). Los Miserables es sin duda la película de Jackman de principio a fin. Merecidísimo Globo de Oro al mejor actor por esta interpretación. 

El papel de Javert recae en el oscarizado Russell Crowe, que interpreta a un policía rígido, un hombre que cree en la ley y la justicia por encima de todo. Atrapar a Valjean se acabará convirtiendo en su obsesión. 

Anne Hathaway da vida a la malograda Fantine, una mujer cuya suerte se trunca al quedarse embarazada de un joven burgués que la abandona. Siendo madre soltera, Fantine es víctima de los juicios de la época  por lo que pierde su trabajo y se ve obligada a prostituirse para poder mantener a su hija.

El reparto también cuenta con Amanda Seyfried en el papel de Cosette y Helena Bonham Carter y Sacha Baron Coen como los Thénardier. Los desconocidos Eddie Redmayne y Samantha Barks dan vida a Marius y Éponine.

La película

El rodaje de esta película ha sido cuanto menos original. Habitualmente cuando se rueda un musical, los actores graban las canciones con antelación y luego, en el set de rodaje, las interpretan en play back. En Los Miserables esto se realizaba en vivo y en directo. Cada actor tenía un auricular por donde escuchaba la música mientras interpretaba. Este sistema no se había hecho antes y desde luego ha dado un magnífico resultado en lo que se refiere a la interpretación de los actores.

Otro rasgo a destacar ( y quizá la única pega que se le podría poner a la película) es el abuso de planos cerrados por parte del director. Este hecho le resta fuerza a su puesta en escena. Sin embargo, hacerla de este modo refuerza la interpretación de los actores, haciendo un filme que se centra más en los personajes que en el contexto. Perdemos quizá un poco de espectacularidad pero ganamos en intensidad y emoción.

La película no decepcionará a aquellos que admiren tanto la obra de teatro como el texto original de Víctor Hugo.

El camino hacia los Oscar

Los Miserables ha conseguido hacerse con tres Globos de Oro en las principales categorías; Mejor película - Comedia o musical, Mejor actor principal – Comedia o musical para Hugh Jackman y Mejor actriz de reparto – Comedia o musical para Anne Hattaway.

Para la edición de los Oscar de este año, opta a ocho galardones; Mejor película, Mejor actor principal (Hugh Jackman), Mejor actriz de reparto (Anne Hathaway), Mejor canción, Mejor dirección artística, Mejor vestuario, Mejor maquillaje y Mejor sonido. El resultado final lo veremos el próximo 24 de febrero.

EL CABALLERO OSCURO: LA LEYENDA RENACE

El esperado último capítulo de la saga de Christopher Nolan sobre el hombre murciélago ha visto por fin la luz este verano. Aunque en España lleve un título de telefilme (con lo fácil que hubiese sido llamarla El Caballero Oscuro Renace), la película supone un épico y magnífico desenlace. Si bien es cierto que no es tan perfecta como su predecesora, sí que está a la altura de las andanzas de Batman. Ojo, que en la reseña hay un montonazo de spoilers. Avisados quedáis.

Trama

Han pasado ocho años desde la última aparición de Batman y desde que éste asumió la culpa por el asesinato de Harvey Dent. Desde entonces se declara en Gotham la Ley Dent, que prácticamente aniquila la delincuencia organizada de la ciudad. Sin embargo la situación cambia con la aparición de un nuevo criminal llamado Bane, miembro de la antigua Liga de las Sombras. Bruce Wayne debe salir de su autoimpuesto confinamiento y ponerse la máscara una vez más. Pero Batman no puede imaginarse todo lo que Bane tiene preparado para acabar con él.

Personajes

Bruce Wayne/ Batman (Christian Bale)

Han pasado ocho años desde los acontecimientos narrados en El Caballero Oscuro y desde entonces Wayne vive recluido en su mansión como una especie de Howard Hawks. Las heridas que ha sufrido durante los años anteriores le están pasando factura y además, sigue torturándose por la muerte de Rachel. Por otra parte ha perdido la mitad de su fortuna en un proyecto que aparentemente ayudaría a los ciudadanos de Gotham a salvar su ciudad. Christian Bale interpreta por tercera vez al antihéroe por excelencia y ahonda mucho más en un personaje que ya es imposible disociar de él.

Selina Kyle (Anne Hathaway)

Se trata de Catwoman (aunque en ningún momento se la llama por este nombre en la película). Selina Kyle es una ágil y atractiva ladrona que no tiene miedo de plantarle cara al mismísimo Batman. La relación entre ambos personajes es de lo más sensual y pese a las jugarretas que Selina le juega, Batman sigue creyendo que hay bien en ella. Anne Hathaway, la reciente ganadora del Globo de Oro  por Los Miserables, da vida a esta nueva Catwoman y consigue hacernos olvidar por completo a aquella que interpretó Michelle Pheiffer en Batman Vuelve (1992). Quién iba a decir que la chica de Princesa por Sorpresa podía ser tan dura y provocativa.

Bane (Tom Hardy)

Trabajar a las órdenes de Christopher Nolan no era ninguna novedad para Tom Hardy puesto que ya habían coincidido en Origen. Aquí interpreta a Bane, un antiguo miembro de La Liga de las Sombras que fue expulsado de la organización por el propio Ra´s Al Ghul. Batman nunca se ha enfrentado a un enemigo como él: Bane le iguala en inteligencia y le supera en fuerza física. La revolución de Bane y sus mentiras hacia las masas para justificar sus acciones hace que recuerde a la figura de un dictador. 

Blake (Joseph Gordon-Levitt)

Robin. Porque, ¿qué más da llamarlo Dick Grayson, Jason Todd, Tim Drake o John Robin Blake? Robin representa la figura del pupilo, el ayudante de Batman, un chico huérfano que sigue los pasos del Caballero Oscuro. Había rumores de que Christopher Nolan no quería incluir el personaje de Robin en la saga pero, ¿cómo dejar fuera a un personaje tan importante de la mitología de Batman? Y en el caso de incluirlo, ¿cómo hacerlo de forma que encajase en el universo creado por Nolan? Pues incluyendo un Robin sin su traje. Blake pierde a sus padres siendo niño y va a parar a un orfanato financiado por la Fundación Wayne. Crece y decide convertirse en policía, siguiendo la estela marcada por su héroe Batman. El actor Joseph Gordon Levitt saltó a la fama hace un par de años gracias a la comedia indie 500 días juntos, aunque lleva trabajando en el sector desde pequeño: era niño de la sitcom Cosas de marcianos.

Talia Ghul (Marion Cotillard)

Talia es la hija de Ra´s Al Ghul y la nueva líder de La Liga de las Sombras. Se oculta bajo el alias de Miranda Tate, el cual usa para acercarse a Bruce Wayne. Talia nació en una prisión de repudiados construida en el interior de un enorme pozo, de la cual es imposible escapar. Bane se convirtió en el protector de Talia durante su estancia en la prisión. Tras la muerte de su padre su único deseo es vengarse de Batman y de la ciudad de Gotham. La actriz Marion Cotillard se dio a conocer de la mano de Michael Mann en Enemigos Públicos. Con Christopher Nolan ya había coincidido en Origen.

También vuelven otros personajes ya clásicos como el comisario Gordon (Gary Olman), Alfred (Michael Caine) y Lucius Fox (Morgan Freeman).

El cierre de la saga

Desde el primer momento Christopher Nolan declaró que la tercera entrega sería la última, así que no quedaba otra opción que darle un final a la historia. El personaje de Bruce Wayne es llevado al extremo y al igual que en el título de la película, Bruce renace al salir del pozo-prisión donde Bane le encierra. Ese es sólo uno de los momentos memorables de la cinta, y hay varios. Por ejemplo la vuelta de Batman tras sus ocho años de exilio, cuando aparece montado en su moto bajo la música de Hans Zimmer. Un momento que no tiene precio.

Otro punto clave es la lucha en la cloacas entre Bane y Batman; una lucha sin música, donde sólo se escuchan los sonidos de los golpes y en la que Batman cae derrotado de forma humillante después de que Bane le rompa la espalda. Una secuencia realmente dura. Y tras ella el plan de Bane de dejar Gotham sitiada, encerrando a la policía en las cloacas, volando todas las vías de acceso a la ciudad y asesinando a cualquiera que amenace con parar su revuelta. 

Y por supuesto, no podemos olvidarnos de la importancia de Blake tirando su placa al final de la película a lo “Harry el Sucio”, abandonando la policía. Tras ver la actuación de Batman en la batalla final, Blake se cuestiona el sistema y reflexiona sobre las palabras de Gordon sobre como a veces el propio sistema se convierte en una traba para cazar al “malo”. Blake encuentra la cueva de Batman, consiguiéndose  así el objetivo que el caballero oscuro siempre se había propuesto: convertirse en un símbolo, en una inspiración. Batman puede ser cualquiera, y su figura renace en el momento en el que Robin toma su relevo.

Posiblemente nos encontremos ante una de las mejores sagas cinematográficas (si no la mejor) de los últimos años. Unas películas cuya trama se basan en la psicología de sus personajes, cada uno de ellos perfectamente definidos y con una clara función en la historia. ¿Qué nos ha demostrado Christopher Nolan con estos filmes? Que una película basada en un cómic no tiene que ser para nada tonta e infantil y que dándole un enfoque adecuado se puede conseguir un resultado tan magistral como el de la trilogía de El Caballero Oscuro.

Ficha técnica y artística

The Dark Knight Rises (2012)

Director: Christopher Nolan

Productor: Charles Roven, Emma Thomas, Christopher Nolan

Guión: Christopher Nolan, Jonathan Nolan, David S. Goyer (basado en el cómic de Bob Kane)

Director de Fotografía: Wally Pfeister

Música: Hans Zimmer

Montaje: Lee Smith

Intérpretes: Christian Bale, Michael Caine, Gary Oldman, Anne Hathaway, Tom Hardy, Marion Cotillard, Joseph Gordon-Levitt, Morgan Freeman.

Duración: 164 minutos