FIEVEL Y EL NUEVO MUNDO

Don Bluth es descrito en muchas ocasiones como el único director de animación capaz de rivalizar con la todopoderosa Disney. Es responsable de películas como En Busca del Valle Encantado, Todos los Perros Van al Cielo, Anastasia y, por supuesto, la película que nos ocupa hoy: Fievel y el Nuevo Mundo.

¿De qué va?

Corre el año 1885 y el pequeño ratón Fievel Ratonovich y su familia viajan desde Rusia a América en busca de un nuevo mundo que les permita vivir lejos de los gatos. Sin embargo, durante el tortuoso viaje Fievel cae al mar y se separa de su familia. Por fortuna el ratón sobrevive y llega hasta Nueva York, donde comienza una odisea para encontrar los suyos.

La película

Steven Spielberg quería producir una película de animación, así que decidió contar con el director Don Bluth. Spielberg había visto su primer trabajo, Nimh, el Mundo Secreto de la Sra. Brisby, y quería que su historia sobre un ratón que emigraba a América llevase el mismo espíritu. Antes de que Don Bluth crease su propio estudio, había trabajado para Disney en películas como La Bella Durmiente, Merlín el Encantador o Los Rescatadores. Sin embargo, la producción de Fievel y el Nuevo Mundo no sería sencilla. A medida que ésta avanzaba, Amblin y Universal supervisaban constantemente el trabajo de Bluth, de manera que éste sentía limitada su capacidad creativa. Se intentaba suavizar el estilo del director, bastante más oscuro que las cintas de animación tradicionales. Aún así la película toca temas como el sueño americano visto desde fuera (la idea de encontrar un mundo sin gatos) y darse de bruces contra la realidad al comprobar que nada es tan bueno como lo pintan (por si quedaban dudas, sí que había gatos en América y las calles no eran de queso). Además Don Bluth hace gala de un mordaz sentido del humor cuando muestra al “honorable” John anotando en el censo el nombre de un ratón asesinado por un gato para hacer un pucherazo en las próximas elecciones. 

Repercusión

Cuando Fievel y el Nuevo Mundo se estrenó fue la película de animación no Disney más taquillera hasta la fecha. De hecho sólo en Estados Unidos recaudó más 47 millones de dólares, doblando los ingresos obtenidos por Basil, el Ratón Superdetective, la superproducción Disney con la que competía ese año. Fievel y el Nuevo Mundo tuvo tres secuelas; una de ellas estrenada en los cines, Fievel Va al Oeste, y otras dos destinadas al mercado del vídeo, Fievel en Manhattan y Fievel y el Misterio del Monstruo Nocturno. Además se produjo una serie de televisión inspirada en la segunda película, titulada Las Aventuras de Fievel en el Oeste. Una última curiosidad antes de acabar: Fievel era el nombre del abuelo de Steven Spielberg.

Ficha técnica

An American Tale

Director: Don Bluth

Guión: Judy Freudberg, Tony Geiss, Gary Goldman, David Kirschner

Música: James Horner

Productora: Amblin Entertainment/ Sullivan Bluth Studios

Año: 1986

Duración: 77 minutos

EL DIABLO SOBRE RUEDAS

Concebida como un telefilme para la cadena ABC-TV, El Diablo Sobre Ruedas fue la película que cambió para siempre la carrera de Steven Spielberg. Descubre los secretos de esta road movie que revive la lucha entre David y Goliath, entre el hombre y la máquina.

¿De qué va?

David Mann es un hombre de negocios que viaja al encuentro de un cliente. Durante el trayecto, un camión llevado por un conductor loco comienza a perseguirle para acabar con él. El pusilánime y cobarde David se verá envuelto en un duelo a muerte en plena carretera.

La película

El Diablo Sobre Ruedas es la adaptación de un relato de Richard Matheson. Al escritor se le ocurrió la idea cuando volvía del funeral de John F. Kennedy y se topó con un camionero "toca narices" en la carretera. Matheson presentó a varias televisiones la idea para hacer una película, pero como no consiguió financiación decidió publicar su historia en forma de relato en la revista Play Boy. Cuando los peces gordos de Universal leyeron la historia compraron los derechos para hacer un telefilme y le encargaron al propio Matheson escribir el guión y a un desconocido Steven Spielberg dirigirla. Por aquel entonces el llamado Rey Midas de Hollywood era tan sólo un joven melenudo que trabajaba para la televisión. Spielberg se propuso rodar el telefilme como si se tratase de una película para el cine, con planos amplios y en escenarios naturales, algo que era bastante difícil de conseguir en el ajustado plan de rodaje. El joven realizador consiguió convencer a los productores de que podía filmar la película a su manera en los 10 días que tenían previstos (aunque al final se alargaron 13) pero en la sala de edición se topó con un nuevo problema: sólo tenían 22 días  para realizar el montaje antes del estreno, así que cinco montadores tuvieron que trabajar en el filme para terminarlo a tiempo.

Repercusión

El Diablo Sobre Ruedas se estrenó en la cadena ABC-TV el 13 de noviembre de 1971. El éxito de crítica y público fue tal, que los jefazos de Universal Pictures decidieron estrenarla en los cines para su distribución en el extranjero. Eso sí, se vieron obligados a extender la película de 73 a 84 minutos. La película de Spielberg adquirió la categoría de culto en Europa y abrió el camino al joven director de Ohio para que más adelante pudiese sumergirnos en mundos de tiburones, aliens domésticos, dinosaurios o intrépidos arqueólogos en busca de aventuras. Ahora este niño con complejo de Peter Pan acaba de cumplir 70 añazos, pero continúa cautivándonos con su manera de hacer cine.

Ficha técnica y artística

Duel

Director: Steven Spielberg

Guión: Richard Matheson

Fotografía: Jack Marta

Música: Billy Goldenberg

Reparto: Dennis Weaver, Lucille Benson, Eddie Firestone, Carie Loftin

Productora: Universal Pictures

Año: 1971

Duración: 86 minutos

AKIRA

Katsushiro Otomo dirige en 1988 la adaptación cinematográfica de Akira, el manga que él mismo creó. Repleta de violencia y metafísica, la obra cyberpunk de Otomo sirvió como trampolín definitivo para extender el anime más allá de las fronteras niponas.

¿De qué va?

Neo-Tokyo. Año 2019. Mientras que Japón vive una profunda crisis política y social tras la III Guerra Mundial, el ejército investiga cómo encontrar lo que ellos denominan "energía absoluta". Sin embargo el joven Kaneda vive ignorando todo esto y se conforma con liderar una pandilla de moteros de la que también forma parte Tetsuo, su amigo de la infancia. Durante una pelea con una banda rival Tetsuo es capturado por el ejército y usado para sus experimentos, que le otorgan unos destructivos poderes equiparables a los de un dios.

La película

A finales de 1982, Katsushiro Otomo comienza a publicar Akira en la revista Young Magazine. La historia está muy influenciada por la tensión de la Guerra Fría y las secuelas sufridas por la sociedad japonesa tras la II Guerra Mundial. El manga gozó pronto de éxito, así que le propusieron a Otomo realizar la adaptación cinematográfica de su propia obra. La única condición que éste puso fue tener absoluto control creativo sobre la película. Aún así el manga y el film cuentan con marcadas diferencias. ¿La razón? La película comenzó su producción muchos años antes de que el manga finalizase. De este modo, la película adapta de forma fiel la primera parte de la historia y crea un final que luego serviría como inspiración para el final del cómic. La película deja también fuera personajes como Chiyoko y otros como Lady Miyako o el propio Akira, que en el cómic tienen un papel fundamental, aquí sólo aparecen unos segundos.

El impacto de Akira

La película supuso una auténtica revolución en el mundo del anime, tanto por su cuidada animación como por su compleja historia (ríete tú del final de Perdidos). Akira adquirió el estatus de película de culto y fue una de las responsables de la invasión del anime fuera de Japón. Speed Racer, Heidi, Marco y Mazinger Z (con su posterior cancelación debido a las presiones de las asociaciones de padres) fueron los primeros vestigios del anime en España allá por los años setenta, pero no sería hasta la llegada de las televisiones privadas y autonómicas en los noventa cuando las parrillas televisivas se inundaron de series como Dragon Ball, Caballeros del Zodíaco o Campeones. 

Ficha técnica

Akira

Director: Katsuhiro Otomo

Guión: Katsuhiro Otomo, Izo Hashimoto, a partir del manga de Katsuhiro Otomo

Música: Shoji Yamashiro

Director de fotografía: Katsuji Misawa

Productora: Akira Committee

Año: 1988

Duración: 124 minutos

CISNE NEGRO

Tras El Luchador Darren Aronofsky vuelve a sumergirse en el mundo del deporte, esta vez en forma de thriller psicológico dentro del mundo del ballet que le valió a Natalie Portman el Oscar a la Mejor Actriz.

¿De qué va?

Nina es una bailarina (sí, ya sé que suena a frase de libro de primaria) que dedica su vida a la danza. Cierto día el director Thomas Leroy aparece en su escuela y la elige para protagonizar la obra El Lago de los Cisnes. A partir de ahí la dulce Nina explorará su lado más oscuro para poder interpretar con soltura los dos personajes: el Cisne Blanco y el Cisne Negro.

La película

La idea del proyecto surge ocho años antes del rodaje, cuando Darren Aronosfsky va a ver el ballet El Lago de los Cisnes. Tras investigar sobre la obra de Chaikovski (o Tchaikovsky si os mola más la transcripción inglesa) Darren Aronovsky descubre que en la mayoría de los montajes realizados es la misma bailarina quien interpreta los papeles del Cisne Blanco y del Cisne Negro. Así el director decide abordar, desde el ballet, un tema al que lleva tiempo dándole vueltas: la autodestrucción de una persona a través de su lado oscuro. Ya desde estos primeros esbozos, Aronofsky contaba con una joven Natalie Portman como protagonista. 

La película se narra desde el punto de vista de Nina. Aronofsky se divierte haciendo sentir al espectador la misma paranoia que su sufrida protagonista, de forma que no sabemos en qué momento es real lo que vemos o si forma parte de su mente. Aparte del esfuerzo que supone interpretar un personaje tan inestable, Natalie Portman tuvo que ensayar duramente para alcanzar el nivel de danza requerido. La actriz practicó ballet hasta los 13 años, pero como señaló en una entrevista para Fotogramas “con 28 años no es sencillo retomar algo que hace 15 que no practicas. A mi edad una bailarina está ya prejubilada salvo que sea una diva”.

La trágica heroína protagonista se ve arropada por un estupendo elenco de secundarios. Vincent Cassel (por cierto, bailarín en su juventud) interpreta al histriónico y mujeriego Thomas Leroy. Mila Kunis es Lily, una joven bailarina repleta de desparpajo que le pisa los talones a Nina, y que despierta en ella odio y sensualidad en la misma proporción. Por su parte Winona Ryder parece verse reflejada a sí misma en el personaje de Beth, una musa del ballet venida a menos que contempla como su carrera termina demasiado pronto. Cierra el elenco Barbara Hershey en el papel de Erica, la sobreprotectora madre de Nina, que recuerda mucho al papel que Piper Laurie interpretó en Carrie.

Aronofsky y el deporte

El propio Darren Aronofsky considera Cisne Negro como la película hermana de su anterior proyecto, El Luchador. Y es que son muchos los puntos en común entre ambas cintas. No sólo el compromiso de sus actores protagonistas (tanto Natalie Portman como Mickey Rourke están que se salen) sino que ambas tratan sobre una enfermiza superación personal a través de la autolesión. Sin embargo mientras que en El Luchador su protagonista es un perdedor que quiere demostrarse a sí mismo su valía (una especie de Rocky, vaya), Nina se obsesiona con encontrar su lado más oscuro para interpretar a la perfección al Cisne Negro, ya sea mordiéndole la lengua a Leroy o masturbándose en una cama rodeada de peluches mientras su madre se echa la siesta.

Ficha técnica y artística

Black Swan

Director: Darren Aronofsky

Guión: John McLaughlin, Mark Heyman, Andres Heinz

Fotografía: Matthew Libatique

Música: Clint Mansell

Reparto: Natalie Portman, Vincent Cassel, Mila Kunis, Barbara Hershey, Winona Ryder.

Productora: Fox Searchlight Pictures

Año: 2010

Duración: 108 minutos

REBELIÓN EN LA GRANJA

Edulcorada adaptación de la novela de George Orwell, demasiado blanda para el público adulto y demasiado oscura para el público infantil. Entretenida pero muy lejos del distópico relato original.

¿De qué va?

Los animales de la Granja Solariega se rebelan contra su amo tras el discurso del Viejo Comandante, el cerdo más anciano y sabio de la granja. Tras la revuelta los cerdos se hacen con el control y rebautizan el lugar como Granja Animal. Dos de ellos, Napoleón y Bola de Nieve, se disputan el liderazgo de la granja.

La revolución rusa

La novela de George Orwell es un símil sobre la revolución rusa y los primeros años de estalinismo. Orwell, persona profundamente de izquierdas y muy cercano a las ideas trostkistas, contemplaba con horror como Stalin había convertido el utópico sueño socialista en una sangrienta dictadura. Aunque escrito en plena Guerra Mundial durante la alianza entre la URSS y Gran Bretaña, el autor no consiguió publicar Rebelión en la Granja hasta 1945. La razón es que durante esa época no había una sola crítica desde Inglaterra hacia el régimen soviético, debido a su condición de aliado frente al fascismo. Orwell criticaba que la prensa británica venerase todo lo que hacía Stalin y así lo comenta en su ensayo La Libertad de Prensa, que actúa como prefacio de su obra. Quizás por atreverse a hacer una crítica a la URSS desde posturas de izquierdas, su obra fue utilizada de manera interesada por la derecha.

De este modo la revolución en la granja comienza cuando el Viejo Comandante (Marx) convence con su discurso a todos los animales para expulsar al granjero Jones (el Zar) y construir una nueva sociedad. La rivalidad entre Bola de Nieve y Napoleón representa la batalla que libraron Trotski y Stalin por el poder. El exilio de Trotski, el intento de Stalin por borrarlo de la memoria del pueblo ruso o la prohibición de La Internacional quedan reflejados en la historia.

La película

En un principio el proyecto se concibió como una película para la televisión que sería emitida por la cadena TNT. Sin embargo para su distribución internacional la película sí que pudo verse en los cines, como es el caso de España. Marionetas creadas por la compañía de Jim Henson y actores respetados para darle voz a los animales fueron las claves de la película: Kelsey Grammer dobla a Bola de Nieve, Ian Holm a Chillón, Patrick Stewart a Napoleón y Peter Ustinov al Viejo Comandante. Por su parte Pete Postlethwaite realiza un doble papel, por un lado interpreta al granjero Jones y por otro pone voz al burro Benjamin.

No es que la película no sea fiel a los hechos narrados en el libro, que lo es, pero lo hace de una manera tan descafeinada que se pierde esa mordaz crítica que Orwell pretendía. El filme se narra desde el punto de vista de la perra Jessie, que es una mezcla entre este personaje y el de Trébol, una yegua que aparece en el libro pero no en la película. Uno de los aspectos que más controversia genera es su final, que continúa más allá del libro, quizás para hacer un símil del final de la Guerra Fría y la victoria del capitalismo. Ya sabéis, americanos.

Ficha técnica y artística

Animal Farm

Director: John Stephenson

Guión: Alan Janes, Martyn Burke a partir de la novela de George Orwell

Fotografía: Mike Brewster

Música: Richard Harvey

Reparto: Kelsey Grammer, Ian Holm, Julia Louis-Dreyfus, Julia Ormond, Pete Postlethwaite, Paul Scofield, Patrick Stewart, Peter Ustinov

Productora: Hallmark Entertainment

Año: 1999

Duración:91 minutos

LOS SUPERCAMORRISTAS

¿Cuántas veces has oído la frase “Jackie Chan nunca se llevará un Oscar”? Yo mismo lo escribí cuando hablé sobre Police Story, y me alegra poder decir que desde el pasado 12 de noviembre el artista marcial tiene entre sus manos el Oscar honorífico por toda su carrera. Hoy recordamos una de las primeras películas de Chan que vi, Los Supercamorristas, una curiosa coproducción entre Hong Kong y España que cuenta con Pepe Sancho como villano.

¿De qué va?

Thomas y David son dos chinos que tienen un pequeño negocio de comida ambulante en Barcelona. Un día conocen a Sylvia, una carterista que resulta ser la hija ilegítima de un conde y la heredera de toda su fortuna. Sin embargo, el codicioso hermano del conde también va tras la herencia. Con la ayuda de Moby, un detective chino, Thomas y David deben derrotar a los esbirros del conde y liberar a Sylvia.

La película

Jackie Chan, Sammo Hung y Yuen Biao son tres grandes estrellas del cine de acción de Hong Kong. Juntos han protagonizado clásicos del kung fu cómico como Los Piratas del Mar de China, Los 3 Dragones o Los Supercamorristas. Tras el rodaje de Los Piratas del Mar de China, a Sammo Hung (también director de la cinta) le apetecía salir de Hong Kong para su siguiente proyecto. Es así como decidieron trasladarse a España, más concretamente a Barcelona, para rodar Los Supercamorristas. Chistes fáciles y coreografías de artes marciales son las claves de la película. ¿Puede haber una oferta más atractiva? Pues sí. En este film encontramos a Jackie Chan compartiendo protagonismo con actores españoles como Pepe Sancho (que interpreta al malo) y la ex Miss España Lola Forner, que más tarde volvió a trabajar junto a Chan en La Armadura de Dios. La película cuenta además con uno de los mejores combates de kung fu de la historia del cine, el protagonizado por Jackie Chan y el campeón de kickboxing Benny “The Jet” Urquidez. Ambos volverían a verse las caras en Los 3 Dragones.

Comidas a domicilio

La razón por la que el título internacional de la película es Wheels on Meals (algo así como ruedas sobre comidas) en lugar de Meals on Wheels (comidas a domicilio) es debido a una superstición. Golden Harvest había producido dos películas que comenzaban con la letra "M", Megaforce y Menage a Trois, que fueron rotundos fracasos en taquilla. Así que los ejecutivos de la compañía cambiaron el título con la esperanza de que la “maldición” no se repitiese. ¡Ojo! No hay que confundir esta película con La Banda de los Supercamorristas (My Lucky Stars) y El Regreso de la Banda de los Supercamorristas (Twinkle Twinkle Lucky Stars), que a pesar de contar entre su reparto con el mismo trío protagonista, no tiene ningún tipo de relación con la película de la que hablamos hoy. El éxito de Los Supercamorristas hizo que de manera oportunista esas dos películas se estrenasen en España con esos títulos.

Ficha técnica y artística

Kuai Can Che

Director: Sammo Hung

Guión: Edward Tang, Johnny Lee

Fotografía: Yiu-Tsou Cheung, Francisco Riba, Arthur Wong

Música: Chris Babida, Siu-Lam Tang

Reparto: Jackie Chan, Sammo Hung, Yuen Biao, Lola Forner, Pepe Sancho, Benny Urquidez, Keith Vitali, Herb Edelman

Productora: Golden Harvest

Año: 1984

Duración: 103 minutos

LET IT BE

Terminamos el repaso a la filmografía de los Beatles con su quinta y última película. Let It Be es un documental que narra la descomposición del grupo, cuyo tenso ambiente contrasta con la alegría que destilaba su ya lejano primer film, A Hard Day's Night. La película ganó un Oscar a la Mejor banda sonora (Mejor adaptación musical) en 1970.

¿De qué va?

La idea consistía en rodar un documental que recogiese el proceso de trabajo de los Beatles durante la composición de nuevos temas, sus ensayos y, finalmente, su presentación al gran público en un concierto. Sin embargo las tensiones entre los cuatro miembros de la banda mostraron al mundo el final del grupo de rock más importante de la historia.

Déjalo estar

Michael Lindsay-Hogg, que ya había grabado con los Beatles los videos promocionales de Paperback Writer, Rain, Hey Jude y Revolution, fue contratado como director. Los ensayos comenzaron en los enormes estudios Twickenham, donde su frío ambiente no hizo más que empeorar las tensiones que ya se vivían dentro del grupo. Al final decidieron regresar a los estudios Apple y terminar el trabajo allí. Para aliviar el malestar en la banda George Harrison llevó como artista invitado al teclista Billy Preston, como ya hiciera con Eric Clapton durante la grabación de While My Guitar Gently Weeps en el White Album. A partir de ese momento, la cosa mejoró.

Aún quedaba pendiente el final de la película. ¿Dónde iba a realizarse el concierto? Sugirieron varios lugares pero como no acababan de ponerse de acuerdo, surgió la idea del famoso concierto en la azotea. Get Back, Don't Let Me Down, I've Got a Feeling, One After 909 y Dig a Pony fueron los temas escogidos por la banda para tocar en su último concierto como Beatles. Durante la actuación, la policía entró en el edificio e interrumpió la música. Los Beatles se alegraron mucho porque pensaron que los arrestarían y así podrían darle un final espectacular a la película. Su decepción fue enorme cuando simplemente les pidieron que bajasen el volumen. Al terminar de tocar, John Lennon se dirigió al público con su habitual ironía: “Quiero daros las gracias a todos en nombre del grupo y esperamos haber pasado la audición”. Y vaya si lo hicieron.

Déjalo estar… Al desnudo

El productor habitual de los Beatles, George Martin (quien comparte con Brian Epstein el título de quinto Beatle) preparó las mezclas del álbum, pero ninguno de los Fab Four parecía quedar satisfecho con el resultado. Ante la tensión, decidieron dejar el disco apartado y grabar un último álbum que sirviese como despedida. Así es como los Beatles y George Martin concibieron Abbey Road. Phil Spector fue contratado para completar Let It Be aplicando su famosa técnica del muro de sonidos. A McCartney nunca acabó de convencerle el resultado, ya que con este proyecto el grupo pretendía volver  a sus orígenes (de ahí que el título original fuese Get Back). En 2003 el ex Beatle publicó una nueva remezcla del álbum titulada Let it Be… Naked.

Ficha técnica y artística

Let It Be

Director: Michael Lindsay-Hogg

Guión: Michael Lindsay-Hogg

Fotografía: Anthony B. Richmond

Producción: Neil Aspinall

Música: The Beatles

Reparto: John Lennon, Paul McCartney, George Harrison, Ringo Starr, Billy Preston.

Productora: Apple Corps, United Artist

Año: 1970

Duración: 81 minutos

YELLOW SUBMARINE

Continuamos repasando la filmografía de los Beatles con Yellow Submarine, una película de animación a medio camino entre las clases de inglés de Muzzy y las cortinillas de Terry Gilliam para el Monty Python's Flying Circus.

¿De qué va?

Érase una vez, o puede que dos veces, una tierra fantástica llamada Pepperland. Este paraíso musical protegido por la Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band se ve amenazado por la llegada de los Malditos Azules, que encierran a la banda en una burbuja y tiñen esta maravillosa tierra de color azul. El Capitán Fred consigue escapar en el Submarino Amarillo y llega hasta Liverpool para pedir ayuda  los Beatles.

La película

Yellow Submarine no es la primera versión animada de los Beatles. Los Cuatro de Liverpool ya contaban con una serie televisiva destinada al público infantil. Como el programa no les gustaba no estaban muy convencidos de hacer una película de dibujos, así que no se implicaron demasiado en el proyecto. La banda contribuyó con cuatro nuevas canciones: Only a Northern Song, Hey Bulldog, It's All Too Much y All Together Now. El resto de temas que suenan en la película son anteriores trabajos de los Beatles como Eleanor Rigby, Lucy In The Sky With Diamonds, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, All You Need Is Love, When I'm Sixty-Four, Nowhere Man y, por supuesto, Yellow Submarine. Pese al escepticismo inicial del grupo el resultado del filme les gustó tanto que decidieron aparecer en un gag al final de la película. En cuanto al doblaje de la cinta, se escogió a actores que pudiesen imitar las voces de los Beatles y su acento de Liverpool. Así, Paul Angelis es la voz de Ringo, John Clive es la de John, Peter Batten es George y Geoffrey Hughes da vida a Paul.

El hijo de John Lennon, Sean, no sabía nada de la vida de su padre como Beatle hasta que vio esta película. Sean le preguntó porqué dejó de ser un Beatle y su padre le explicó que había renunciado a esa vida para estar con él y con su madre. Lo mismo le ocurrió al hijo de George Harrison, Dhani, que descubrió los Beatles con esta película. Cuando el chico le preguntó a su padre porqué nunca se lo había contado, George le respondió de esta manera: "Lo siento. Probablemente debí habértelo dicho."

Un remake imposible

Disney y Robert Zemeckis anunciaron en agosto de 2009 que estaban planeando un remake en 3-D de Yellow Submarine. La técnica de captura de movimiento que el director de Regreso al Futuro utilizó para la realización de Polar Express y Beowulf habían dado muy buenos resultados en taquilla y aún estaba pendiente el estreno de Cuento de Navidad. Sin embargo el fracaso comercial de esta última y de otras producciones Disney similares como Marte Necesita Madres dio al traste con los planes para resucitar el Submarino Amarillo de los Beatles. En fin, quizá sea mejor dejar los clásicos como están.

Ficha técnica y artística

Yellow Submarine

Director: George Dunning

Guión: Lee Minoff, Erich Segal, Al Brodax, Jack Mendelsohn

Música: The Beatles, George Martin

Producción: Al Brodax, Mary Ellen Stewart

Reparto: Paul Angelis, John Clive, Geoffrey Hughes, Peter Batten, Dick Emery, Lance Percival, John Lennon, Paul McCartney, George Harrison, Ringo Starr.

Productora: Apple Corps, King Features Syndicate

Año: 1968

Duración: 90 minutos