MEMORIA DE LOS CAMPOS

Memoria de los campos es quizá el más escalofriante documental sobre la liberación de los campos de exterminio que se ha hecho jamás. Tras el final de la Segunda Guerra Mundial, en 1945, los aliados decidieron reflejar todo ello en una película. Varios directores británicos, entre los que se encontraba Alfred Hitchcock, fueron los encargados de montar un documental que reflejase el horror del Holocausto a partir de las grabaciones tomadas por los aliados en el momento de entrar en los campos. El resultado final del documental fue tan duro que las autoridades decidieron cancelar el proyecto antes de que éste finalizase.

El proyecto F3080

Con el nombre de proyecto F3080, los negativos de la película permanecieron en el Imperial War Museum de Londres hasta que en 1985 la serie de televisión Frontline recuperó la película. Memoria de los campos contaba con 55 minutos editados, aparte del guión para la voz en off del narrador. Frontline sonorizó el video incluyendo el comentario del guión narrado por el actor Trevor Howard. La película trata de ser el acercamiento más fiel posible a cómo lo habían concebido sus autores.

El documental comienza con la subida al poder del partido nazi y el fanatismo que Hitler genera a su paso. Inmediatamente después se traslada al final de la guerra, cuando las tropas aliadas entran en el campo de concentración de Bergen-Belsen. A partir de aquí comienza el horror; imágenes de muertos apilados o tropas de los SS que parecen impasibles a lo que ha sucedido. Dachau, Mauthausen y Auschwitz son sólo algunos de los campos mostrados en el documental.

El principal responsable de la película fue Sydney Bernstein, que contrató a Alfred Hitchcock como asesor y supervisor del material grabado, con el objetivo de dar realismo y veracidad al documental. Suya fue la idea de grabar en los pueblos de alrededor del campo de Bergen-Belsen para contextualizar la ubicación del campo. Imágenes llenas de extrema crudeza, sin música, se reparten durante todo el metraje, que no deja de ser testigo de uno de los episodios más tristes de la historia de la humanidad. Su principal finalidad: que el mundo recuerde lo que ocurrió para que nunca más vuelva a repetirse. Un documental muy duro, pero muy necesario.

Ficha técnica

Memory of the camps

Productor ejecutivo: Sydney Bernstein

Productor: Sergei Nolbandov

Editores: Stewart McAllistor, Peter Tanner

Asesor de tratamiento: Alfred Hitchcock

Tratamiento: Colin Wills, Richard Crossman

Narrador: Trevor Howard

Nacionalidad: Estados Unidos/ Reino Unido

Año: 1985

Duración: 59 minutos

KENSHIN, EL GUERRERO SAMURÁI

Kenshin, el Guerreo Samurái es un filme inspirado en el popular manga de Nobuhiro Watsuki. Tras varias adaptaciones al mundo de la animación, el 25 de agosto de 2012 se estrena en Japón la película de imagen real de Rurouni Kenshin. La cinta alcanza un enorme éxito de crítica y público en su país de origen, a la vez que consigue entrar en la Sección oficial de largometrajes del Festival de Sitges de 2012.

Trama

Japón, 1868. El final de la guerra por la Restauración Imperial supone el comienzo del nuevo gobierno de la Era Meiji. Poco a poco el país comienza a occidentalizarse y los viejos guerreros samuráis desaparecen. Diez años después un vagabundo llamado Kenshin Himura, que durante la guerra fue conocido como el asesino Battosai, llega a Tokyo y se encuentra con un peligroso y sádico asesino que usa su antiguo apodo para ejercer sus crímenes. Sin embargo Kenshin ha jurado no volver a matar y ha cambiado su katana por una espada de filo invertido que le sirve para proteger a los demás sin tener que arrebatarle la vida a nadie.

Del manga al cine

El manga de Rurouni Kenshin se ha convertido en uno de los más exitosos y populares en todo el mundo. Durante los años noventa tuvo una adaptación al anime que en España pudimos ver en Canal + bajo el título El Guerrero Samurái. Como era de esperar, algún día acabaría por adaptarse este material a la gran pantalla. Pero pasar del comic al cine es algo complicado y más aún cuando se trata de un manga, que tiene un discurso narrativo tan característico. No hay más que echar un vistazo a las tristes Dragonball Evolution y Speed Racer. Sin embargo en esta ocasión se ha conseguido un trabajo impecable, de modo que la película gustará tanto a los fans del manga como a aquellos que no lo conocen. 

El responsable de llevar a buen puerto este proyecto es el director Keishi Otomo, que supo adaptar la obra junto a la guionista Kiyomi Fujî. De hecho la historia de la película es muy fiel a las tramas del cómic. Así, el filme adapta la primera etapa del manga, compuesto por varias historias autoconclusivas. Esto podía haber hecho que la película tuviese una estructura episódica, sin embargo el hábil guión le da coherencia y continuidad a toda la película. Lo mejor: las escenas de acción, rodadas con una intensidad endiablada, siendo realistas pero conservando al mismo tiempo el pequeño toque de fantasía de los cómics. 

El reparto

Por su parte los personajes están muy bien caracterizados, además de mantener intacta su esencia. El actor Takeru Satoh se mete en la piel de Kenshin Himura, el asesino reconvertido en un vagabundo de frágil y femenino aspecto. Satoh es un actor muy popular en las televisiones niponas por haber protagonizado varias series de la pequeña pantalla. Emi Takei es Kaoru, la inocente aunque algo neurótica maestra del dojo Kamiya. Taketo Tanaka da vida a Yahiko Myōjin, el orgulloso y descarado alumno de Kaoru, mientras que Munekata Aoki es Sanosuke Sagara, el inseparable amigo de Kenshin. Por ponerle una pega a la cinta, son precisamente estos dos personajes, Sano y Yahiko, los que se ven más perjudicados. La amplia trama no permite desarrollarlos y se dejan fuera cosas como el asesinato de las Sekihotai y del "padre adoptivo" de Sanosuke, Sōzō Sagara. Esperemos que en el caso de realizarse posteriores secuelas, lo cual es bastante probable, continúen adaptando las historias originales con la misma seriedad y honestidad que ésta, pero sin dejar de lado las tramas secundarias que tan rica hicieron la obra original.

Ficha técnica y artística

Rurouni Kenshin

Director: Keishi Ohtomo

Guión: Keishi Ohtomo y Kiyomi Fujî basado en el manga de Nobuhiro Watsuki

Música: Naoki Sato

Fotografía: Takuro Ishizaka

Reparto: Takeru Satoh, Emi Takei, Yû Aoi, Teruyuki Kogawa, Yôsuke Equchi, Munetaka Aoki, Kôji Kikkawa, Taketo Tanaka

Productora: IMJ Entertainment / RoC Works Co. / Studio Swan

Nacionalidad: Japón

Año: 2012

Duración: 134 minutos

GANGSTER SQUAD. BRIGADA DE ÉLITE

La tercera película de Ruben Fleischer, el director de Bienvenidos a Zombieland, cobra la forma de un thriller de acción, que narra la historia de unos gansters y del grupo de policías que tienen que acabar con ellos. El resultado final es Gangster Squad. Brigada de élite, una correcta película repleta de guiños a otros filmes del género.

La película

Los Ángeles, años 40. La ciudad está bajo el control del gangster Mickey Cohen (interpretado por Sean Penn). Para contrarrestar el poder del mafioso, el Jefe de Policía Parker (Nick Nolte) le encarga al sargento John O´Mara (Josh Brolin) formar una brigada secreta. ¿Cuál es la diferencia entre ellos y otros grupos de policías? Que no son un equipo creado para detener ni matar a los mafiosos. Su objetivo es acabar con los negocios de los gangsters usando los mismos medios que ellos usan para extorsionar a la población. Sin embargo, Mickey Cohen tomará un duro y sangriento contraataque contra esta brigada.

A la película le cuesta un poco arrancar, pero tras el planteamiento de la trama y la presentación de los personajes la película sube la tensión a medida que va avanzando. Por otro lado, el filme tiene más de  thriller policíaco en la línea de los Intocables de Elliot Ness que de los shakespirianos mafiosos de El padrino. De hecho Gangster Squad tiene un argumento y un desarrollo muy parecido al del clásico filme rodado por Brian De Palma. Y que es que Fleischer es en esta cinta una fábrica de homenajes, en especial el cine de gangster de los 70 realizados por Martin Scorsese. Nada más comenzar el filme, Scorsese ya está presente. Esa cámara que se muestra en pantalla mientras se oye la voz en off de Josh Brolin  nos es más que un guiño al inicio de Malas calles. 

Mención aparte merece el espectacular reparto: Josh Brolin es el poli duro, Ryan Gostlyn el poli ligón, Sean Penn el malo y Emma Stone la femme fatale. Eso sin tener en cuenta el elenco de secundarios, entre los que destacan Nick Nolte y Robert Patrick. Tan solo por esto, la película ya es interesante. Puede que Ruben Fleischer no sea Brian De Palma ni Gangster Squad tenga la grandeza de las películas a las que homenajea, pero es una cinta muy entretenido. Y eso ya es bastante.

Ficha técnica y artística

Gangster Squad

Director: Ruben Fleischer

Guión: Will Beall, basado en el libro de Paul Lieberman

Música: Steve Jablonsky

Fotografía: Dion Beebe

Reparto: Josh Brolin, Ryan Gosling, Emma Stone, Nick Nolte, Sean Penn, Robert Patrick, Michael Peña, Giovanni Ribisi, Anthony Mackie, Mireille Enos

Productora: Langley Park Productions/ Link Pictures

Nacionalidad: Estados Unidos

Año: 2013

Duración: 113 minutos

STEVEN SPIELBERG: EL REY MIDAS DE HOLLYWOOD (PARTE III)

Cuando lo comercial y lo personal se dan la mano

1993 es uno de los mejores años, profesionalmente hablando, de la carrera de Steven Spielberg. Estrena dos películas notablemente diferentes. Una es Jurassic Park, y la otra, La lista de Schindler. Basado en la historia de Michael Crichton y con guión de David Koepp, Parque Jurásico reventó las taquillas de todo el mundo volviendo a conseguir que una película de Spielberg se convierta en el filme más taquillero de la historia, además de poner de moda la fiebre por los dinosaurios. Los efectos especiales de la película unen tanto animación generada por ordenador como dinosaurios mecánicos. La mezcla es tan buena que incluso hoy día, con la cantidad de avances tecnológicos que hay, siguen pareciendo reales.

Por otro lado, La lista de Schindler se convertiría en la película que le abrió al director de Ohio  el camino hacia los Oscar. Inspirado en la novela de Thomas Keneally El arca de Schindler(1982), Spielberg se interesó en adaptarlo al cine desde el momento de su publicación. El rodaje se fue retrasando hasta llegar a marzo de 1993. Estos años dan a Spielberg la madurez suficiente como director para llevar la película a buen puerto. Su fotografía en blanco y negro, su estilo documental con cámara al hombro y, sobre todo, la dura historia del Holocausto marcan a la película que le daría el aplauso de los académicos: 7 premios Oscar incluyendo los de Mejor película y Mejor director. Spielberg queda tan marcado tras hacer el filme, que poco después crea la Fundación de Historia Visual de los Supervivientes de Shoah, que recoge grabaciones de los supervivientes del holocausto judío.

En 1998, Spielberg consigue otro Oscar a la Mejor dirección por una película que vuelve a enmarcarse en el contexto de la Segunda Guerra Mundial. Salvar al soldado Ryan es quizá el filme bélico más crudo y realista que se haya rodado jamás. Tomando como punto de partida el histórico desembarco en Normandía, la película narra la historia de cómo ocho hombres arriesgan sus vidas por salvar la de otro, siendo su objetivo realizar una buena acción dentro del horror de la guerra.

En los años siguientes, el autor de La lista de Schindler realiza proyectos muy diferentes: ciencia ficción en clave de melodrama (I.A. Inteligencia Artificial), ciencia ficción de cine negro (Minority report), e incluso una ciencia ficción más catastrófica y oscura (La guerra de los mundos). El drama con tintes cómicos (Atrápame si puedes y La terminal) y el drama más serio (War horse. Caballo de batalla) no hacen más que reafirmar el talento narrativo del cineasta. Con Munich realiza un filme sucio y oscuro, protagonizado por antihéroes muy en la línea de las películas de los 70. Sin embargo, tampoco deja atrás sus orígenes con su primera película de animación Las aventuras de Tintín. El secreto del Unicornio.

Gran parte del éxito de Spielberg radica en el sólido equipo que a lo largo de los años ha ido desarrollando. Nada sería lo mismo sin la música de John Williams, la fotografía de Janusz Kaminski o el montaje de Michael Khan. A todo ello se une su trabajo como productor en filmes de éxito como Gremlins, Poltergeist o Regreso al futuro. Steven Spielberg consigue además desmarcarse de sus colegas del Nuevo Hollywood de los 70. Francis Ford Coppola, Martin Scorsese o Brian de Palma, renovaron el cine junto con Spielberg. Sin embargo, es el chico de Ohio el único que hoy día tiene poder suficiente para hacer la película que quiere, además de conseguir que el público acuda en masa a verla en las salas de cine. No en vano, le apodan el “Rey Midas de Hollywood”. Cerramos el espacio dedicado a Spielberg con el momento en que recibe el Oscar a la mejor dirección por La lista de Schindler.

STEVEN SPIELBERG: EL REY MIDAS DE HOLLYWOOD (PARTE II)

Los años del entretenimiento: Desde Tiburón a Indiana Jones

Loca evasión pasa sin pena ni gloria por las salas cinematográficas, pero es gracias a esta película que Spielberg entabla amistad con los productores Richard Zanuck y David Brown, que le ofrecen dirigir su siguiente proyecto: Tiburón. La realización fue, cuanto menos, accidentada. El rodaje inicialmente estaba previsto para 55 días, que al final se convirtieron en 155. Rodar en alta mar o los fallos del tiburón mecánico son tan sólo algunos de los problemas con los que tuvo que lidiar el joven director, que contaba únicamente con 26 años de edad. Partiendo de un presupuesto de 8 millones de dólares Tiburón recaudó, tan sólo en Estados Unidos, más de 100 millones, creando así el primer blockbuster moderno y convirtiéndose en la película más taquillera de la historia hasta ese momento. A medio camino entre la osadía de un genio y la insensatez de un joven, Spielberg crea un nuevo tipo de terror cinematográfico, haciendo además que aquel verano de 1975 la gente temiese ir a las playas a bañarse.

En los siguientes años dirige otras cintas de éxito, como Encuentros en la tercera fase (1977), En busca del arca perdida (1981) y E.T., el extraterrestre (1982), con la que consigue batir el récord de taquilla de Tiburón. E.T., el extraterrestre es una de las obras más perfectas y personales del director de Ohio, donde el Spielberg adulto y el Spielberg niño se dan la mano en una emotiva historia de amistad entre un niño y un alien. El niño, Elliot, es un reflejo de Spielberg, un chico solitario que encuentra en este extraterrestre a su mejor amigo. Esta es una de las primeras veces que se retrata, o al menos de manera más directa, la ausencia del padre. Los padres de Steven se divorcian en el año 1966, y este hecho se ve reflejado en toda su filmografía. El padre de Elliot ha abandonado a su familia para escaparse a México con su amante, Robin Williams es un hombre de negocios demasiado ocupado para estar con sus hijos en Hook. El capitán Garfio, Tom Cruise pierde a su hijo de manera imprudente en Minority Report mientras que en La Guerra de los Mundos se le presenta como un irresponsable y despreocupado padre. Aunque quizás, la relación entre Harrison Ford y Sean Connery como padre e hijo en Indiana Jones y la última cruzada sea la más representativa: un padre tan obsesionado con su trabajo que pasa por alto el cuidado de su hijo.

Respecto a la saga de Indiana Jones, inaugurada en 1981 con En busca del arca perdida, Spielberg hace con ella un perfecto homenaje al cine de aventuras clásico. En su deseo de dirigir una película al estilo de James Bond, su amigo George Lucas le ofrece la dirección de su nuevo proyecto: las aventuras de un arqueólogo "buscador de tesoros". Lo que Star Wars debe a los seriales de ciencia ficción de los años 30, Indiana Jones se lo debe a los de aventuras. Spielberg rodó tres secuelas más, Indiana Jones y el templo maldito (1984), Indiana Jones y la última cruzada (1989) e Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal (2008), pero ninguna de ellas alcanzaría la perfección de la original. No en vano, Spielberg ha declarado que es la única película de su filmografía de la que no cambiaría ni un solo plano.

No obstante, este fructífero período de éxito comercial también cuenta con estrepitosos fracasos como 1941 (1979) o Hook. El capitán Garfio. Además, Spielberg entra de lleno en un cine más serio y de corte más social con El color púrpura (1985), El imperio del sol (1987) y Always (Para siempre) (1989). La crítica no supo entender muy bien el cambio de corriente del director, al que consideraban un autor de filmes comerciales y de espectáculo. Prueba de ello son las 10 nominaciones a los Oscar con las que contaba El color púrpura, y que finalmente se fue de vacío.

STEVEN SPIELBERG: EL REY MIDAS DE HOLLYWOOD (PARTE I)

Steven Spielberg es, a día de hoy, uno de los maestros del cine. No sólo por su facilidad a la hora de copar las taquillas de todo el mundo, sino porque poco a poco ha ido depurando su sello personal. Spielberg aúna con maestría el estilo clásico de otros grandes directores como John Ford o David Lean, a la vez que se mantiene moderno y fresco. Prueba de ello es Lincoln, su última película, que se ha colado entre las favoritas a los Oscar de 2013 con un total de 12 nominaciones, incluyendo las de Mejor director y Mejor película.

Pero, ¿cuál ha sido el recorrido del “Rey Midas de Hollywood” hasta llegar a este punto? Una carrera repleta de éxitos como Tiburón, E.T., el extraterrestre o Jurassic Park se mezcla con películas alabadas por la crítica, como La Lista de Schindler o Salvar al Soldado Ryan, sin dejar atrás los estrepitosos fracasos de 1941 o Hook. El capitán Garfio.

La juventud del genio

Steven Allan Spielberg nace en Cincinatti, Ohio, el 18 de diciembre de 1946. Es hijo de  Leah Posner, una concertista de piano, y Arnold Spielberg, que se dedica a la ingeniería informática. Su herencia judía, la dedicación de sus padres a sus respectivos trabajos y las constantes mudanzas a causa del trabajo de su padre, hacen del niño Spielberg un muchacho solitario y tímido que se refugia en los productos de la cultura pop: el cine, la televisión y los cómics. Steven se hace dueño entonces de la cámara 8mm de su padre para hacer películas caseras y así le despierta el gusanillo por la dirección. El joven Spielberg rueda varios cortometrajes de como The last gun y Escape to nowhere. A los 17 años filma una película de ciencia ficción con su cámara de 8mm, titulada Firelight. Su padre le alquiló un cine de Phoenix por una noche para proyectar su película. Ésta consiguió recaudar un total de 600 dólares, cuando rodarla le había salido por unos 500. Así ganó sus primeros 100 dólares gracias al cine.

Los años pasan, y en 1968 rueda un cortometraje en formato de 35 mm y a todo color titulado Amblin´. Este cortometraje logra hacerse con algunos premios  en el Festival de Cine de Atlanta y en el Festival de Cine de Valencia. Para entonces, los directivos de la Universal ya se habían fijado en el joven realizador de Ohio y le habían propuesto un contrato de siete años para trabajar en televisión. Entre los trabajos de Steven para la Universal tv destaca la dirección de uno de los tres sketches que componen el episodio piloto de Night Gallery o el primer capítulo de Colombo, titulado Homicidio de acuerdo con el libro.

Su verdadera oportunidad le llega en 1971 con Duel (El diablo sobre ruedas), un telefilme inspirado en un relato que el escritor de ciencia-ficción Richard Matheson había publicado en la revista Play boy. El telefilme tuvo tal éxito de crítica y público que los jefes de la Universal decidieron estrenarla en los cines europeos. Duel abrió las puertas a Spielberg para realizar su primera película para el cine: Sugarland Express (Loca evasión).

LAS VENTAJAS DE SER UN MARGINADO

El debutante en la dirección Stephen Chbosky adapta al cine su novela The perks of being a wallflower, titulada en España Las ventajas de ser un marginado. Hacer este tipo de película juvenil puede tener un gran problema: hacer una americanada cargada de tópicos. Por fortuna no ocurre nada de eso. Chbosky nos regala una película honesta, muy bien narrada e interpretada.

La película

Charlie es un inteligente y algo tímido chico que empieza su primer año de instituto. Charlie narra a través de sus cartas los conflictos con los que tiene que enfrentarse: el sexo, las drogas, intentar encajar en un nuevo ambiente, lidiar con su familia y vencer sus propios fantasmas internos. Charlie entablará amistad con dos chicos del último curso del instituto, Patrick y su hermanastra Sam, lo que cambiará para siempre su vida.

Nada de adolescentes que quieren ser los más populares de la clase. Nada de chicos que intentan perder la virginidad antes del baile de graduación. La película se centra en las emociones del protagonista y sus amigos, y el tipo de situaciones con las que tienen que enfrentarse cada día. 

El filme se ve con cierta nostalgia, recordando un pasado del que no hace mucho que terminó. No hay más que fijarse en que Charlie escribe sus cartas a máquina y no ha ordenador, y que los chicos escuchan cintas de cassette en una época donde no hay teléfonos móviles ni internet. La novela se convirtió en su día en la voz de una generación tratando temas que van más allá del tiempo; el sentirse solo e incomprendido, el sentir que tienes una familia que sólo te apoya por obligación o el tener a tu lado a la chica de tus sueños mientras ves cómo malgasta su tiempo con otros.

El trabajo de los tres actores protagonistas es sensacional. Por un lado está Logan Lerman que da vida al protagonista. Charlie es un chico inteligente, solitario y algo tímido, que encierra sus sentimientos en sí mismo. Emma Watson interpreta a Sam, la chica por la que Charlie bebe los vientos, dejando muy atrás su papel de Hermione Granger en la saga de Harry Potter. Por su parte Ezra Miller interpreta a Patrick, el hermanastro homosexual de Sam y mejor amigo de Charlie. A Miller pudimos verlo durante la segunda temporada de Californication dando vida a Damian, el novio de Becca Moody (Madeleine Martin). 

Respecto al director, Stephen Chbosky, realiza con este filme una muy buena ópera prima demostrando su buen gusto musical y un especial cuidado por la fotografía. Chbosky ha trabajado además en otras facetas del panorama audiovisual; es uno de los creadores de la serie de televisión Jericho y autor del guión de la película Rent de Chris Columbus.

Ficha técnica y artística

The perks of being a wallflower

Director: Stephen Chbosky

Guión: Stephen Chbosky, basado en su propia novela The perks of being a wallflower

Música: Michael Brook

Fotografía: Andrew Dunn

Intérpretes: Logan Lerman, Emma Watson, Ezra Miller, Mae Whitman, Kate Walsh, Dylan McDermott, Melanie Linskey, Nina Dobrey, Johnny Simmons, Joan Cusack.

Productora: Mr Mudd/  Summit Entertainment

Nacionalidad: Estados Unidos

Año: 2012

Duración: 103 minutos

TORTUGAS NINJA

A mediados de los 80, Kevin Eastman y Peter Laird crean un comic underground muy en la línea de las historias de Frank Miller titulado Teenage Mutant Ninja Turtles. El éxito del comic es tan grande que pronto es adaptada a una serie de televisión para niños en 1987. No obstante la adaptación animada de los personajes de Estman y Laird es bastante diferente al material original. El cómic es mucho más oscuro, violento y sangriento y que la serie de televisión, así que los antihéroes del comic pasan a ser un grupo de simpáticos superhéroes en la pequeña pantalla. La serie animada también goza de gran popularidad, así que la adaptación a la gran pantalla no tarda mucho en llegar. En 1990 se estrena la primera película las Tortugas ninja.

Tortugas ninja (1990)

Una oleada de crímenes está sacudiendo toda la ciudad de Nueva York. Los delitos son obra de una organización de criminales ninja conocidos como el Clan del Pie, liderados por el perverso Schredder. Los únicos capaces de detenerlos son Raphael, Leonardo, Donatello y Michaelangelo, unas simpáticas tortugas mutantes instruidas en el arte ninja por el viejo maestro Splinter, una rata de metro y medio. Las tortugas contarán además con la ayuda de la periodista April O´Neil y el justiciero Casey Jones.

La película fue un enorme éxito de taquilla en todo el mundo, convirtiéndose en una de las producciones independientes más exitosas de Estados Unidos. Los disfraces de  las tortugas fueron hechos por la empresa de Jim Henson (sí, los mismos que hacían Los Teleñecos y Fraggle Rock) y la dirección cayó en manos de Steve Barron, un conocido director de videoclips que, entre otros, había realizado el de la canción Take on me del grupo A-Ha. Para interpretar a April O´Neil se escogió a la actriz Judith Hoag, mientras que el encargado de dar vida a Casey Jones fue Elias Koteas.

La película tiene su mayor base en las novelas gráficas, sin embargo también tiene elementos de la serie de televisión, que sirven para suavizar la historia. La trama se inspira en los primeros comics de las Tortugas ninja publicados en 1984, que narran la lucha entre las tortugas  y Schredder. Se mantiene el tono oscuro y sombrío del cómic, pero se añaden varios elementos de los dibujos animados. Por un lado el vocabulario de las tortugas es el mismo que el de la serie, repleto de modismos y de chistes. Eso sin contar con su manera de luchar; en el comic salvaje y sangrienta, en la película más light y cómica, donde siempre aprovechan para burlarse de su rival entre golpe y golpe. Por otro lado, en las historietas las cuatro tortugas llevan una cinta de color rojo en la cabeza, mientras que en la película se optó por utilizar los diferentes colores usados en la serie para darle a cada una su propia personalidad: azul para Leonardo, morado para Donatello,  naranja para Michaelangelo y finalmente el rojo, que se mantiene sólo para Raphael. El personaje de April también sufre varios cambios. Mientras que en el comic April era la ayudante del científico Baxter Stockman, en la película se decide optar por una April reconvertida en periodista televisiva, como ya se hiciera en la serie de animación.

La personalidad de las tortugas también se refleja. Leonardo como líder del grupo, es paciente y sensato. Raphael, el rebelde, solitario y busca “líos del grupo”. Donatello es el más intelectual, mientras que Michaelangelo es el más despistado y bromista de los cuatro. Todos ellos amantes de la pizza y de la cultura pop. La primera película se centra sobre todo en Leonardo y Raphael, mientras que las personales de Michaelangelo y Donatello se desarrollan más en las continuaciones.

Tortugas ninja II. El secreto de los mocos verdes (1991)

Al año siguiente llegó la secuela, que retoma las andanzas de las tortugas justo donde acababa la primera entrega. Tras la derrota de Schredder, Leonardo, Raphael, Donatello, Michaelangelo y Splinter viven en casa de April mientras encuentran un nuevo lugar para instalarse. Sin embargo, el secreto de sus orígenes mutantes les es revelado cuando conocen la existencia del laboratorio TGRI y de la fórmula del líquido que les convirtió  en mutantes, al que ellos llaman “los mocos verdes”. Sin embargo, Schredder regresa para conseguir el compuesto químico y formar un ejército de mutantes. Pese a contener muchas escenas de acción, la violencia es mucho menor que en la primera película. De hecho, salvo Donatello, ninguna de las tortugas golpea con sus armas a sus rivales. La historia de esta secuela se inspira también en los primeros capítulos de la novela gráfica. El encargado de la dirección es Michael Pressman, mientras que Paige Turco sustituye a Judith Hoag en el papel de April O´Neil. El film está dedicado a la memoria de Jim Henson, que falleció a mediados de 1990 a causa de una neumonía y cuya empresa volvía a encargarse de los disfraces.

Tortugas ninja III (1993)

En esta tercera entrega, Raphael, Leonardo, Donatello y Michaelangelo viajan al Japón feudal para rescatar a April, que ha viajado en el tiempo a causa de un cetro sagrado y ha caído en manos del señor de la guerra Lord Norinaga. En esta nueva época, las tortugas se verán envueltas en una guerra entre el Shogun y un ejército de rebeldes. Stuard Guillard escribe y dirige el filme, que muestra unas escenas de acción mucho más duras y más en la línea de la primera parte. En el reparto, Paige Turco continúa interpretando a April, además de recuperar a Elias Koteas para interpretar a Casey Jones. En esta ocasión, la empresa Henson's Creature Shop no se encarga del vestuario, puesto que consideraron que la historia era demasiado violenta. En su lugar, All Creature Effect fue la encargada de hacer los nuevos diseños de las tortugas.

No sería hasta el año 2007 hasta que las Tortugas ninja volvieron al cine. Esta vez en forma de película de animación creada por ordenador titulada Tortugas ninja. Jóvenes mutantes. El filme fue dirigido por Kevin Munroe, aunque no contó con tanto respaldo del público como las anteriores versiones. Actualmente se está preparando una nueva versión en carne y hueso de los cuatro héroes, con bastantes cambios en la historia original y con Michael Bay encargado de la producción. Su estreno está previsto para el año 2014.

TRILOGÍA POLTERGEIST

La palabra poltergeist es de origen alemán y significa algo así como “hacer ruido”. El término se puso de moda en 1982 gracias a la ya mítica película Poltergeist. Tobe Hooper dirige y Steven Spielberg produce. El filme fue un tremendo éxito en su día y, tras ella, vinieron dos secuelas y una serie de tragedias que cayeron sobre los actores.

Poletergeist: fenómenos extraños 

Los Freeling son una típica familia americana de clase media que se traslada a vivir a una casa de un tranquilo barrio. Sin embargo en la casa pronto empiezan a suceder una serie de fenómenos extraños que culminan con la desaparición de la hija pequeña, Carol Anne, a causa de unos espíritus que aparecen a través de la televisión. En realidad, el barrio está edificado sobre un antiguo cementerio.

La idea original es de Steven Spielberg, que además produce y escribe el guión junto con Michael Grais y Mark Victor. En un principio el mismo Spielberg iba a ser el director de la cinta. Tras terminar en el año 1981 En busca del arca perdida, el director de Ohio se encontraba desarrollando dos proyectos de manera simultánea: Poltergeist y E.T., el extraterrestre. Como legalmente no podía dirigir dos proyectos a la vez, Spielberg dejó la dirección de la película en manos de Tobe Hooper, responsable de La matanza de Texas. El resultado final es una muy buena película que recoge los miedos y obsesiones infantiles de Spielberg, como los payados o las ramas de los árboles que se ven desde la ventana. La película ha sabido resistir el paso de los años y es que hoy día aún hay escenas que continúan provocando terror, como los esqueletos de la piscina o la mítica frase de Carol Anne: “Ya están aquí…”.

Las secuelas: Poltergeist II y Poltergeist III

Ya sin Spielberg ni Hooper, se rodaron dos entregas más. En 1986 se estrena Poltergeist II. El otro lado. La película se ambienta algún tiempo después de los hechos narrados en el primer filme. La familia Freeling se ha mudado e intenta recuperar su vida. Sin embargo, la pequeña Carol Anne aún tiene poderes extrasensoriales. Es en ese momento cuando entra en escena el perverso reverendo Kane. La tercera película, Poltergeist III, se estrena en 1988 y sólo mantiene del reparto original a Heather O´Rourke. Los padres de Carol Anne  la envían a Chicago para vivir con sus tíos y así alejarla del reverendo Kane. Sin embargo el mal tomará el control del enorme edificio donde vive, y allí se producirá una nueva oleada de fenómenos extraños. Ninguna de las dos continuaciones se acerca en lo más mínimo a la original, siendo ambos filmes lentos, aburridos y predecibles. Una verdadera lástima.

La maldición de Poltergeist

Que al reparto de Poltegeist le hubiesen hechado una maldición fue un rumor absurdo que circuló durante años. Lo que no quiere decir que los actores no hayan sufrido una terrible mala suerte. Will Sampson  y Julian Beck (que interpretaron respectivamente al indio Taylor y al reverendo Henry Kane en Poltergeist II. El otro lado) murieron poco después del rodaje de la película. Pero lo más sonado son las muertes de Dominique Dunne y Heather O´Rourke.

Dominique Dunne dio vida a Dana, la hija mayor de los Freeling. En 1982, poco después del rodaje de la primera película de Poltergeist, Dunne había conseguido el papel de Robin para la serie V. Una noche se encontraba en su casa preparando el papel junto a su compañero de reparto David Packer. Fue entonces cuando apareció su ex novio, John Thomas Sweeney, y la estranguló hasta asfixiarla. Estuvo en coma durante cinco días hasta que finalmente la desconectaron de la máquina. Dominique Dunne tenía 22 años en el momento de su muerte. Tras un juicio de vergüenza el asesino cumplió solo dos años y medio de prisión y cambió su nombre para que nadie pudiese volver a localizarle. Sus escenas rodadas para V tuvieron que volver a grabarse, siendo sustituida por la actriz Blair Tefkin. 

Por otro lado Heather O´Rourke, la niña que interpretó a Carol Anne en las tres entregas de la serie, murió de estenosis intestinal a los 12 años. Parte de la culpa recae en un gran número de negligencias médicas a la hora de diagnosticar su enfermedad que, de haberse evitado, podrían haber salvado la vida de la niña. Curiosamente las dos actrices reposan sus restos en el cementerio Westwood de los Angeles. 

TRILOGÍA EVIL DEAD

La trilogía de Spiderman no fue la primera que dirigió Sam Raimi. Años antes y con mucho menos presupuesto, se ocupó de la realización de la trilogía de Evil dead, compuesta por Posesión infrenal, Terroríficamente muertos y El ejército de las tinieblas. Convertidas en películas de culto y protagonizada por Bruce Campbell los filmes sirvieron sobre todo para lanzar la carrera del joven director. Violencia gratuita, mucha sangre, terror y risas son las claves de esta serie. ¿Quién puede resistirse a semejante combinación?

Posesión infernal (Evil dead, 1981)

Cinco amigos van a pasar un fin de semana en una cabaña situada en lo más profundo de un bosque de Tenesse. Ash (interpretado por Bruce Campbell) y sus compañeros no tienen ni idea de lo que se les viene encima. Los chicos encuentran allí  un magnetófono con la voz grabada de un arqueólogo que parece haber muerto a causa de sus investigaciones. Junto a la grabación encuentran también lo que parece ser su objeto de estudio: un libro escrito con sangre y cuya cubierta está hecha con piel humana, llamado Libro de los Muertos o Necronomicon. Al poner en marcha el magnetófono la voz recita unos pasajes del libro y es entonces cuando el mal despierta en el bosque y posee a los chicos.

La película está repleta de guiños a otros filmes del género como La matanza de Texas, La noche de Halloween o Viernes 13, y explota las bases establecidas en ellas: jóvenes con ganas de pasárselo bien que sufren mucho. El sexo, muy presente en este tipo de películas, se ve aquí representado por la violación que sufre una de las chicas por parte del bosque encantado, sembrando así el germen de la posesión. Entramos entonces en un cuento infantil oscurecido, donde Ash se convierte en un antihéroe pulp dispuesto a enfrentarse con demonios traviesos y sádicos. Tras el espectáculo gore de la cinta subyace un macabro sentido del humor que será desarrollado en sus secuelas y que ya deja entrever el talento de su director.

Evil dead se inspira en el mediometraje Within the Woods, también dirigido por Raimi y protagonizado por Campbell. Con los beneficios obtenidos por este trabajo, Sam Raimi, Bruce Campbell y Robert Tapert se embarcan en la realización de la película. El rodaje dura tres meses y se filma en formato de 16 mm. Se estrena por primera vez en Michigan en 1981 con el título Book of the dead, para luego ser mostrada en algunos festivales y mercados de cine, como  por ejemplo el Festival de Sitges. Sin embargo, las distribuidoras de video se fijaron en la cinta de Raimi. En 1983 se reestrena simultáneamente en cine y video con el título Evil dead. Debido a su violencia la película fue censurada en varios países, donde algunas partes fueron cortadas e incluso permaneció prohibida durante años. No es hasta el año 2001, gracias al éxito de Spiderman, cuando se relanza el filme con su montaje íntegro.

Terroríficamente muertos (Evil dead 2, 1987)

La segunda película no conecta temporalmente del todo con la primera. A causa de problemas de derechos con Posesión infernal, el prólogo de Terroríficamente muertos no pudo incluir escenas que resumiesen la primera entrega, como era la intención de Raimi. De este modo se reedita lo acontecido en Posesión infernal en un prólogo protagonizado por Ash y su novia Linda, cambiando personajes y situaciones. En esta ocasión Ash se encuentra bajo el influjo del mal a causa del Libro de los Muertos. Además, llegan a la vieja cabaña los familiares del científico que falleció a causa de sus investigaciones sobre el Necronomicon.

Si piensas que la pierna-metralleta de Planet Terror es original, es que no conoces la mano-motosierra de Terroríficamente muertos. El tono de la película es mucho más estridente y de un humor más surrealista que en la anterior entrega. El personaje de Ash también cambia; pasa de ser una víctima a convertirse en un guerrero. La película podría definirse como un filme de dibujos animados terrorífico. Posiblemente la mejor entrega de la saga.

El ejército de las tinieblas (Army of darkness, 1992)

Tras la lucha final de Evil dead 2, Ash viaja a través del tiempo hasta llegar a la Inglaterra del siglo XIII. Un ejército de guerreros medievales cuenta con Ash para recuperar el Necronomicon antes de que despierte el ejército de las tinieblas, una armada compuesta por esqueletos. Ash se convierte en esta entrega en un guerrero de otra época que lucha por regresar a su mundo. El ejército de las tinieblas se caracteriza por tener una mayor dosis de aventura y humor en detrimento del terror, con un Ash mucho más excéntrico y gesticulante. Genial guiño a Jasón y los Argonautas con el ejército de esqueletos. 

Sam Raimi se asemeja a otros directores con fama de irreverentes como los Coen o Tarantino, influenciados por los comics, la televisión y las novelas pulp. De hecho Joel Coen actúa como montador en la primera película de la saga.  Tras terminar su saga de Spiderman, Raimi volvió al terror en Arrástrame al infierno, que no es más que una reinvención de sus películas de los 80.

En primavera de 2013 se estrena el remake de Posesión infernal, dirigida por  Fede Álvarez, que debuta en el largometraje con este filme. Sam Raimi, Bruce Campbell y Robert Tapert figuran como productores. Nos despedimos con el trailer de la película original.