EL AVIADOR

Nadie puede negar que Leonardo DiCaprio es en el nuevo Robert De Niro. Su segunda colaboración con Martin Scorsese, El Aviador, se convirtió en una de las cintas más exitosas del director.

¿De qué va?

La película narra la vida del magnate Howard Hughes entre los años 1927 y 1947. Durante este tiempo Hughes diseña aviones, dirige películas y mantiene sonados romances con estrellas de Hollywood. Todo ello a pesar de padecer un trastorno obsesivo-compulsivo.

La película

El biopic del excéntrico Howard Hughes pasó años de mano en mano hasta que Leonardo DiCaprio se involucró en el proyecto. La buena sintonía que el actor desarrolló con Martin Scorsese durante el rodaje de Gangs of New York le llevó a ofrecerle dirigir el proyecto. Scorsese le contestó que no sabía nada de aviación pero que tampoco lo sabía de boxeo antes de hacer Toro Salvaje, así que al final aceptó. Marty y su director de fotografía, Robert Richardson, afrontaron la película dándole un aspecto visual espectacular. El filme recrea (aunque de manera digital) las tonalidades de color de la época, emulando el resultado del Technicolor de dos y tres bandas. De este modo la primera hora de película imita los tonos magenta y verdosos de la primera época del Technicolor, mientras que de ahí en adelante las imágenes copian la apariencia del Technicolor de tres tiras. Es decir, que a medida que avanza la película, el color se vuelve más sofisticado.

Para enfrentarse al personaje de Howard Hughes, Leonardo DiCaprio pasó algún tiempo con pacientes de trastorno obsesivo-compulsivo. A partir de esas investigaciones, surgieron escenas como la de lavarse las manos hasta sangrar o repetir varias veces la misma frase. Por su parte Cate Blanchett da vida a Katharine Hepburn, el gran amor de Howard Hughes. Para preparar el papel Blanchett aprendió a jugar al tenis y al golf, algo por lo que Hepburn era conocida. Además Scorsese le pidió que viese las primeras películas de la actriz para que captase su fuerza y aplomo. El reparto se completa con secundarios de lujo como Kate Beckinsale, Allan Alda, Alec Baldwin, Jude Law y Willem Dafoe.

El Aviador fue un éxito de taquilla y se convirtió en la primera película de Martin Scorsese en recaudar más de cien millones de dólares en los Estados Unidos. En cuanto al palmarés, recibió once nominaciones a los Premios Oscar de 2005, de los cuales se llevó cinco: Mejor actriz de reparto (Cate Blanchett), Mejor montaje, Mejor fotografía, Mejor diseño de producción y Mejor vestuario. Como curiosidad, Cate Blanchett se convirtió en la primera actriz en ganar un Oscar por interpretar a una actriz ya oscarizada (Catherine Hepburn consiguió cuatro estatuillas). Para cerrar os dejo una curiosidad aún más friki: Howard Hughes sirvió de inspiración para crear a Tony Stark, el carismático Iron Man, interpretado por Robert Downey, Jr. en la gran pantalla.

 Ficha técnica y artística

The Aviator

Director: Martin Scorsese

Guión: John Logan

Fotografía: Robert Richardson

Música: Howard Shore

Reparto: Leonardo DiCaprio, Cate Blanchett, Kate Beckinsale, Alec Baldwin, Willem Dafoe, Jude Law, Alan Alda, John C. Reilly, Gwen Stefani, Ian Holm

Productora: Miramax/ Warner Bros

Año: 2004

Duración: 166 minutos

MALAS CALLES

Malas calles es el tercer largometraje de Martin Scorsese, que supone además su primera colaboración con Robert De Niro.

¿De qué va?

Nueva York, 1972. Charlie es un joven del barrio de Little Italy que aspira a ascender en los negocios de la mafia. Sin embargo su amistad con el problemático Johnny Boy y la relación que mantiene con la prima de éste, complican cada vez más sus planes.

De la temporada de brujas a las malas calles

Corría el año 1972 y Martin Scorsese acababa de terminar su segundo largometraje, El ten de Bertha. Cuando el actor y director John Cassavetes vio la película le dijo que se había pasado el último año de su vida “haciendo una mierda" y le aconsejó recuperar el espíritu de su primer filme, ¿Quién llama a mi puerta?. De este modo Scorsese se aventura a rodar una película basada en sus propias experiencias llamada Season of the Witch (Temporada de brujas). Sin embargo el crítico de cine Jay Cocks le sugirió cambiar el nombre a Mean streets (Malas calles), en homenaje a una cita de Raymond Chandler: "Down these mean streets a man must go", algo así como “Por estas malas calles un hombre debe ir".

Los papeles principales cayeron en manos de Harvey Keitel (Charlie) y Robert De Niro (Johnny Boy). De Niro quería interpretar a Charlie, pero como Harvey Keitel ya había conseguido el papel lo convencieron para que interpretase a Johnny Boy. Para crear a este carismático personaje Scorsese se inspiró en su tío, Joe el Bicho, que al igual que Johnny Boy tenía problemas con la ley muy a menudo.

Made in Scorsese

A pesar de ser una de sus primeras películas, Scorsese ya muestra chispas de lo que se convertirá en su particular estilo; voz en off, cámaras lentas, toneladas de humo, planos imposibles y violencia desmedida. Ni siquiera el escaso presupuesto, que no daba siquiera para dispositivos de travelling, le impidió realizar cámara en mano esos movimientos tan atípicos propios de su cine. Su creatividad queda patente en secuencias tan dispares como la famosa pelea en el billar o la borrachera de Harvey Keitel. El escaso presupuesto también influyó en las localizaciones de la película. Si bien muchos consideran que esta película es la quintaesencia de las calles de Nueva York, lo cierto es que buena parte del rodaje se desarrolló en Los Ángeles.

No podemos cerrar esta reseña sin hacer hincapié en la pasión del director por el rock & roll. Temas como “Tell me” y “Jumpin' Jack Flash” de los Stones, “I looked away” de Derek and the Dominos, “Mr. Postman” de The Marvelettes y por supuesto, el mítico “Be my baby” de The Ronettes que suena durante la poderosa secuencia de créditos iniciales con la que nos despedimos hoy.

Ficha técnica y artística

Mean Streets

Director: Martin Scorsese

Guión: Mardik Martin y Martin Scorsese

Fotografía: Kent Wakeford

Reparto: Robert De Niro, Harvey Keitel, David Proval, Amy Robinson, Richard Romanus, Cesare Danova

Productora: Warner Bros. Pictures

Año: 1973

Duración: 110 minutos

TORO SALVAJE

La interpretación de Pesci y De Niro, la belleza de su fotografía en blanco y negro, la efectividad del montaje y el pulso de Scorsese hacen que Toro Salvaje sea una de las películas más lúcidas y enérgicas de su filmografía.

¿De qué va?

Jake LaMotta es un joven boxeador que, con la ayuda de su hermano Joey, aspira a convertirse en el campeón mundial de los pesos medios. Sin embargo, su autodestructiva personalidad y sus conflictos con la mafia obstaculizan su camino.

El toro del Bronx

La idea de contar la historia de Jake LaMotta parte de Robert De Niro. Durante el rodaje de New York, New York, el actor le propuso a Martin Scorsese y a los productores Irwin Winkler y Robert Chartoff (que habían realizado Rocky unos años antes) adaptar la biografía del boxeador del Bronx. Scorsese no estaba demasiado interesado en rodar una cinta sobre deportes, pero el personaje de LaMotta sí que le parecía lo suficientemente interesante como para implicarse en el proyecto. El guión comienza a redactarlo Mardik Martin y, tras su marcha, lo continúa Paul Schraeder. Fue este último quien puso como pilar central de la historia la relación entre los hermanos LaMotta. Aún así el guión no acababa de cuajar y De Niro se negaba a interpretar algunas de las escenas escritas, así que Scorsese se marchó de viaje con el actor y juntos escribieron la versión final del guión.

Además de Robert De Niro en el papel principal (para el que engordó 25 kilos ya que se negaba a llevar prótesis) el reparto se completa con Joe Pesci como Joey LaMotta y Cathy Moriarty como Vickie (aunque para mí esta actriz siempre será Carrigan Crittenden, la villana de Casper).

Sangre, humo y cámaras lentas

La manera de rodar los combates de Toro Salvaje es algo que no se había visto hasta ese momento. En las películas de boxeo la cámara solía ponerse fuera del cuadrilátero y captar la lucha desde el punto de vista del espectador. Sin embargo Scorsese no quería cinco cámaras grabando a la vez para luego escoger en la sala de montaje el punto de vista adecuado, sino que quería dirigir cada plano de manera individual y lograr el impacto emocional y psicológico que requería cada uno de ellos. Tomar los planos desde dentro del cuadrilátero o el uso de la cámara lenta y los silencios, ayudan a Scorsese a meter al espectador en la mente de Jake, haciéndole partícipe de su dolor. Cada vez que Jake va perdiendo un combate el humo se eleva mientras nosotros descendemos junto a él a los infiernos. Por cierto, con la cantidad de humo que hay en las secuencias de combate, me extraña que no saliese ardiendo el set. 

Finalmente De Niro se llevó el Oscar al Mejor actor por este papel y Scorsese consiguió su primera nominación como Mejor director. La película no tuvo demasiado éxito en taquilla, aunque con el tiempo ha sido considerada como una de las 100 mejores películas del cine estadounidense según el American Filme Institute y seleccionada para su conservación en el National Film Registry.

Ficha técnica y artística

Raging Bull

Director: Martin Scorsese

Guión: Mardik Martin y Paul Schraeder, a partir del libro de Jake LaMotta

Fotografía: Michael Chapman

Reparto: Robert De Niro, Cathy Moriarty, Joe Pesci, Frank Vincent, Nicholas Colasanto, Theresa Saldana

Productora: United Artist

Año: 1980

Duración: 123 minutos

TAXI DRIVER

“¿Hablas conmigo? ¿Me lo dices a mí? Dime, ¿es a mí? ¿Entonces a quién demonios le hablas si no es a mí? Aquí no hay nadie más que yo. ¿Con quién puñeta crees que estás hablando?”. En el guión sólo ponía que Travis Bickle hablaba consigo mismo frente al espejo. De Niro hizo el resto. Hoy repasamos Taxi Driver.

¿De qué va?

Travis Bickle es un veterano de Vietnam con problemas de insomnio que decide pasar las noches trabajando como taxista. Durante su periplo por la calles de Nueva York se encuentra con Iris, una prostituta de 13 años, y con Betsy, una joven que trabaja como voluntaria en la campaña del senador Charles Palantine.

Paul Schaeder, ¿me lo dices a mí?

El origen de la película se encuentra en un guión de Paul Schrader, un crítico cinematográfico que se había pasado a la escritura de guiones. Cuando lo concibió, Schrader estaba pasando por una mala época personal y decidió narrar esas frustraciones a través de la historia de un taxista. Martin Scorsese mostró desde el principio su interés en dirigir la cinta y tras el éxito de Malas Calles el proyecto echó a andar.

Para interpretar a Travis Bickle, Scorsese vuelve a contar con su amigo Robert de Niro, que acababa de alcanzar el reconocimiento de la industria por su papel como joven Vito Corleone en El Padrino II. El actor preparó su personaje mientras rodaba Novecento y aprovechó un descanso del rodaje para  viajar a Nueva York y sacarse el permiso de taxista. Para interpretar a la prostituta adolescente Scorsese pensó en Jodie Foster, con quien ya había trabajado en Alicia ya no vive aquí. Antes de aceptar el papel, Foster tuvo que ver a un psiquiatra para asegurarse de que el personaje no le iba a afectar, además de ser sustituida por una doble (su hermana Connie, ocho años mayor que ella) en las escenas de alto contenido sexual. Por su parte Harvey Keitel da vida al proxeneta de Iris, Sport. Aunque en un principio su personaje iba a ser el del compañero de trabajo de Betsy (Cybill Shepherd), tras leer el guión Keitel le pidió al director interpretar al chulo. Como curiosidad, los nombres de los personajes tienen un sentido bastante poético. Travis Bickle viene de travel (viajar) mientras que Bickle lo hace de bicker (discutir). Betsy era el nombre de una novia de Paul Schraeder mientras que Iris se llama así porque Schraeder quería ponerle a la prostituta un nombre arcaico, que sonase a otra época, a la vez que le hacía un homenaje a los orígenes del cine.

Puro cine de Scorsese

La parte técnica de la película continúa llamando la atención hoy día. Scorsese mueve la cámara de modo que es capaz de desconcertar a cualquiera, haciendo que ésta vaya por un lado y el personaje por otro para así mostrar su mundo. Además usa la cámara lenta para recrear el estado mental de Travis. El montaje también es fundamental para ese cometido, dejando en ocasiones los planos muy largos entre corte y corte y otras veces repitiendo escenas. Un aspecto más de los aciertos del montaje es cambiar el orden de determinadas secuencias según aparecían en el guión, para darle al filme una estructura menos episódica y tejer una historia con más continuidad.

Taxi Driver es también la primera película en la que Martin Scorsese trabajaba con un compositor musical. Éste no es otro que Bernard Herrmann, responsable de algunas de las melodías más recordadas del cine de Hitchcock.  Por aquella época el compositor ya contaba con mala salud y murió pocas horas después de terminar la grabación de la banda sonora de la película.

Soledad auto impuesta

Aparentemente la película trata sobre la soledad en la sociedad actual y los efectos que ésta puede producir. La ciudad representa la locura y lo prohibido, ese lugar donde a pesar de lo abarrotado de sus calles una persona vive en la más absoluta soledad. Sin embargo el conflicto que realmente mueve al personaje de Travis no es la soledad, sino la soledad auto impuesta. Travis quiere asegurarse de que no supera su penosa situación, de ese modo se atreve a invitar al personaje de Cybill Shepherd a salir, pero la lleva a un cine porno para alejarla de él. De igual forma hace ejercicio cada día a la vez que lleva una dieta horrible. Mediante este tipo de acciones Travis se engaña a sí mismo pensando que intenta salir de su agujero, aunque en realidad es él mismo quien se sabotea constantemente.

El final de la cinta contiene una fuerte crítica a los valores que parecen difundir los medios de comunicación, mostrando que eres portada en los periódicos si disparas a alguien pero no cuando haces cualquier otra cosa que mejore la sociedad. Los medios tratan a Travis como un héroe a pesar de ser un psicópata que intentó asesinar a un senador y mató a varias personas en un burdel. Travis no ha cambiado y ese reflejo que ve en el retrovisor al final de la película muestra que su locura aflorará de nuevo en algún momento.

Ficha técnica y artística

Taxi Driver

Director: Martin Scorsese

Guión: Paul Schraeder

Fotografía: Michael Chapman

Música: Bernard Herrmann

Reparto: Robert De Niro, Cybill Shepherd, Jodie Foster, Albert Brooks, Harvey Keitel, Peter Boyle, Leonard Harris 

Productora: Columbia Pictures

Año: 1976

Duración: 113 minutos

GANGS OF NEW YORK

Gangs of New York representa el origen del mundo cinematográfico de Scorsese, que además sirvió para encauzar la carrera de Leonardo DiCaprio y recuperar a un Daniel Day-Lewis alejado del cine.

¿De qué va?

Nueva York, 1846. Siendo sólo un niño Amsterdam Vallon ve como su padre es asesinado por Bill el Carnicero, líder de la banda de los nativos. Dieciséis años después Amsterdam regresa a la ciudad con el deseo de acercarse al Carnicero y ejecutar su venganza.

Bandas de Nueva York

La Nueva York de del siglo XIX es una ciudad joven que crece rápidamente. En cincuenta años la inmigración se dispara pasando de los 60.000 habitantes que había en 1800 hasta los 800.000 de 1855. La desigualdad social, la corrupción política y el racismo detonan en una espiral de violencia por parte de las bandas, situación que se complica aún más con el estallido de la Guerra Civil Americana en 1861. En 1927 Herbert Asbury publica el libro Gangs of New York, donde se narra la historia de estas bandas desde el punto de vista de la prensa amarilla de la época y las leyendas urbanas que circulaban sobre ellas. 

The hands that built of America

Martin Scorsese leyó el libro de Asbury en los años setenta y desde entonces soñó con llevarlo al cine. Sin embargo el proyecto no comienza a tomar forma hasta 1999. Scorsese une sus fuerzas a las del guionista Jay Cooks (con quien ya había trabajado en La edad de la inocencia) para desarrollar la historia de Amsterdam Vallon, un joven que ve morir a su padre y tiene que escoger entre la venganza o luchar por una causa mayor. El nombre no es casual, ya que originariamente la ciudad de Nueva York se llamaba Nueva Amsterdam. El camino hacia la madurez del personaje representa la madurez de la propia ciudad. Esta idea se muestra especialmente en la secuencia final, donde Amsterdam está frente a las tumbas de su padre y Bill y la imagen de la Nueva York del siglo XIX da paso a la actual. Para dar vida a este personaje Scorsese escogió a Leonardo Dicaprio, que por aquella época luchaba por borrar su imagen como guaperas adolescente en Titanic y Romeo y Julieta. Gangs of New York se convierte así en la primera de las (por el momento) cinco películas que el actor ha rodado con Scorsese. Por su parte el personaje de Bill Cutting se inspira en Bill Poole, un nativista de la época que murió algunos años antes de los sucesos narrados en la película. Para interpretarlo Scorsese contó con su amigo Daniel Day-Lewis, que tras el rodaje de The boxer se había alejado de los focos. 

Martin Scorsese enfoca la película como un homenaje al cine épico norteamericano pero añadiendo su particular estilo repleto de violencia y humor disparatado. Lo único que perjudica al film es el recorte en el metraje impuesto por el productor Harvey Weinstein, que deja el tercer acto con un ritmo demasiado acelerado. Gangs of New York obtuvo diez nominaciones a los premios Oscar pero se fue de vacío, algo nada extraño teniendo en cuenta que los académicos siempre han sido reacios a premiar a Scorsese. Pero como digo en muchas ocasiones… ¡qué coño sabrán de cine los académicos!

Ficha técnica y artística

Gangs of New York

Director: Martin Scorsese

Guión: Jay Cocks, Steven Zaillian, Kenneth Lonergan

Fotografía: Michael Ballhaus

Música: Howard Shore

Reparto: Leonardo DiCaprio, Daniel Day-Lewis, Cameron Díaz, Jim Broadbent, John C. Reilly, Henry Thomas, Brendan Gleeson, Liam Neeson

Productora: Miramax

Año: 2002

Duración: 161 minutos