Don Bluth es descrito en muchas ocasiones como el único director de animación capaz de rivalizar con la todopoderosa Disney. Es responsable de películas como En Busca del Valle Encantado, Todos los Perros Van al Cielo,Anastasia y, por supuesto, la película que nos ocupa hoy: Fievel y el Nuevo Mundo.
¿De qué va?
Corre
el año 1885 y el pequeño ratón Fievel Ratonovich y su familia viajan desde
Rusia a América en busca de un nuevo mundo que les permita vivir lejos de los
gatos. Sin embargo, durante el tortuoso viaje Fievel cae al mar y se separa de
su familia. Por fortuna el ratón sobrevive y llega hasta Nueva York, donde comienza
una odisea para encontrar los suyos.
La película
Steven
Spielberg quería producir una película de animación, así que decidió contar con el director Don Bluth. Spielberg había visto su primer trabajo,Nimh, el Mundo Secreto de la Sra. Brisby, y quería que su historia sobre un ratón que emigraba a América llevase el mismo espíritu. Antes de que Don Bluth crease su propio estudio, había trabajado para Disney en películas como La Bella Durmiente, Merlín el
Encantador o Los Rescatadores. Sin embargo, la producción de Fievel y el Nuevo Mundo no sería sencilla. A medida que ésta avanzaba, Amblin y Universal supervisaban constantemente el trabajo de Bluth, de manera que éste sentía limitada su capacidad creativa. Se intentaba
suavizar el estilo del director, bastante más oscuro que las
cintas de animación tradicionales. Aún así la película toca temas como el sueño
americano visto desde fuera (la idea de encontrar un mundo sin gatos) y darse
de bruces contra la realidad al comprobar que nada es tan bueno como lo pintan
(por si quedaban dudas, sí que había gatos en América y las calles no eran de
queso). Además Don Bluth hace gala de un mordaz sentido del humor cuando
muestra al “honorable” John anotando en el censo el nombre de un ratón asesinado por un gato para hacer un pucherazo en las próximas elecciones.
Repercusión
Cuando
Fievel y el Nuevo Mundo se estrenó
fue la película de animación no Disney más taquillera hasta la fecha. De
hecho sólo en Estados Unidos recaudó más 47 millones de dólares, doblando los
ingresos obtenidos por Basil, el Ratón
Superdetective, la superproducción Disney con la que competía ese año. Fievel y el Nuevo Mundo tuvo tres
secuelas; una de ellas estrenada en los cines, Fievel Va al Oeste, y otras dos destinadas al mercado del vídeo, Fievel en Manhattan y Fievel y el Misterio del Monstruo Nocturno.
Además se produjo una serie de televisión inspirada en la segunda película, titulada Las Aventuras de Fievel en el
Oeste. Una última curiosidad antes de acabar: Fievel era el nombre del abuelo
de Steven Spielberg.
Ficha
técnica
An
American Tale
Director: Don Bluth
Guión:
Judy Freudberg, Tony Geiss, Gary Goldman, David Kirschner
Concebida como
un telefilme para la cadena ABC-TV, El Diablo Sobre Ruedas fue la película que cambió para siempre la carrera de Steven Spielberg. Descubre los secretos de esta road movie que revive la lucha entre David y Goliath, entre el hombre y la máquina.
¿De qué va?
David
Mann es un hombre de negocios que viaja al encuentro de un cliente.
Durante el trayecto, un camión llevado por un conductor loco comienza a
perseguirle para acabar con él. El pusilánime y cobarde David se
verá envuelto en un duelo a muerte en plena carretera.
La película
El
Diablo Sobre Ruedas es la adaptación de un relato de Richard Matheson.
Al escritor se le ocurrió la idea cuando volvía del funeral de John F. Kennedy y
se topó con un camionero "toca narices" en la carretera. Matheson presentó a varias televisiones la idea para hacer una película, pero como no consiguió financiación decidió publicar su historia en forma de relato en la revista Play Boy. Cuando los peces gordos de Universal leyeron la historia compraron los derechos para hacer un telefilme y le encargaron al propio Matheson escribir el guión y a un desconocido Steven Spielberg dirigirla. Por
aquel entonces el llamado Rey Midas de Hollywood era tan sólo un joven melenudo que trabajaba para la televisión. Spielberg se propuso rodar el telefilme como si se
tratase de una película para el cine, con planos amplios y en escenarios
naturales, algo que era bastante difícil de conseguir en el ajustado plan de
rodaje. El joven realizador consiguió convencer a los productores de
que podía filmar la película a su manera en los 10 días que tenían previstos (aunque al final se alargaron 13) pero en la sala de edición se topó con un nuevo problema: sólo tenían 22 díaspara realizar el montaje antes del estreno, así
que cinco montadores tuvieron que trabajar en el filme para terminarlo a tiempo.
Repercusión
El Diablo Sobre Ruedas
se estrenó en la cadena ABC-TV el 13 de noviembre de 1971. El éxito de crítica
y público fue tal, que los jefazos de Universal Pictures decidieron estrenarla en los
cines para su distribución en el extranjero. Eso sí, se vieron obligados a extender la película de
73 a 84 minutos. La película de Spielberg adquirió la categoría de culto en Europa y abrió el camino
al joven director de Ohio para que más adelante pudiese sumergirnos en mundos de
tiburones, aliens domésticos, dinosaurios o intrépidos arqueólogos en busca de aventuras. Ahora este niño con complejo de Peter Pan acaba de cumplir 70 añazos, pero continúa cautivándonos con su manera de hacer cine.
Ficha
técnica y artística
Duel
Director: Steven Spielberg
Guión:
Richard Matheson
Fotografía: Jack Marta
Música:
Billy Goldenberg
Reparto:
Dennis Weaver, Lucille Benson, Eddie Firestone, Carie Loftin
Katsushiro
Otomo dirige en 1988 la adaptación cinematográfica de Akira, el manga que él mismo creó. Repleta de violencia y metafísica,
la obra cyberpunk de Otomo sirvió como trampolín definitivo para extender el
anime más allá de las fronteras niponas.
¿De qué va?
Neo-Tokyo.
Año 2019. Mientras que Japón vive una profunda crisis política y
social tras la III Guerra Mundial, el ejército investiga cómo encontrar lo que ellos denominan "energía absoluta". Sin embargo el joven Kaneda vive ignorando todo esto y se conforma con liderar una pandilla de moteros de la que también forma
parte Tetsuo, su amigo de la infancia. Durante una pelea con una banda rival Tetsuo es capturado por el ejército y usado para sus experimentos, que le otorgan unos destructivos poderes equiparables a los de un
dios.
La película
A finales de 1982, Katsushiro Otomo comienza a publicar Akira en la revista Young Magazine. La historia está muy influenciada por la tensión de la Guerra Fría y las secuelas sufridas por la sociedad japonesa tras la II Guerra Mundial. El manga gozó pronto de éxito, así que le propusieron a Otomo realizar la adaptación cinematográfica de su propia obra. La única condición que éste puso fue tener absoluto control creativo sobre la película. Aún así el manga y el film
cuentan con marcadas diferencias. ¿La razón? La película comenzó su producción
muchos años antes de que el manga finalizase. De este modo, la película adapta
de forma fiel la primera parte de la historia y crea un final que luego serviría como inspiración para el final del cómic. La película deja también fuera personajes como Chiyoko y otros como Lady Miyako o el propio
Akira, que en el cómic tienen un papel fundamental, aquí sólo aparecen
unos segundos.
El impacto de Akira
La
película supuso una auténtica revolución en el mundo del anime, tanto por su cuidada animación como por su compleja historia (ríete tú del final de Perdidos). Akira adquirió el estatus de película de culto y fue una de las responsables de la invasión del anime fuera de Japón. Speed Racer,
Heidi, Marco y Mazinger Z (con
su posterior cancelación debido a las presiones de las asociaciones de padres)
fueron los primeros vestigios del anime en España allá por los años setenta,
pero no sería hasta la llegada de las televisiones privadas y autonómicas en los noventa cuando las parrillas televisivas se inundaron de series como Dragon Ball, Caballeros del Zodíaco o Campeones.
Ficha
técnica
Akira
Director: Katsuhiro Otomo
Guión:
Katsuhiro Otomo, Izo Hashimoto, a partir del manga de Katsuhiro Otomo
Tras
El Luchador Darren Aronofsky vuelve a
sumergirse en el mundo del deporte, esta vez en forma de thriller psicológico
dentro del mundo del ballet que le valió a Natalie Portman el Oscar a la Mejor
Actriz.
¿De qué va?
Nina
es una bailarina (sí, ya sé que suena a frase de libro de primaria) que dedica
su vida a la danza. Cierto día el director Thomas Leroy aparece en su escuela y
la elige para protagonizar la obra El
Lago de los Cisnes. A partir de ahí la dulce Nina explorará su lado más
oscuro para poder interpretar con soltura los dos personajes: el Cisne Blanco y
el Cisne Negro.
La película
La
idea del proyecto surge ocho años antes del rodaje, cuando Darren Aronosfsky va
a ver el ballet El Lago de los Cisnes.
Tras investigar sobre la obra de Chaikovski (o Tchaikovsky si os mola más la
transcripción inglesa) Darren Aronovsky descubre que en la mayoría de los montajes realizados
es la misma bailarina quien interpreta los papeles del Cisne Blanco y del
Cisne Negro. Así el director decide abordar, desde el ballet, un tema al que lleva tiempo dándole vueltas: la
autodestrucción de una persona a través de su lado oscuro. Ya desde estos primeros esbozos, Aronofsky contaba con una
joven Natalie Portman como protagonista.
La película se narra desde el punto de vista de Nina. Aronofsky se divierte haciendo
sentir al espectador la misma paranoia que su sufrida protagonista, de forma
que no sabemos en qué momento es real lo que vemos o si forma parte de su mente. Aparte del esfuerzo que supone interpretar un personaje tan inestable,
Natalie Portman tuvo que ensayar duramente para alcanzar el nivel de danza requerido.
La actriz practicó ballet hasta los 13 años, pero como señaló en una entrevista para Fotogramas “con 28 años no es
sencillo retomar algo que hace 15 que no practicas. A mi edad una bailarina está
ya prejubilada salvo que sea una diva”.
La trágica heroína protagonista se ve
arropada por un estupendo elenco de secundarios. Vincent Cassel (por cierto,
bailarín en su juventud) interpreta al histriónico y mujeriego Thomas Leroy.
Mila Kunis es Lily, una joven bailarina repleta de desparpajo que le pisa los talones
a Nina, y que despierta en ella odio y sensualidad en la misma proporción. Por
su parte Winona Ryder parece verse reflejada a sí misma en el personaje de Beth,
una musa del ballet venida a menos que contempla como su carrera termina
demasiado pronto. Cierra el elenco Barbara Hershey en el papel de Erica, la
sobreprotectora madre de Nina, que recuerda mucho al papel que Piper Laurie
interpretó en Carrie.
Aronofsky y el deporte
El
propio Darren Aronofsky considera Cisne
Negro como la película hermana de su anterior proyecto, El Luchador. Y es que son muchos los
puntos en común entre ambas cintas. No sólo el compromiso de sus actores
protagonistas (tanto Natalie Portman como Mickey Rourke están que se salen)
sino que ambas tratan sobre una enfermiza superación personal a través de la autolesión. Sin embargo mientras que en El Luchador su protagonista es un
perdedor que quiere demostrarse a sí mismo su valía (una especie de Rocky,
vaya), Nina se obsesiona con encontrar su lado más oscuro para interpretar a la
perfección al Cisne Negro, ya sea mordiéndole la lengua a Leroy o masturbándose
en una cama rodeada de peluches mientras su madre se echa la siesta.
Ficha
técnica y artística
Black Swan
Director: Darren Aronofsky
Guión: John
McLaughlin, Mark Heyman, Andres Heinz
Fotografía: Matthew Libatique
Música: Clint
Mansell
Reparto: Natalie
Portman, Vincent Cassel, Mila Kunis, Barbara Hershey, Winona Ryder.
