lunes, 24 de enero de 2022

RAMBO. ACORRALADO PARTE II



Esta película es la responsable de la imagen de Rambo que tenemos actualmente. Héroe solitario con cinta atada a la frente y torso al descubierto que, armado con su metralleta, destroza a todo enemigo el que se le ponga por delante. El éxito de la película fue tal que incluso se desarrolló una serie de dibujos animados llamada Rambo. La Fuerza de la Libertad.

¿De qué va?

Tras los sucesos de la primera película, Rambo es condenado a pasar cinco años en prisión realizando trabajos forzados. Sin embargo, Trautman lo recluta para una nueva misión a cambio de que el gobierno le conceda la libertad: regresar a Vietnam y conseguir pruebas de que aún quedan allí prisioneros de guerra americanos.

Como un caballero se atavía con su armadura, Rambo se arma para la batalla para luchar solo con su machete, su arco y su mente, ayudando a los demás para luego desaparecer del mismo modo que otros héroes clásicos del cine como John Wayne en Centauros del Desierto.

Realizando la secuela

El primer borrador del guion fue escrito por James Cameron, aunque posteriormente se modificó bastante. Originalmente, Rambo iba a tener un compañero que funcionase como alivio cómico de la historia y los prisioneros rescatados tendrían una historia que se iría mostrando a lo largo de la película. Sin embargo a Stallone no le gustó demasiado ese enfoque y comenzó a realizar cambios en la historia hasta el punto que Cameron dijo que las escenas de acción estaban en su guion, pero el tema político que trataba era cosa del amigo Sly. Y es que, de alguna manera, lo que pretende Stallone en esta película es ganar una guerra que los americanos perdieron. “¿Nos toca ganar esta vez?”, pregunta Rambo a Trautman antes de salir de prisión. “Esta vez, depende de ti”-le responde su superior.

El compañero de Rambo (que iba a ser interpretado por John Travolta) fue sustituido por uno femenino, de quien el soldado se acabaría enamorando. Este Rambo, a diferencia del antihéroe con estrés postraumático de la primera película, se convierte en el exponente del héroe de la era Reagan que ensalza los valores del neoliberalismo y conservadurismo americano. El propio Stallone declaraba en una entrevista que "quería crear un personaje que representara a un cierto sector de la conciencia colectiva americana y que, sin dejar de ser entretenido, resultara también educativo." Para prepararse para el papel, el actor entrenó durante cuatro horas al día durante ocho meses: lucha, tiro con arco, supervivencia con cuchillo... y por supuesto la experiencia de Stallone como boxeador en Rocky también le fue útil para las escenas de lucha.

Un par de curiosidades. En los ratos libres del rodaje, Stallone aprovechaba para escribir el guión de Rocky IV. Por otro lado, la explicación de cómo Rambo se siente prescindible (expendable en inglés) serviría como concepto inicial para el nombre de la saga Los Mercenarios (The Expendables).



jueves, 16 de diciembre de 2021

SPIDER-MAN: SIN CAMINO A CASA


La tercera entrega de nuestro trepa muros favorito acaba de estrenarse por todo lo alto: por un lado logra batir todos los récords de preventa de entradas (superando incluso a Vengadores: Endgame) y por otro crea una película épica donde se cierran casi 20 años de películas de Spider-Man

¿De qué va?

Los sucesos de Spider-Man: Sin camino a casa suceden poco después del desenlace de Spider-Man: Lejos de casa. J. J. Jameson, periodista del Daily Bugle, hace público un vídeo de Mysterio donde éste revela al mundo que es Peter Parker quien se esconde bajo la máscara de Spider-Man. El día a día de Peter se vuelve del revés y decide pedirle ayuda al Doctor Strange. Sin embargo, algo sale mal y el hechizo que debía hacer olvidar a la gente la identidad de Spider-Man, abre las puertas del multiverso.

Spider-Man: Sin camino a casa es una montaña rusa de acontecimientos donde apenas tienes un segundo de descanso. Y sí, te da todo lo que promete y mucho más. La película es divertida, emotiva y además está cargada de acción, cerrando de manera espectacular esta trilogía que explora los años de juventud de Peter Parker hasta alcanzar su madurez y convertirse en el héroe que todos conocemos. Aunque a partir de aquí se abren infinititas posibilidades para continuar la historia en futuras entregas (ya sea dentro del MCU o del spiderverse que Sony está construyendo) de momento parece que solo está confirmado que Tom Holland volverá en una nueva trilogía de la que aún no sabemos nada.


SPIDER-MAN: LEJOS DE CASA



Segunda película en solitario del Spider-Man de Tom Holland y primera del Universo cinematográfico Marvel después de Vengadores: Endgame, que sirve como epílogo de esta y de toda la saga del infinito. Todo ello por cortesía de su amigo y vecino Spider-Man.

¿De qué va?

Tras los cinco años perdidos después del chasquido de Thanos, período conocido como "el lapso", el mundo intenta volver a la normalidad. Tony Stark ha desaparecido y con él, el corazón de los Vengadores. Sin embargo, Peter Parker ha perdido algo más: su mentor y su amigo. En este contexto aparece Mysterio, alguien que parece venir de un universo paralelo.



Jon Watts se coloca de nuevo en la silla del director mientras que Tom Holland y el resto del reparto repiten sus roles. Jake Gyllenhaal, quien estuvo a punto de sustituir a Tobey Maguire en Spider-Man 2 debido a unas lesiones que arrastraba desde el rodaje de Seabiscuit, se incorpora a la familia interpretando a Mysterio. La película puede dividirse perfectamente en dos partes, una primera mitad muy en la línea de la anterior entrega (rememorando el cine juvenil de los ochenta) y una segunda del mejor cine de superhéroes visto hasta la fecha. El giro de la trama hacia mitad de la película, las ilusiones de Mysterio o la aparición del sentido arácnido de Spider-Man (bueno, el cosquilleo de Peter) elevan la intensidad de la película.


A través de sus dos horas de metraje, Spider-Man: Lejos de casa plantea a Peter Parker como el sucesor de Tony Stark, colocando así a Spider-Man como nuevo elemento central de los Vengadores. Para ello Peter necesita dejar de buscar una figura paterna, ya sea a través de Tony Stark o Mysterio, y madurar hasta encontrar su propio camino. Sin embargo, las constantes renegociaciones por los derechos del personaje entre Disney y Sony unido al camino que están marcando las series y películas del UCM en esta cuarta fase, nos ponen en duda sobre cómo será el futuro de Spider-Man en el Universo Marvel. ¿Quién sabe? Quizá la esperada Spider-Man: Sin camino a casa nos traiga las respuestas que buscamos.


miércoles, 15 de diciembre de 2021

SPIDER-MAN: HOMECOMING



Tras la trilogía de Sam Raimi y el díptico inconcluso dirigido por Marc Webb, llega el Spider-Man del Universo cinematográfico Marvel. Tom Holland recoge el testigo de Tobey Maguire y Andrew Garfield en una película donde la comedia tiene más importancia que la épica propia del cine de superhéroes.

¿De qué va?

Después de los sucesos narrados en Capitán América. Civil War, Peter Parker regresa a casa para continuar su nueva vida como superhéroe bajo la tutela de Tony Stark. Es entonces cuando se cruza con un villano conocido como el Buitre, un traficante de armas que ha creado un arsenal a partir de los restos de la tecnología chitauri.

Coge al azar cualquier cómic de Spider-Man dibujado por Steve Ditko y tendrás una aproximación muy cercana a la que nos ofrece esta película. Un Peter Parker enfermo enfrentándose al Doctor Octopus en una fiesta de disfraces o un Spider-Man decepcionado por no poder unirse a los Vengadores y los 4 Fantásticos son el tipo de historias que la película intenta plasmar, sin olvidarse tampoco de los guiños a momentos tan importantes como Spider-Man saliendo de los escombros del mismo modo que lo hacía en aquel mítico número 33. 

Aunque en ocasiones el filme guarde más similitudes con El club de los cinco que una película de superhéroes, Spider-Man: Homecoming tiene un agradecido aire de comedia que la hacen bastante disfrutable y la alejan del pasteloso melodrama adolescente del que hacían gala The Amazing Spider-Man y su secuela. Además, se introducen varios personajes míticos que aún no habíamos visto en el cine como Ned Leeds o Liz Allan y se reintroducen otros como Flash Thompson, Betty Brant o la propia MJ (aquí Michelle Jones en lugar de Mary Jane) encarnada por Zendaya. Por otro lado, la película se centra en la relación entre Tony Stark y Peter Parker como mentor y alumno, que será de vital importancia para los siguientes sucesos del UCM (pese a que en algunos momentos parece que estemos viendo la película de Iron Man Junior). En definitiva es una película bastante entretenida y que se toma su tiempo para ir desarrollando en próximas entregas al personaje que todos conocemos.



viernes, 10 de diciembre de 2021

CAZAFANTASMAS: MÁS ALLÁ



Jason Reitman recoge el testigo de su padre en una película que homenajea la cinta original, el cine juvenil de los 80 y, sobre todo, al desaparecido Harold Ramis. Así que cargad vuestras mochilas de protones y preparaos para cruzar los rayos, porque han vuelto los cazafantasmas.

Un nuevo legado


Carrie y sus dos hijos, Trevor y Phoebe, se trasladan a una pequeña ciudad donde han heredado la casa del abuelo Spengler. Sin embargo, la presencia de fantasmas en el pueblo se deja notar poco a poco y los jóvenes descubren el legado como cazafantasmas que éste les ha dejado. Altas dosis de terror, comedia y nostalgia inundan la pantalla durante dos horas en las que el personaje de Mckenna Grace se come la pantalla y lidera esta nueva generación de cazafantasmas. Por cierto, hay dos escenas post créditos, así que vale la pena quedarse hasta el final puesto que nos muestra el camino a seguir en las posibles secuelas.



Después del éxito de Cazafantasmas (1984) y Cazafantasmas 2 (1989) se especuló durante años sobre una tercera entrega que no acababa de materializarse, entre otros motivos, por la negativa de Bill Murray a realizar secuelas y por no dar con una historia adecuada. La muerte de Harold Ramis en 2014 puso fin a esta idea. Ramis era una de las patas principales del proyecto, dando vida al personaje de Eagon Spengler y siendo coguionista de la saga junto a Dan Aykroyd. De este modo, en 2016 vio la luz un reboot femenino dirigido por Paul Feig que no acabó de contar con el respaldo del público. Sin embargo, la saga tuvo una nueva oportunidad gracias a Jason Reitman, hijo de Ivan Reitman, director de las dos cintas originales. Esta nueva propuesta continúa la historia más de 30 años después, donde la pequeña Phoebe sigue los pasos de su abuelo del mismo modo que Jason Reitman sigue los de su padre.



sábado, 14 de agosto de 2021

EL ESCUADRÓN SUICIDA











James Gunn, responsable de las dos entregas de Guardianes de la galaxia, se pasa a la competencia por un tiempo consiguiendo una de las propuestas más interesantes e innovadoras del cine de superhéroes de los últimos años. Secuela de la película de David Ayer, El escuadrón suicida de James Gunn forma un explosivo cóctel repleto de humor absurdo y violencia extrema.


De la anterior entrega solo regresan cuatro personajes: Harley Quinn (Margot Robbie), Rick Flag (Joel Kinnaman), el Capitán Boomerang (Jai Courtney) y Amanda Waller (Viola Davis). Entre las incorporaciones a este nuevo escuadrón destacan Bloodsport (Idris Elba), King Shark (a quien da voz Sylvester Stallone) y Peacemaker (John Cena) que tendrá su propia serie de televisión en HBO Max, también creada por James Gunn. Unos personajes llevados al extremo y una violencia que sobrepasa los límites del gore establecidos en el género, son manejados con habilidad por el director. Aunque en ocasiones (especialmente durante su primera mitad) no se sabe muy bien en qué dirección va la película, es una propuesta muy entretenida y mucho más arriesgada que cualquiera de las que ha presentado Marvel Studios desde Vengadores. Endgame.


Pese a estar recibiendo elogios por parte de la crítica y el fandom, parece que los ingresos en taquilla de El escuadrón suicida no están siendo tan satisfactorios como Warner esperaba. Si bien es cierto que en cuanto beneficios el universo cinematográfico de DC siempre ha estado a la sombra de su eterno rival Marvel, en este caso los problemas parecen derivados de la mala situación que sufren las salas de cine desde la aparición del Covid-19 y del estreno simultáneo del filme en cines y plataformas. Esto no afecta solo en Warner, puesto que Viuda Negra (con denuncia de Scarlett Johansson hacia Disney incluida) también ha sufrido las consecuencias. Este es el momento de preguntarse si nos encontramos ante el fin de esta época de superproducciones.

sábado, 24 de julio de 2021

SPACE JAM: NUEVAS LEYENDAS

 



La nostalgia es un elemento que vende muy bien, y eso es algo que el cine de Hollywood ha sabido comprender. Veinticinco años después de la primera entrega, aquellos niños que fuimos al cine a ver Space Jam, volvemos a hacerlo ahora con su secuela.

La trama es sencilla. La estrella de la NBA LeBron James presiona a su hijo para que siga sus pasos en el mundo del baloncesto, aunque éste disfruta mucho más diseñando videojuegos. El malvado Al G. Rhythm, que controla el “Serviverso” de Warner Bros, secuestra al pequeño y obliga a LeBron James a jugar un partido de baloncesto contra él. Es aquí cuando aparecen Bugs Bunny y el resto de Looney Tunes para volver con el mítico equipo Tune Squad. El filme, que repite el esquema y la estructura de su predecesora, está repleto de guiños a películas y series de Warner Bros que van desde Harry Potter y Juego de Tronos hasta la mítica Casablanca. Aunque quizá, el mayor referente se encuentra fuera, en la película de Spielberg Hook. El Capitán Garfio. El triángulo que forman el personaje de LeBron James, su hijo y el villano interpretado por Don Cheadle, recuerda mucho al que formaban el Peter Pan de Robin Williams, su hijo y el malvado Capitán Garfio de Dustin Hoffman.

La película, que parece no haber seducido ni a la crítica ni al director de la primera entrega, es un producto bastante entretenido que da justo lo que promete. Con cierto aire retro que recuerda a las producciones de los años noventa, Space Jam: Nuevas Leyendas ha sabido adaptarse a los tiempos de hoy día: los videojuegos, los avances tecnológicos e incluso los universos cinematográficos. La animación, por su parte, coquetea tanto con el 2D como con el 3D. Y es que ha llovido mucho desde aquella animación que combinaba la acción real con los dibujos animados popularizados por Robert Zemeckis y su ¿Quién engañó a Roger Rabbit?. Tampoco ha estado exento de polémica el personaje de Lola Bunny y su doblaje al castellano. No cabe duda que Lola Índigo hace lo que puede, pero no es suficiente para estar a la altura del resto de actores de doblaje del elenco. Esto debería hacer reflexionar a las grandes productores si lo que prima en su producto es la calidad o la publicidad que te puede proporcionar un star talent. Aunque en este caso, parece que la jugada no les ha salido nada bien.

En definitiva, se puede decir que ni la figura de LeBron James representa para el baloncesto lo que en su día significó Michael Jordan (y seguramente nadie pueda hacerlo jamás), ni esta película cosechará el éxito de su predecesora. Sin embargo, encantará a los más pequeños y que hará pasar un buen rato a aquellos que guardamos como un tesoro el recuerdo de la primera.

miércoles, 29 de abril de 2020

LOS GATOS SAMURÁI



En una época donde no sabíamos nada del anime, las parrillas de la televisión española se llenaban de series animadas provenientes del Japón. Una de ellas era la protagonizada por unos simpáticos gatos llamados Speedy, Polly y Guido, que defendían su ciudad de los perversos planes del Gran Quesote.

¿De qué va?

Pequeño Tokyo es una ciudad que camina entre la tecnología cibernética y el Japón feudal. Su emperador ha perdido completamente el juicio y su alocada hija lo sustituye en el mando. En esta situación el primer ministro, el Gran Gran Quesote, conspira para hacerse con el poder a través de su ejército de Cuervos Ninja. Los únicos que pueden hacerle frente son Speedy, Polly y Guido, tres gatos que trabajan en una pizzería pero que conocen los antiguos secretos de las artes samurái. Para completar su misión, los Gatos Samurái cuentan con la ayuda de aliados como Francine, la jefa de la pizzería y verdadera líder del clan; el Equipo de Rescate compuesto por el General Gatón, Gataladro, Bati Gato y Chorro E. Gato; Lucille, una chica de la ciudad que dispara misiles de su cabeza o el Gurú Lou, un científico loco. Pero sobre todo su principal aliado es el Gran Dientón, un miembro del consejo real que sigue de cerca los pasos del Gran Quesote y asigna a los gatos sus misiones.

Samurai Pizza Cats

Como era habitual durante la década de los noventa, las series que llegaban desde Japón lo hacían con su contenido original alterado. Y los Gatos Samurái no fueron una excepción. El título original de la serie es Kyatto Ninden Teyandee, y llegó a occidente de manos de Saban Entertainment (los responsables de Power Rangers) bajo el título Samurai Pizza Cats. Dado el número de referencias a la cultura japonesa, la versión americana decidió adaptar situaciones, diálogos y nombres para acercarla más al público occidental. Así, quedan fuera todas las referencias a al período Edo y el Shogunato. La ciudad, llamada en la versión original Edrópolis (una mezcla de las palabras Edo, el nombre feudal de la actual Tokyo, y metrópolis) pasa a ser Pequeño Tokyo y el Shogun Tokugawa Lei Lei se convierte en el emperador Fred. Los héroes de la historia, Yattaro, Pururun y Sukashii, son conocidos como Speedy Ceviche, Polly Esther y Guido Anchoa mientras que el villano Korn, un zorro en el original japonés, se transforma en una rata llamada Gran Quesote. Por cierto, en la versión original los protagonistas no son samuráis sino ninjas.

De los 54 episodios se tradujeron 51 (los tres restantes eran capítulos resumen y se dejaron fuera) y se elaboró un último capítulo a partir de escenas de otros episodios creando una especie de falso documental que cuenta como Speedy, Polly y Guido se presentan a las audiciones para conseguir su papel en la serie. Por otra parte se censuraron las escenas con contenido erótico y se intentaba ocultar el travestismo del Gran Quesote. Del mismo modo, los diálogos se suavizaron para dar un aire más infantil a la serie y la nueva música compuesta por Shuki Levy y Haim Sabam para sustituir la de Kenji Kawai sonaba mucho más ligera y simple. Sin embargo nada de ello impidió que disfrutásemos de esta divertida serie, primero en la sobremesa de Canal + y más tarde en las mañanas de Tele 5.


martes, 21 de abril de 2020

RANKING STAR WARS: SAGA SKYWALKER



Más de cuarenta años y tres trilogías ha necesitado la saga de Star Wars para llegar a su final. Ser un fan incondicional de la serie no me impide analizar las películas con cierto criterio y distanciamiento, así que he decidido hacer un ranking de la saga de los Skywalker. Dejo fuera los spin off de Han SoloRogue One por ser historias derivadas de la serie original. Así que sin más preámbulos, paso a la clasificación.


9. Episodio IX. El Ascenso de Skywalker


No sé si es la peor película de Star Wars, pero hay un motivo de peso para que esté en último lugar: no está a la altura del cierre de la saga. Y mucho menos después de las filtraciones de Duel of the Fates, el episodio final original de Colin Trevorrow que por desgracia nunca veremos. El Ascenso de Skywalker demuestra que dar los fans todo lo que quieren, no tiene por qué traducirse en una buena película. Así, el final de la saga queda reducido a un batiburrillo de ideas repleto de agujeros de guión y de Deus ex machina. Aún así, no todo es malo. Adam Driver y su Kylo Ren siguen siendo lo mejor de la tercera trilogía y sin duda, sus partes son las que salvan la película.


8. Episodio II. El Ataque de los Clones


Cuando George Lucas volvió al a la dirección con La Amenaza Fantasma, se dio cuenta de que tener un guión estructuralmente perfecto, donde cada secuencia lleva a la siguiente, no es tan efectivo cuando alguna de esas escenas no funciona. Así que cuando preparó El Ataque de los Clones se aseguró de que no le ocurriera de nuevo. Sin embargo al tío George se le fue un poco la mano y llenó el guión de secuencias que no aportan prácticamente nada a la trama. Esto, unido a una historia de amor que no se cree nadie, la coloca en el penúltimo puesto de la lista. Los elementos más destacables de la película se encuentran repartidos entre el primer y el tercer acto, ambos absolutamente espectaculares, y la trama detectivesca de Obi Wan. ¿Lo peor? Hayden Christensen tiene la misma expresividad que Chuck Norris y resulta bastante insoportable durante todo el metraje.


7. Episodio I. La Amenaza Fantasma


La primera de las precuelas de Star Wars, que suponía además el regreso de Star Wars a la gran pantalla después de 16 años (el reestreno de la saga original en 1997 no cuenta). Esta segunda trilogía, denostada en su día pero reivindicada hoy por el fandom, se centra en el desarrollo del personaje de Anakin Skywalker hasta su transformación en Darth Vader. Sin embargo este retorno resultó un tanto irregular e infantil. A pesar de todo cuenta con algunos de los elementos más emblemáticos de esta segunda trilogía como Darth Maul y su espada doble, el tema de John Williams Duel of the Fates (sí, como la película cancelada de Colin Trevorrow) y sobre todo el trabajo de dos carismáticos actores: Ewan McGregor como el joven Obi Wan Kenobi y Natalie Portman como Padmé Amidala.


6. Episodio VII. El Despertar de la Fuerza


La primera de las películas de Star Wars después de que Disney se hiciese con Lucasfilm. Pese a ser un refrito del Episodio IV, El Despertar de la Fuerza supone la vuelta al espíritu de la trilogía clásica a través de los protagonistas originales y de tres nuevos personajes que supondrían un trasunto de ellos: Rey, la heroína de las mil caras que venía a ocupar el hueco de Luke Skywalker; Poe Dameron, un rebelde con aires chulescos comprometido con la causa que recuerda mucho a Leia y Finn, un intento de trasplantar la picardía de Han Solo a un desertor del ejército de la Primera Orden.


5. Episodio III. La Venganza de los Sith


Con diferencia, el episodio más redondo de la trilogía de precuelas y que de alguna manera eleva y redime a sus dos predecesoras. Una película intensa de principio a fin, que cuenta el paso al lado oscuro de Anakin Skywalker y su transformación en Darth Vader. Su duelo con Obi Wan Kenobi, el exterminio de los Jedi tras de la Orden 66 o el nacimiento de Luke y Leia  son algunos de los mejores momentos de esta entrega.

4. Episodio VIII. Los Últimos Jedi


La polémica película de Rian Johnson es sin duda la mejor entrega de la tercera trilogía. Alabada por la crítica y odiada por parte del fandom, el tiempo pondrá a esta película en el lugar que merece. Rian Johnson consigue lo que J.J. Abrams no fue capaz: ofrecer cosas nuevas respetando el material original. Una película coral, épica y con mensaje social que nos regala un trío protagonista espectacular: Luke Skywalker, otrora héroe de la rebelión ahora torturado por su pasado e incapaz de estar a la altura de su leyenda; Rey, una joven de potencial ilimitado que se siente atraída hacia el enemigo que ha jurado detener; y finalmente Kylo Ren, sobrino y antiguo discípulo de Luke, un joven repleto de dudas  que deambula entre la luz y la oscuridad como nunca consiguió mostrar el personaje de Anakin. La secuela de Star Wars que llevaba años esperando ver.


3. Episodio VI. El Retorno del Jedi


El cierre de la trilogía clásica se traduce en una épica película de aventuras que recupera el espíritu “luminoso” de la primera entrega tras la "oscuridad" de El Imperio Contraataca. En su día apaleada por la presencia de los Ewoks, El Retorno del Jedi contiene secuencias tan míticas como la derrota del Emperador Palpatine o la última batalla de los rebeldes contra el Imperio. Una lástima que no pudiese dirigirla Steven Spielberg, como era la intención original de George Lucas. Un apunte: no soporto el retoque digital que George Lucas hizo de la secuencia final, donde sustituye al Anakin Skywalker original, Sebastian Shaw, por Hayden Christensen.


2. Episodio IV. La Guerra de las Galaxias


La película con la que comenzó todo y que cambió el concepto del cine comercial para siempre. Una perfecta revisión de los seriales de aventuras y ciencia ficción de los años 30 y 40, mezclada con el cine de samuráis de Kurosawa. El viaje del héroe descrito por Joseph Campbell en El Héroe de las Mil Caras nunca estuvo tan bien representado como en la figura de Luke Skywalker, acompañado siempre del pícaro Han Solo, la princesa guerrera Leia, el mentor Obi Wan Kenobi y otros míticos personajes como R2-D2, C-3PO y Chewbacca. La espectacular banda sonora de John Williams, unos efectos especiales nunca vistos, su estética atemporal, su frenético montaje y la imaginativa puesta en escena de George Lucas se funden perfectamente para dar forma a este cuento de hadas galáctico. Y lo diré siempre: se merecía  el Oscar a la mejor película mucho más que Annie Hall.


1. Episodio V. El Imperio Contraataca


La mejor de todas: número 1 de este ranking y la preferida por buena parte del fandom. El segundo capítulo de la trilogía original actúa como el segundo acto de una narración clásica, donde a partir de unos personajes ya presentados plantea unas cuestiones que serán resueltas en la siguiente entrega. George Lucas deja la dirección en manos de Irvin Kershner, que hace un trabajo espléndido con la historia y los actores, además de contar con la mejor fotografía de toda la serie (seguida muy de cerca por Los Últimos Jedi) gracias al trabajo de Peter Suschitzky. El Imperio Contraataca deconstruye todos los elementos presentados en la primera película tanto estructural como narrativamente, además de contar con uno de los mayores giros de guión de la historia del cine. A su vez, la película desarrolla la mitología de los Jedi y presenta a uno de los personajes más relevantes de la serie: el maestro Yoda. Su tono oscuro, combinado con un ágil sentido del humor y una historia desarrollada con maestría hacen que ese dicho de “las segundas partes nunca fueron buenas” encuentren aquí su excepción.

viernes, 17 de abril de 2020

PUNKY BREWSTER



Antes de que las series infantiles girasen en torno a niños que quieren ser estrellas del pop (maldito seas Disney Channel) hubo una niña con principio de daltonismo que nos enseñó que para ser guay bastaba con ponerte las zapatillas de diferente color. En aquellos maravillosos 90 aterrizaba en España Punky Brewster.

¿De qué va?

La serie narra la historia de Punky Brewster, una niña de ocho años que tras ser abandonada encuentra en el viejo cascarrabias Henry Warnimont su nuevo padre y mejor amigo. Junto a su perro Brandon y sus compañeros Cherie, Allen y Margaux, Punky vivirá toda clase de tronchantes situaciones.



Una sitcom familiar

Punky Brewster fue creada por David W. Duclon y se emitió en Estados Unidos entre 1984 y 1988 con un total de cuatro temporadas y 88 episodios. Las dos primeras fueron producidas por la cadena NBC, y tras su cancelación se produjeron dos temporadas más de manos de Columbia Pictures Television. Aunque durante esa segunda etapa, la serie perdió buena parte de la frescura y emotividad inicial.

El nombre de la protagonista se debe al apodo de un amor de la infancia de Brandon Tartikoff, el jefe de programación de NBC. De hecho la Punky real, Peyton B. Rutledge, llegó a hacer un cameo en un episodio de la segunda temporada. Y por si os lo preguntáis el perro Brandon también debe su nombre a Tartikoff, aunque en la serie Punky afirmaba que se debía al actor que hacía de padre de Superman, “Marlo Brandon”. La encargada de dar vida a esta simpática pícara es Soleil Moon Frye, que superó un casting donde coincidió con una pequeña Melissa Joan Hart con quien más adelante trabajó en la serie Sabrina, cosas de brujas. Para interpretar a Henry Warnimont el elegido fue George Gaynes, el despistado comandante Eric Lassard de la saga Loca Academia de Policía. Por su parte Cherie Johnson, sobrina del creador de la serie David W. Duclon, interpreta a la mejor amiga de Punky mientras que Susie Garret encarna a la abuela de ésta, Betty Johnson. Completan el reparto principal Casey Ellison como Allen Anderson y Ami Foster como Margaux Kramer. 

Como curiosidad, la serie cuenta con algunos cameos memorables como el del cantante Andy Gibb y el astronauta Buzz Aldrin.

Series derivadas

El episodio Fenster Hall que cierra la primera temporada fue un intento fallido de crear un spin-off de Punky Brewster. En este episodio aparece por primera vez el personaje de Mike Fulton, interpretado por T.K. Carter, que pasaría a formar parte del reparto regular durante la segunda temporada de la serie. Por otro lado sí que hubo  un spin-off animado producido por Ruby-Spears y transmitido por NBC entre 1985 y 1986. La serie se centraba en las aventuras de Punky, Cherie, Allen y Margaux tras encontrar una mágica criatura llamada Glomer.



Por otro lado, este 2020 regresa la continuación de la serie original de nuevo con Soleil Moon Frye dando vida al personaje, sólo que ahora es una madre divorciada que se encuentra con una niña de acogida que le recuerda mucho a ella. La primera temporada de esta nueva serie contará con 10 episodios y se emitirá en Peacock, la nueva plataforma de streaming que lanzará NBC este verano.



lunes, 10 de febrero de 2020

PREMIOS OSCAR 2020


Los premios Oscar vienen a ser más o menos como las elecciones: importa más la campaña que el contenido. Así que como recomendación, mejor disfrutar de las películas que de los premios. No obstante después de algunos años con películas no demasiado llamativas esta gala de los Oscar nos ha traído algunas sorpresas. La gran triunfadora de la noche es Parásitos, que ha obtenido los galardones de Mejor película, Mejor película internacional (la primera vez que un film se lleva estos dos premios), Mejor Director para Bong Joon-ho y Mejor guión original. Por la contra, la gran derrotada es la película de Sam Mendes 1917, que pese a partir como favorita sólo ha conseguido los premios técnicos.

Algunos galardones ya cantados como el de Mejor actor para Joaquin Phoenix por Joker o el de Mejor actor de reparto para Brad Pitt por Érase una vez en Hollywood se unen a una larga lista de premiados donde nuestra Dolor y gloria se vuelve con las manos vacías. Por su parte Netflix, pese a colocar dos estupendas producciones como Historia de un matrimonio y El irlandés, no consigue romper la barrara entre el streaming y el consumo tradicional.

LISTADO DE PREMIOS

Mejor película: Parásitos

Mejor director: Bong Joon-ho por Parásitos

Mejor actor principal: Joaquin Phoenix por Joker

Mejor actriz principal: Renée Zellweger por Judy

Mejor actor de reparto: Brad Pitt por Érase una vez en Hollywood

Mejor actriz de reparto: Laura Dern por Historia de un matrimonio

Mejor película internacional: Parásitos

Mejor guión original: Bong Joon-ho, Jin Won Han por Parásitos

Mejor guión adaptado: Taika Waititi por Jojo Rabbit

Mejor fotografía: Roger Deakins por 1917

Mejor montaje: Michael McCusker, Andrew Buckland por Le Mans '66

Mejor banda sonora: Hildur Guðnadóttir por Joker

Mejor canción: (I'm Gonna) Love Me Again de Rocketman

Mejor diseño de producción: Barbara Ling, Nancy Haigh por Érase una vez en Hollywood

Mejores efector visuales: Guillaume Rocheron, Greg Butler, Dominic Tuohy por 1917

Mejor sonido: Mark Taylor, Stuart Wilson por 1917

Mejores efector sonoros: Donald Sylvester por Le Mans '66

Mejor vestuario: Jacqueline Durran por Mujercitas

Mejor maquillaje: Kazu Hiro, Anne Morgan, Vivian Baker por El escándalo

Mejor largometraje de animación: Toy story 4

Mejor cortometraje de animación: Hair love

Mejor largometraje documental: American factory

Mejor cortometraje documental: Learning to skateboard in a warzone (If you're a girl)

Mejor cortometraje de ficción: The neighbors' window 

viernes, 7 de febrero de 2020

LA NOCHE DE HALLOWEEN


Hoy día estamos acostumbrados a ver a un tío enorme persiguiendo, cuchillo en mano, a una panda de adolescentes descerebrados en lo que se conoce como el género del slasher. En 1978 John Carpenter asentaba las bases del género con La noche de Halloween, así que preparaos para conocer los secretos de uno de los clásicos modernos del cine de terror.

¿De qué va?

Durante la noche de Halloween de 1963 el pequeño Michael Myers asesina a su hermana. Quince años más tarde Michael escapa del psiquiátrico donde estaba recluido y vuelve a su ciudad natal para sembrar el pánico. Consciente del peligro, el veterano doctor Loomis emprende su búsqueda.

Halloween

Irwin Yablans, un distribuidor de cine reconvertido en productor, se fijó en el trabajo del joven director John Carpenter después de ver su película Asalto a la comisaría del distrito 13. Según su experiencia Yablans pensaba que lo más fácil de producir y distribuir era el género del terror, así que le propuso a Carpenter hacer una película sobre un asesino de niñeras. Carpenter aceptó a cambio de supervisar el montaje final y que su nombre apareciese sobre el título (John Carpenter´s Halloween), algo que de ahí en adelante sucedería en todas sus películas. Yablans consiguió financiación para el film (en torno a 300.000 dólares) a través del productor Moustapha Akkad, que con el tiempo desarrollaría la saga de películas de Halloween.

La co-guionista y productora de Carpenter fue su por entonces pareja, Debra Hill. Ambos comenzaron a trabajar en un guión llamado The babysitter murders hasta que Yablans tuvo la idea de ambientarla en la noche de Halloween. Mientras que Debra Hill desarrollaba los diálogos de las chicas protagonistas, Carpenter desarrolló el personaje de Sam Loomis. Por su parte Tommy Lee Wallace, un buen amigo de Carpenter que acabaría dirigiendo una de las secuelas de Halloween y la miniserie de It de los noventa, fue el encargado de la edición y del diseño de producción de la película. A él le debemos el terrorífico aspecto de Michael Myers gracias a una careta modificada del capitán Kirk.

El reparto

La escogida para interpretar a la protagonista, Laurie Strode, fue una por entonces desconocida Jamie Lee Curtis, hija de los actores Tony Curtis y Janet Leigh. A John Carpenter le encantaba la idea de que la heroína de su película fuese la hija de la protagonista de Psicosis, film que el director siempre había considerado como precursor del terror moderno. La noche de Halloween supuso el debut cinematográfico de Jamie Lee Curtis que, tras esta película y otras como La Niebla se convirtió en la reina del grito. Para el papel del doctor Loomis, un psiquiatra obsesionado con detener a Michael Myers, los productores buscaban a un actor respetado por el público como Christopher Lee o Peter Cushing. Ante la negativa de éstos, quien finalmente aceptó fue Donald Pleasance. Finalmente, para dar vida a Michael Myers, el asesino de resistencia sobrehumana, Carpenter escogió a su amigo Nick Castle. Como curiosidad, Castle es también director de cine y realizó en 1993 la comedia Daniel el travieso.

El slasher moderno

La noche de Halloween se rodó en tan sólo 27 días y creó un estilo de terror juvenil que sería imitado (y a veces casi parodiado) en películas como Viernes 13Scream, aunque ninguna de ellas contaría con la maestría de la original. La principal diferencia respecto al cine actual es que la película de Carpenter no usa el susto para provocar el terror sino que se centra en crear una atmósfera de inquietud que envuelve a los personajes. La clave no está en la sangre, sino la tensión. Lo que no quita que haya escenas típicas del género como sombras, puertas que se abren donde luego no hay nada o ruidos fuera de plano, pero todo ello orquestado para provocar esa sensación de inquietud y terror.

Las calles están retratadas con hojas caídas, solitarias, sin gente ni coches deambulando por ellas, elementos con los que Carpenter transmite un sentimiento de abandono y soledad focalizado sobre todo en el personaje de Laurie. Además, el uso de la profundidad de campo y los travellings provocan una sensación de inquietud constante en el espectador. No importa que todo esto suceda a la luz del día porque entras por completo en el juego de tensión que propone Carpenter para, una vez que llega la noche, aumentar esa sensación hasta detonar al final. Mención aparte merece la escena inicial planteada como un plano secuencia (aunque en realidad hay varios cortes) con ese acuchillamiento final que recuerda al de Psicosis.

Ficha técnica y artística

Halloween

Director: John Carpenter
Guión: John Carpenter y Debra Hill
Fotografía: Dean Cundey
Música: John Carpenter
Reparto: Jamie Lee Curtis, Donald Pleasence, Nancy Loomis, P.J. Soles, Charles Cyphers, Brian Andrews, Kyle Richards, John Michael Graham, Nick Castle
Año: 1978
Duración: 93 minutos