Dragon Ball
se emitió por primera vez en febrero de 1986 y desde entonces la franquicia no
ha parado de crecer. Hoy nos centramos en las tres primeras películas, una
readaptación del manga de Akira Toriyama condensada en una curiosa trilogía.
LA LEYENDA DEL DRAGÓN SHENRON
Para
mantenerse con vida el malvado Rey Gourmet necesita comer cada día un manjar
más sabroso que el anterior, así que para solucionarlo envía a su ejército en
busca de las bolas de dragón. Lo que Gourmet no sabe es que una de esas bolas pertenece
a Son Goku, y que éste hará todo lo posible para detener al oscuro tirano. El
filme se estrenó a finales de 1986 y está dirigido por el propio Daisuke
Nishio, también director de la serie de anime. La película vuelve a contar el
origen de Goku aunque hay algunas diferencias respecto a la obra original, como
el villano Gourmet sustituyendo el papel de Pilaf. Esta cinta sirvió además como
base para Bola de Dragón. Comienza la
Magia, la primera adaptación en imagen real de Goku.
LA BELLA DURMIENTE EN EL CASTILLO DEL
MAL
Tras
los sucesos narrados en la primera película, Goku va a buscar a Mutenroshi para
comenzar su entrenamiento. Allí se encuentra con Krilín, que también quiere adiestrarse.
Antes de aceptarlos como discípulos, Mutenroshi les hace un encargo: rescatar a la bella durmiente que se encuentra presa en el castillo del mal. Allí Goku y
Krilín deberán enfrentarse al mismísimo Lucifer. En julio de 1987 ve la luz esta segunda película, que se
centra en la etapa del entrenamiento de Krilin y Goku, sólo que cambiando la
prueba que el viejo Duende Tortuga les proponía en el manga: en lugar de llevarle
una chica guapa tendrán que llevarle a la bella durmiente. Aunque claro… la bella
durmiente resulta ser una piedra que le sirve a Lucifer como arma para destruir el sol.
AVENTURA MÍSTICA
Tras
recibir el adiestramiento de Mutenroshi, Goku y Krilín se inscriben en el
Torneo del Imperio de Mifan para poner a pruebas sus habilidades. Allí el
emperador Chaozu quiere encontrar las bolas de dragón para recuperar su muñeca
perdida. Lo que el emperador no sospecha es que el líder de su ejército en realidad quiere las bolas para dominar el mundo. La tercera y última película
(de Dragon Ball, luego vinieron otras
quince de Dragon Ball Z) llegó a los
cines en 1988 y es un refrito del primer Torneo de artes marciales y la saga de
la Red Ribbon. No hay personajes nuevos sino que los ya clásicos desempeñan
roles diferentes. Por ejemplo, Chaozu es el emperador de Mifan y
Ten Shin Han su guardaespaldas. Tsuru Senin (el Duende Grulla) dirige esa
especie de ejército imperial inspirado en el de la Cinta Roja, donde tienen cabida
desde el General Blue hasta el mismísimo Tao Pai Pai. Upa, Bora, el Duende
Karín y Arale Norimaki también tienen su pequeña participación en la cinta.
En
España pudimos ver estas películas directamente en VHS (qué tiempos aquellos,
¿verdad?) de la mano de Manga Films. También se llegaron a emitir en algunas
autonómicas en pleno apogeo de Dragon
Ball. Por ejemplo en Canal Sur se emitieron en las navidades de 1994. Eso sí, de
madrugada para ahorrarse las quejas de las asociaciones de padres.
Antes
de que los moteros de Easy Rider nos
mostrasen la contracultura americana y Dustin Hoffman sucumbiese a los encantos
de Mrs. Robinson, el nuevo Hollywood que estaba naciendo nos presentaba a esta
pareja de criminales cuya historia, repleta de momentos cómicos y violentos, conducía sin frenos hacia un trágico final.
¿De qué va?
Durante
la época de la gran depresión Bonnie Parker y Clyde Barrow deciden dedicar su
vida al crimen. A medio camino entre la diversión y el deseo de estar juntos,
la banda despierta el odio de las autoridades y la admiración de la gente
humilde.
La película
El
guión es obra de Robert Benton (Kramer
contra Kramer) y David Newman. La idea se les ocurrió mientras leían una
biografía sobre John Dilinger y en una nota a pie de página se mencionaba a
Bonnie y Clyde. Fuertemente influenciados por la Nouvelle vague francesa, los guionistas se interesaron en que François Truffaut dirigiera el film, pero éste
andaba muy ocupado preparando Fahrenheit
451. Casualmente Warren Beatty se vio con Truffaut con la idea de hacer
algo juntos y fue el director francés quien le habló de Bonnie and Clyde. Así, con Warren Beatty
en la producción y guardándose para sí el papel de Clyde, comenzaba la ardua
tarea de encontrar un director. Cuando finalmente Arthur Penn aceptó el encargo
hizo varios cambios en la historia, como sustituir la bisexualidad de Clyde por
su impotencia o que el personaje de C.W. pasase de ser un cachas sofisticado a
un paleto de pueblo.
Encontrar
a la actriz que interpretase a Bonnie Parker tampoco sería tarea sencilla. Warren
Beatty le habló a Arthur Penn de Faye Dunaway porque sabía que era el tipo de
actriz que buscaba, aunque él no acababa de estar convencido. Antes de decantarse
por ella, decidieron verse con el entonces fotógrafo Curtis Hanson, que acababa de hacerle a la actriz una sesión de fotos. Como pago a este favor Hanson
pidió que en lugar de dinero le invitasen a ver el rodaje. Una buena escuela de
cine para el futuro director de L.A.
Confidential y 8 Millas. El resto
del reparto se completa con Gene Hackman en el papel de Buck Barrow, el hermano
de Clyde, Michael J. Pollard como C.W. Moss y Estelle Parsons como Blanche.
Por
otro lado, Arthur Penn tuvo varios líos con la fotografía del film. Por un
parte su primera intención era rodar la película en blanco y negro, pero Warner
Bros se negó ya que quería empezar a rodar todas sus
películas en color. Además, Penn tuvo tensiones con el director de fotografía
Burnett Guffey. Mientras que el cámara era un cineasta a la vieja usanza, de la
época de los grandes estudios, Penn formaba parte de una nueva escuela de
directores que priorizaba la interpretación sobre la perfección técnica. Por
cierto, otro con quien no paraba de discutir (aunque de buen rollo, eso sí) era
con Warren Beatty. Ambos se pasaban el día debatiendo el enfoque que debía
tener cada escena. Y es que es conocida la fama de perfeccionista (y de tozudo)
de Warren Beatty.
Repercusión
Bonnie and Clyde
es una película que se adelanta a su tiempo, mostrando las claves del nuevo
Hollywood que alcanzaría su cénit durante la década de los setenta. Es una de
las primeras películas de antihéroes en la que los malos son tan humanos que
el público empatiza con ellos. No hay que olvidar que la película se hizo en
una época de desencanto político (como también lo es la época en que se
ambienta) donde las autoridades no estaban bien vistas por la sociedad. Sorprende
también el rápido ritmo del montaje en una época donde el cine exploraba nuevas
formas de reinventarse para distanciarse de la televisión, enfocada a un plano
familiar, y conectar con el público juvenil. En
su estreno la crítica americana destrozó la película debido al realismo de su
violencia, pero en Europa tuvo bastante éxito. Tras ser reconocida
internacionalmente volvió a las carteleras americanas recaudando cinco veces
más que la vez anterior. Bonnie and Clyde
obtuvo diez nominaciones a los premios Oscar de 1967 (incluyendo los apartados
de actor y actriz principal, director y película), y se llevó a casa los de
Mejor actriz secundaria para Estelle Parsons y Mejor fotografía para Burnett
Guffey.
Ficha técnica y artística
Bonnie and Clyde
Director: Arthur Penn
Guión: Robert Benton, David Newman
Director
de fotografía: Burnett Guffey
Música:
Charles Strouse
Reparto: Warren Beatty, Faye Dunaway, Michael J.
Pollard, Gene Hackman, Estelle Parsons, Dub Taylor, Gene Wilder, Denver Pyle,
Evans Evans
La
película más conocida de Brian de Palma, una reinvención del género de
gánsteres a modo de western clásico. Por si fuera poco, también cuenta con el
mejor homenaje a la secuencia de la escalera de Odessa jamás realizado.
¿De qué va?
La
acción se sitúa en el Chicago de los años treinta, durante la época de la ley
seca. El gánster Al Capone se ha hecho con el control de la ciudad pero el
agente federal Eliot Ness no está dispuesto a permitirlo. Acompañado de un
grupo de hombres que no se deja sobornar, Ness hará todo lo que esté dentro y
fuera de la ley para atrapar a Capone.
La película
Brian
de Palma aceptó dirigir la película después de que sus dos últimos filmes (Doble cuerpo y Dos tipos geniales) se estrellasen en taquilla. De Palma buscaba hacer
una peli comercial que le pudiese permitir seguir trabajando como director. ¿Quiere
decir esto que se trata de una peli ligera hecha simplemente para ganar dinero?
Para nada. El guión está escrito por el prestigioso dramaturgo David Mamet y De
Palma pone su estilo más personal a la hora de rodarlo: cámaras mareantes y violencia
extrema.
Reparto
El
papel de Eliot Ness hizo de oro a Kevin Costner, pero no fue ni mucho menos la
primera opción del director. De hecho fue por la insistencia del productor Art
Linson que Costner fue contratado. Por aquella época lo más destacado que el
actor había hecho era el film Silverado
(de Lawrence Kasdam) y un episodio de Cuentos
asombrosos dirigido por Steven Spielberg. Por su parte Charles Martin Smith
(el inolvidable “Tigre” de American
Graffiti) es Oscar Wallace, un contable inspirado en Frank J. Wilson, la
persona que hizo posible encerrar a Capone por evasión de impuestos. Respecto a
Andy García, De Palma y Linson lo querían para el papel de Frank Nitti pero el
actor los dejó tan impresionados que consiguió el papel de George Stone, el
policía italiano con mejor puntería del cuerpo. Por su parte Sean Connery interpreta
a Jimmy Malone, el cuarto miembro de los Intocables. Malone es un veterano
policía que, harto de la corrupción de Chicago, se convierte en el mentor de Eliot
Ness. Este papel le brindó a Connery el Oscar al Mejor actor secundario. Aunque
sin duda lo más complicado fue escoger al actor que interpretaría al mítico Al
Capone. De Palma quería que fuese su amigo Robert De Niro, pero el presupuesto
de la película se había disparado así que no podían permitírselo y
contrataron a Bob Hoskins. Sin embargo De Palma se plantó y dijo que si De Niro no estaba en la película él tampoco. El resto es historia.
Ficción y realidad
Eliot
Ness y Al Capone forman parte del folclore de los Estados Unidos pero, ¿eran
los auténticos como se describen en el filme? El Eliot Ness real contaba con un
equipo de hombres que la prensa bautizó como los intocables, aunque no eran
cuatro como en la peli, sino cincuenta (aunque al final el número se redujo a
once). Y sí, tras una cruenta lucha entre ambos bandos Capone fue condenado a
11 años de prisión por evasión de impuestos. Murió en 1947 a causa de un derrame
cerebral y una neumonía. Por su parte Ness fue durante un tiempo el azote de la
mafia de Cleveland, aunque a causa del fracaso de sus tres matrimonios y (por
irónico que parezca) sus problemas con el alcohol hicieron que su imagen
pública se deteriorase acabando con sus aspiraciones de ser alcalde de
Cleveland. Murió de un ataque al corazón en 1957, después de dejar plasmadas
sus memorias en el libro Los Intocables.
Ficha técnica y artística
The Untouchables
Director: Brian De Palma
Guión: David Mamet
Fotografía: Stephen H. Burum
Música: Ennio Morricone
Reparto:
Kevin Costner, Sean Connery, Robert De Niro, Andy García, Charles Martin Smith,
Billy Drago, Patricia Clarkson, Richard Bradford
Productora: Paramount
Pictures/ Art Linson Production
Terminator 2 3-D. Batlle across time es un cortometraje realizado para ser una atracción de parques temáticos. Contado así, puede no parecer demasiado interesante pero si digo que fue James Cameron quien lo dirigió la cosa cambia, ¿verdad?
¿De qué hablamos exactamente?
¿Recordáis
esos espectáculos de los parques de atracciones donde entras en una especie de cine
e interactúas con la película que se proyecta? Pues algo así es Terminator 2 3-D. El corto funciona como una mini secuela de Terminator 2 ytiene la particularidad de estar dirigida por James Cameron y protagonizada por los mismos actores de la película; Arnold Schwarzenegger, Linda
Hamilton, Edward Furlong y Robert Patrick.
La secuela que nunca fue
La
historia del cortometraje es fácil de resumir. Tenemos a un T-1000 que persigue a John Connor, que de nuevo es protegido por el T-800. Durante la lucha
se produce un salto a través del tiempo y John Connor y su Terminator llegan a la
base de Skynet en el futuro. James Cameron comentó en su día que algunas de las
ideas que se presentan en esta historia podrían servir para ser utilizadas en
la futura Terminator 3. Y es que el
cineasta canadiense nos trajo cosas tan interesantes como el viaje del joven John
Connor a ese futuro post-apocalíptico dominado por las máquinas o la lucha
contra una enorme araña de metal líquido que protege a Skynet. Sin embargo los
problemas legales sobre los derechos de los personajes acabaron retrasando más
y más el proyecto, hasta llegar a la historia que conocemos: James Cameron no dirigió
la tercera entrega de Terminator, que cayó en manos deJonathan Mostow. Más tarde intentaron
relanzar la saga con dos reinicios fallidos, Terminator Salvation y Terminator
Génesis.
Cameron... volverá
Ahora
bien, hay una buena noticia: James Cameron recuperará parte de los derechos de Terminator en 2019, así que Paramount (actual
propietaria de los derechos y responsable de ese tostón conocido como Terminator Génesis) parece haber llegado a un acuerdo con él. De
momento no hay mucha información salvo la proporcionada por la web Deadline, que dice que James Cameron
podría supervisar la película y dejar su dirección en manos de Tim Miller, el
realizador de Deadpool (recordemos
que Cameron está bastante ocupado con las secuelas de Avatar). Por otro lado, el productor David Ellisson ha avanzado que
este mismo año anunciarán los planes que tienen para la franquicia. Así que
mientras esperamos buenas nuevas, dejadme soñar con una secuela de Terminator que continúe donde acabó la segunda y que se pase por el forro las otras entregas, una secuela donde
Linda Hamilton y Edward Furlong vuelvan a dar vida a Sarah y John Connor y
donde Arnold Schwarzenegger pueda cargarse a esa araña de metal líquido de Terminator 2 3-D.
Ficha técnica y artística
T2 3-D: Battle Across Time
Director: James Cameron
Guión: Adam J. Bezark, James Cameron, Gary Goddard
Fotografía: Peter Anderson, Russell Carpenter
Música: Brad
Fiedel
Reparto: Arnold
Schwarzenegger, Edward Furlong, Linda Hamilton, Robert Patrick
Productora: Landmark
Entertainment Group/ Lightstorm Entertainment/ MCA Planning and Development /
Universal Studios
He
tardado casi dos años en decidirme a ver esta película… y ahora entiendo el
porqué. Si digo que es mala me quedo corto. Terminator
Génesis es un cutre refrito de las otras cuatro películas y la serie de
televisión.
¿De qué va?
Año
2032. Durante la batalla final en la guerra contra las máquinas, John Connor
envía a Kyle Reese a 1984 para salvar a su madre del Terminator. Sin embargo algo
ocurre durante el viaje y Reese llega a un 1984 alternativo que nada tiene que
ver con la historia que conoce.
Viejo y obsoleto
Dice
el personaje de Arnold Schwarzenegger en un momento de la cinta que él está viejo
pero no obsoleto. Yo no sé si la trama es obsoleta pero sí que está totalmente
agotada y que la historia resulta un truño completamente infumable. Resulta que
tras enviar a Reese al pasado, John Connor es absorbido por Skynet y se
convierte en el Terminator definitivo. Este nuevo ser que combina a Skynet y
John Connor del mismo modo que Goten y Trunks tras realizar la fusión, viaja también a través
del tiempo cambiando la historia. Así llegamos a un 1984 alternativo
donde Sarah Connor ya conoce a los Terminator porque fue atacada por uno a los
nueve años. Desde entonces la protege otro Terminator (nuestro querido Schwarzenegger)
que además la ha adiestrado para combatir contra las máquinas. De este modo en
esta nueva línea temporal se nos juntan tres Terminators; el T-800 que llegó en
los años 60 para salvar a Sarah, el T-800 de la primera película que viene para
matar a Sarah, y el T-1000… que no sé muy bien qué pinta aquí. El caso es que
no contentos con semejante lío, los guionistas decidieron que a partir del
minuto 30 (sí, todo esto pasa en la primera media hora) el T-800 que protege a
Sarah se revela como una especie de Doc Brown que ha construido una máquina del
tiempo para viajar al futuro y detener el juicio final. En ese futuro se
toparán con la súper-híper-mega-indestructible fusión entre Skynet y John
Connor, al que tendrán que eliminar para devolver el equilibrio a la fuerza.
Tranquilos, sólo es un reebot
Como
habréis podido comprobar, Terminator
Génesis no es una secuela sino un reinicio de la franquicia inspirado en lo
que hizo J.J. Abrams con Stark Trek.
El realizador del film es Alan Taylor, un director curtido en series de
televisión que van desde Sexo en Nueva
York hasta Perdidos, Los Soprano o Juego de Tronos. Así que no te extrañes si al ver la peli notas
cierto aire de aburrido telefilme del sábado por la tarde (tampoco se libra de
esto la anterior película de Taylor, Thor.
El mundo oscuro). En cuanto al plano actoral Arnold Schwarzenegger regresa
a su mítico papel, aunque esta vez convertido en un maniquí cibernético que
aparece de vez en cuando para soltar mamporros y mostrarnos su sonrisa profident. Los personajes de Sarah
Connor y Kyle Reese a los que en su día dieron vida Linda Hamilton y Michael
Biehn, caen esta vez en manos de Emilia Clarke y Jai Courtney. ¿Lo peor? John
Connor parece tonto. Gracias Jason Clarke.
Recapitulando
un poco, después de ver la peli y asimilar la deconstrucción de la mitología de
Terminator sólo tengo una duda, ¿por
qué esta película tiene más nota en IMDB que Dragonball Evolution? Porque a nivel artístico están más o menos al
mismo nivel. Qué tiempos en los que James Cameron capitaneaba la franquicia…
Ficha técnica y artística
Terminator Genisys
Director: Alan Taylor
Guión: Laeta Kalogridis, Patrick Lussier
Fotografía: Kramer Morgenthau
Música: Lorne Balfe
Reparto:
Arnold Schwarzenegger, Emilia Clarke, Jason Clarke, Jai Courtney, J.K. Simmons.
Tras
el éxito de Nikita, Lucc Besson (posiblemente el mejor director de acción europeo) volvió a la palestra con esta
dura, emotiva y provocadora película que supuso el debut cinematográfico de
Natalie Portman.
¿De qué va?
Léon
es un asesino a sueldo que sólo bebe leche y que tiene una planta como única compañía. Tras salvar a su pequeña vecina Mathilda de unos corruptos agentes de narcóticos, Léon
se ve envuelto en una espiral de violencia.
La película
Luc
Besson tuvo la idea de El profesional (Léon) mientras trabajaba en su película anterior, Nikita, dura de matar. De hecho Léon es
una vuelta de tuerca a Victor, el asesino interpretado por Jean Reno en esa
película. Por supuesto Besson volvió a contar con Reno para dar vida al
personaje en la nueva película, donde se daría una imagen más amable (casi
idealizada) de los asesinos, o como ellos mismos se llaman, limpiadores. El
antagonista de Léon es el excéntrico Norman Stansfield, un corrupto agente de
la DEA. Aunque un poco pasado de rosca, Gary Oldman parece estar en su salsa
interpretándolo. Por ejemplo durante la secuencia en la su personaje interroga
al padre de Mathilda (interpretado por Michael Badalucco), Stansfield habla de
su amor a la música de Beethoven. Se filmaron varias tomas de la escena y en cada
una de ellas Gary Oldman improvisaba un diálogo diferente. En otro momento de
la conversación, Stansfield se acerca a al padre de Mathilda y comienza a
olisquearlo por todo el cuerpo. Michael Badalucco no tenía ni idea de lo que
Oldman iba a hacer, así que la cara de desconcierto que se le ve en la película
es completamente real.
El debut de Natalie Portman
Sin
embargo el punto más controvertido de la cinta no sería la violencia, sino la
relación entre Léon y Mathilda, interpretada por una jovencísima Natalie Portman. Por
ese motivo Jean Reno decidió interpretar a Léon con ese aire de inocencia que
le hace parecer un niño, de modo que el espectador sintiese que nunca se
aprovecharía de una niña vulnerable. De hecho en el filme queda claro que para
Léon la posibilidad de una relación física con Mathilda no es ni siquiera
concebible, resistiéndose en alguna ocasión a las provocaciones de la niña.
Esto causó cierta polémica ya que la película camina por la frontera entre lo
moral y lo inmoral. Sin embargo en todo momento pesa más la idea de que se trata de dos personas solitarias que nunca han conocido el amor de una
familia y que al encontrarse el uno al otro entablan una especie de relación
entre padre e hija (eso sí, bastante particular).
Aunque lo que más preocupaba
a los padres de Natalie Portman (con unos doce años por aquella época)
es que Mathilda apareciese fumando. Antes de aceptar el papel, sus padres
pactaron con el director el número de veces que Natalie fumaría, que a lo largo
de la película el personaje dejaría el tabaco y que nunca se le vería dar una
calada. Por cierto, durante mucho tiempo Natalie Portman fue conocida como la
niña de Léon, El Pofesional. Sobra
decir que con los años ha sabido labrarse una estupenda carrera como actriz. De
hecho, para desencasillarse de este primer papel (cuyo rol volvió a repetir en Beatuful Girls) rechazó interpretar a la
Lolita del filme de Adrian Lyne.
Con
todo esto, El Profesional (Léon) se
convirtió pronto en una película de culto, que ha sabido resistir bien el paso
de los años gracias al visual estilo de Luc Besson. Impresionante por cierto la
fuerza de las escenas finales acompañadas por el Shape of my heart de Sting.
Ficha técnica y artística
Léon
Director: Luc Besson
Guión: Luc Besson
Fotografía: Thierry Arbogast
Música: Eric Serra
Reparto: Jean Reno, Gary Oldman, Natalie Portman, Danny
Aiello
Productora: Gaumont / Les Films du Dauphin Production
Tenía
pensado escribir sobre Moonlight pero
me he equivocado de sobre y lo he hecho acerca de La La Land, así que preparaos para bucear un poco en la ciudad de
las estrellas. Por cierto, en España seguimos titulando las películas como nos
sale de las narices.
¿De qué va?
Mia
es una aspirante a actriz que trabaja como camarera mientras espera que llegue
su gran oportunidad. Sebastian es un pianista que toca en tugurios y desea
montar su propio club de jazz. Mia y Sebastian se enamoran pero llega el
momento en que ambos tienen que elegir qué pesa más, si sus sueños o su relación.
La película
Un
retorno a las esencias del Hollywood clásico, eso es La La Land. Damien
Chazelle
nos devuelve todo el esplendor de los grandes musicales con una espectacular puesta
en escena que nada tiene que envidiar a Cantando
Bajo la Lluvia o El Mago de Oz. El
director compone una cinta que va más allá de la comedia romántica a la que
éste género nos tiene acostumbrados y es capaz de convertir la segunda mitad del metraje en un conmovedor melodrama. Por esa misma razón no esperes ver un final feliz. Por su
parte Emma Stone y Ryan Gosling desprenden una gran química en la que
es su tercera colaboración (tras Crazy,
Stupid, Love y Gangster Squad), además de demostrar que eso de cantar y bailar no se les da nada mal.
Y el Oscar a la mejor película es
para… ¿La La Land?
La La Land
partía como favorita para la noche de los Oscar con 14 nominaciones. Más allá
de que era imposible ganarlas todas (en el apartado de Mejor canción
original tenía dos nominaciones, City of
Stars y Audition), la noche le estaba
yendo bastante bien. Tras conseguir seis de los premios, entre ellos los de
Mejor actriz para Emma Stone y Mejor director para Damien Chazelle, sólo
quedaba ver quién obtendría el galardón a la Mejor película. Warren Beatty y
Faye Dunaway eran los encargados de dar el premio, pero parece que el retorno de Bonnie
y Clyde suponía también el de sus rocambolescas aventuras. Nada más abrir el
sobre Warren Beatty notó que pasaba algo raro y decidió pasarle el marrón a su
compañera, que gritó el nombre de la película que aparecía en la tarjeta: La La Land. Durante dos minutos el
equipo subió a dar las gracias pero de pronto llegó el caos. El productor de La La Land, Josh Horowitz, se encargó de
mostrar la tarjeta correcta y anunciar el error: la verdadera ganadora era Moonlight.
Pero, ¿qué demonios pasó? La
empresa que supervisa la votación en los Oscar es la multinacional
PriceWaterhouseCoopers, y los encargados de custodiar los sobres son Brian
Cullinan y Martha Ruiz. Cada uno de ellos se sitúa a un lado del escenario y
tiene una copia del sobre, que entrega a los presentadores dependiendo del lado
del escenario por el que salgan. Brian Cullinan se equivocó y entregó a Beatty
y Dunaway el sobre que contenía el premio a la Mejor actriz, Emma Stone por La La Land, y de ahí la confusión. Ya lo
decía Pablo Iglesias en el debate para las elecciones del 20D, ojito con los de
“House-Water-Watch-Cooper”. No es que los resultados de los Oscar estén más teledirigidos que los de Tu Cara Me Suena, pero sí que tienen una intencionalidad que va más allá de las cualidades artísticas de un film. Cuando los académicos deciden premiar aMoonlight(una película protagonizada por un chico negro homosexual que tiene una madre drogradicta) frente aLa La Land, supone el adiós definitivo a la era Obama y el posicionamiento de Hollywood contra las políticas racistas y homófobas de Donald Trump.
Ficha técnica y artística
La La Land
Director: Damien Chazelle
Guión: Damien Chazelle
Fotografía: Linus Sandgren
Música: Justin Hurwitz
Reparto:
Emma Stone, Ryan Gosling, John Legend, Rosemarie DeWitt, J.K. Simmons
Productora:
Summit Entertainment / Gilbert Films / Impostor Pictures / Marc Platt
Productions
