EL SEÑOR DE LOS ANILLOS. LA COMUNIDAD DEL ANILLO

¿Qué es lo que ocurre cuando el mayor fan de El Señor de los Anillos es quien realiza su adaptación cinematográfica? Pues que le pone la pasión necesaria para que la película tenga el corazón y el espíritu del libro. Esa persona es Peter Jackson, que para realizar su trilogía vivió un viaje tan épico como el de Frodo hacia el Monte del Destino.

¿De qué va?

El hobbit Frodo Bolsón hereda de su tío Bilbo un anillo mágico que éste encontró durante sus viajes. Poco después Frodo descubre que se trata del Anillo Único forjado por el Señor Oscuro Sauron, que quiere recuperarlo para conquistar la Tierra Media. Junto al mago Gandalf, el elfo Légolas, el enano Gimli, los humanos Aragorn y Boromir y los hobbits Merry, Pippin y Sam, Frodo conforma la Comunidad del Anillo. Su misión es llevar el anillo a Mordor y fundirlo en los fuegos del Monte del Destino donde fue forjado.

La película

Convertir en película la obra de J.R.R. Tolkien no era sencillo y a Peter Jackson le costó lo suyo verla completada. Tras terminar Agárrame Esos Fantasmas el realizador neozelandés llegó a la conclusión de que la tecnología actual permitía hacer cualquier cosa en el cine, así que decidió embarcarse en un proyecto que siempre había querido ver en pantalla: El Señor de los Anillos. El plan que el director tenía originalmente con la productora Miramax era condensar la trilogía literaria en dos películas. Sin embargo la productora consideró que el gasto sería excesivo y les pidió reducirlo a un único film. Jackson se negó en redondo y buscó desesperadamente otra productora. Para ello ideó una promo que consistía básicamente en un storyboard animado con entrevistas a jefes de departamento que ofrecía una visión global del proyecto. Tras verlo Bob Shaye, copresidente de New Line, le propuso a Peter Jackson y a su equipo hacer tres películas que adaptasen cada uno de los tres libros. De este modo el director recibió luz verde para rodar las tres películas de un tirón en un período de dos años.

Hay un gran respeto en el film por todo el universo creado por Tolkien, que se aprecia desde sus cuidados paisajes hasta las diferentes lenguas de la Tierra Media. El mimo y el cariño que el equipo puso en la película queda presente a la hora de verla. Para Peter Jackson esta epopeya no sólo era un trabajo, sino también la pasión de un admirador por ver realizada la obra que tanto ama. La Comunidad del Anillo fue un gran éxito en taquilla y obtuvo varias nominaciones a los premios Oscar, de los que finalmente se llevó cuatro: Mejor maquillaje, Mejores efectos visuales, Mejor fotografía y Mejor banda sonora original.

Un anillo para gobernarlos a todos

El Señor de los Anillos se enmarca en un mundo ficticio, la Tierra Media, situado en una Europa ya olvidada por el hombre. El relato narra el final de la era de los elfos, que marchan desde los puertos grises hacia lejanas tierras, y el inicio de la era de los hombres. Los humanos son los que heredarán la Tierra, pero antes tendrán que combatir contra el Señor Oscuro y demostrar que son dignos de ella. El relato de Tolkien lleva además una fuerte crítica hacia el capitalismo y hacia cómo el hombre destruye el medio ambiente, representado en la ficción por los orcos. El anillo simboliza la naturaleza mientras que la maquinaria de los orcos es el abuso de sus recursos naturales. Otro rasgo a destacar es que las distintas culturas de la Tierra Media que conforman la Comunidad (hombres, elfos, enanos y hobbits) representan la unión de las diferentes razas en una época donde había un fuerte sentimiento racista y xenófobo (recordemos que el libro se escribe entre los años treinta y cincuenta).

Ficha técnica y artística

The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring

Director: Peter Jackson

Guión: Frances Walsh, Philippa Boyens y Peter Jackson a partir de la novela de J.R.R. Tolkien

Música: Howard Shore

Fotografía: Andrew Lesnie

Producción: Peter Jackson, Barrie M. Osborne, Tim Sanders y Fran Walsh

Reparto: Elijah Wood, Ian McKellen, Liv Tyler, Viggo Mortensen, Sean Astin, Sean Bean, Cate Blanchett, John Rhys-Davies, Billy Boyd, Dominic Monaghan, Orlando Bloom, Christopher Lee, Hugo Weaving, Ian Holm

Productora: New Line Cinema / Wingnut Films

Año: 2001

Duración: 180 minutos

TARDE DE PERROS

El Amoreena de Elton John ameniza una tarde cualquiera de la ciudad de Nueva York. Una aburrida y calurosa tarde de verano. Una tarde de perros. Sydney Lumet vuelve a sumergirnos en las contradicciones de la sociedad americana de nuevo con el apoyo de Al Pacino.

¿De qué va?

Una calurosa tarde de verano, Sonny y Sal se deciden a robar un banco situado en Brooklyn. Lo que parecía un robo perfecto acaba en un absoluto desastre: apenas hay dinero en la caja fuerte y la policía rodea la sucursal en poco tiempo. Mientras los curiosos y los medios de comunicación copan los alrededores, Sonny intentará negociar una salida a cambio de liberar a los empleados del banco que mantiene como rehenes.

The Boys in the Bank

Tarde de Perros se inspira en un artículo publicado por revista Life en 1972 titulado The Boys in the Bank, escrito por P. F. Kluge y Thomas Moore. El artículo narra los sucesos ocurridos el 22 de agosto de ese mismo año en Brooklyn, Nueva York, cuando John Wojtowicz intentó robar un banco para pagar la operación de cambio de sexo de su pareja. Un suceso tan llamativo no podía tardar en ser llevado al cine así que la Warner se hizo con los derechos de la historia y encargó a Sydney Lumet, cineasta que ha retratado como nadie las calles de Nueva York, llevar el film a buen puerto. Aunque inicialmente la película iba a titularse igual que el artículo el director pensó que The Boys in the Bank sonaba a comedia ligera, así que pasó a llamarse Tarde de Perros.

El guionista Frank Pierson (ganador del Oscar por este trabajo) no tenía muy claro el enfoque que debía darle a la cinta. Le fue imposible verse con John Wojtowicz  y tras entrevistar a los implicados ninguno tenía la misma visión del atracador. El elemento común en el que todos coincidían era que Wojtowicz trataba de cuidar de todo el mundo, así que ese fue el punto de partida para tejer la historia.

Para interpretar a Sonny, el personaje inspirado en Wojtowicz, Sydney Lumet pensó en Al Pacino con quien ya había trabajado en Serpico. Pacino no estaba demasiado convencido de aceptar el papel ya que acababa de terminar el rodaje de El Padrino II y se sentía agotado para afrontar un nueva película. Las malas lenguas dicen que el actor se decidió a interpretar a Sonny al oír que le ofrecieron el papel a Dustin Hoffman, con quien tiene una gran rivalidad profesional desde que estudiaron juntos en el Actor´s Studio. Por otra parte John Cazale, buen amigo de Pacino en la vida real, da vida a Sal. Lumet buscaba a un actor más joven para este personaje pero tras la insistencia de Pacino le hizo una prueba a Cazale. Después de ésta se disipó cualquier duda que Lumet pudiera tener. El resto del reparto lo componen actores de teatro de Nueva York. Durante los ensayos el grupo estaba tan cohesionado que Lumet les pidió que no creasen a ningún personaje sino que se comportasen como si ellos mismos se viesen envueltos en esa situación. De este modo se permitió una parte importante de improvisación que posteriormente se incorporó al guión.

Attica, Attica!

Uno de los momentos más recordados del film es cuando Al Pacino se crece ante el apoyo de los curiosos y comienza a gritar “¡Attica, Attica!” en la puerta del banco. Aunque lo que Javier Dotú gritaba en el doblaje castellano era “Asesinos” el incidente se refiere al motín realizado en la cárcel de Attica, que se convirtió en un símbolo de los excesos de la represión policial hacia los presos. Con una pequeña crítica al sensacionalismo de los medios de comunicación que Lumet desarrollaría más tarde en Network y unos inesperados y agradecidos toques de comedia, Tarde de Perros se convierte en una de sus obras más redondas. La película consiguió seis nominaciones a los Oscar incluyendo mejor película, director y actor. Por cierto, si deseas saber más sobre la historia de John Wojtowicz echa un vistazo al documental The Dog dirigido por Allison Berg y François Keraudren.

Ficha técnica y artística

Dog Day Afternoon

Director: Sydney Lumet

Guión: Frank Pierson a partir de un artículo de P. F. Kluge y Thomas Moore

Fotografía: Victor J. Kemper

Producción: Martin Bregman y Martin Elfand

Reparto: Al Pacino, John Cazale, James Broderick, Charles Durning, Carol Kane, Chris Sarandon, Sully Boyar, Penelope Allen

Productora: Warner Bros. Pictures / Artists Entertainment Complex

Año: 1975

Duración: 120 minutos

ACORRALADO

Si pensamos en Rambo, seguramente lo primero que se nos viene a la mente es la parodia de Santiago Urrialde donde no paraba de gritar aquello de “No me siento las piernas”. Si bien esta frase pertenece a la película El Cazador (lo que Rambo decía en realidad era “No consigo encontrar sus piernas”), Acorralado supone un relato heredero de los antihéroes de los setenta que muestra cierto desencanto hacia la política americana, muy lejos del súper soldado de la era Reagan en que Rambo se convertiría en sus secuelas.

¿De qué va?

John Rambo es un veterano de Vietnam que deambula por un pequeño pueblo del medio oeste americano. Al ver su aspecto de vagabundo el sheriff de la localidad, Will Teasle, decide arrestarlo. En comisaría Rambo recuerda todas las torturas sufridas durante la guerra y escapa violentamente de la policía. Ahora, Rambo se ha convertido en la presa y Teasle en el cazador, en un juego donde solo uno de los dos saldrá con vida.

Primera sangre

Acorralado se basa en la novela de David Morrell First Blood. Desde que ésta se publicó en 1972, los derechos para llevarla al cine pasaron constantemente de unas manos a otras. Se pensó en nombres como Sam Peckimpah, Mike Nichols o Sydney Pollack para dirigirla y en actores como Al Pacino, Dustin Hoffman, Kris Kristtoferson o Steve McQueen para interpretar a Rambo. Sin embargo, todos acabaron rechazando el proyecto porque lo consideraban demasiado violento (bueno todos salvo Pacino, que quería llevar al personaje aún más al extremo). Al final la responsabilidad de comandar el barco recayó sobre los hombros Ted Kotcheff. El director escogió a Sylvester Stallone como su protagonista, que además se ocupó de redactar la versión final del guion, mucho más suave que la obra original.

Por otra parte el primer montaje del film llegó a durar más de tres horas. Según el propio Stallone era tan desastroso que quiso comprar la película para destruirla y evitar que acabase con su carrera. El metraje final se quedó en 93 minutos y consiguió bastante éxito comercial. Partiendo de un presupuesto aproximado de 14 millones de dólares, Acorralado consiguió recaudar hasta 47 tan solo en Estados Unidos.

Un par de curiosidades. Durante el rodaje Stallone tuvo un incidente con una chica en un bar. La mujer en cuestión decía ser fan suya para sacarle una ronda de bebida gratis. Años después Sly incluyó esta anécdota en una escena de Rocky Balboa. Por otro lado, en España la película se estrenó bajo el nombre de El Acorralado, sin embargo parece que tras varias reediciones en VHS el artículo del título se perdió por alguna parte.

Del papel al celuloide

Como ya he dejado caer por ahí arriba, el libro es bastante más crudo y violento que la película. Para empezar, mientras que el Rambo literario mata a todo policía que se le pone por delante, el interpretado por Stallone solo los deja heridos. Además, aunque la edad de Rambo no se menciona en ninguna página, se le describe como un muchacho de poco más de veinte años (de hecho Teasle lo apoda "el Chaval"), mientras que durante el rodaje Stallone rondaba ya los treinta y cinco. Quizás por ello el Rambo de la novela es más descarado y burlón. Por otro lado, el sheriff del pueblo, interpretado por Brian Dennehy, también guarda diferencias respecto a su álter ego literario. Mientras que el Teasle cinematográfico es un civil el de la novela luchó en la guerra de Corea, razón por la cual aumenta más su odio hacia Rambo a causa del diferente tratamiento hacia los veteranos de una y otra guerra. Además, en el film se pasa por alto la relación entre Teasle y Orval. El viejo amaestrador de perros es el mentor de Teasle, el hombre que se hizo cargo de él tras la muerte de su padre. Sin embargo nada de esto queda reflejado en la película.

El final es otro de los elementos que más quebraderos de cabeza causó. La cuestión es que en el libro Rambo y Teasle mueren luchando el uno contra el otro. Sin embargo en algún momento debieron ver potencial para una posible secuela, así que decidieron dejar con vida a ambos personajes.

Ficha técnica y artística

First Blood

Director: Ted Kotcheff

Guión: Michael Kozoll, William Sackheim y Sylvester Stallone, basado en la novela de David Morrell

Música: Jerry Goldsmith

Fotografía: Andrew Laszlo

Producción: Buzz Feitshans, Mario Kassar, Andrew G. Vajna y Herb Nanas

Reparto: Sylvester Stallone, Richard Crenna, Brian Dennehy, David Caruso, Jack Starrett, Michael Talbott, Chris Mulkey

Productora: Carolco Pictures / Orion Pictures / Roadshow

Año: 1982

Duración: 93 minutos

CALIFORNICATION

El crítico Pablo Kurt escribía poco después del estreno de Californication que si su episodio piloto hubiese sido estrenado en los cines estaríamos hablando de una de las mejores películas del año. David Duchovny regresa a la televisión en el papel de Hank Moody, un escritor inspirado en Charles Bukowski, que representa el viaje hacia la autodestrucción de un hombre que bebe, fuma y folla demasiado.

¿De qué va?

Hank Moody es un escritor que ha perdido la inspiración tras la desastrosa adaptación cinematográfica de su última novela. Mientras se ahoga en un mar de alcohol, drogas y sexo, Hank intenta reparar los daños que constantemente causa en la vida de su hija Becca y su ex pareja Karen. En sus locas andanzas siempre le acompaña su mejor amigo y agente Charlie Runkle, para desasosiego de su cocainómana esposa Marcy.

Sexo, drogas y rock & roll

Tom Kapinos, el creador de la serie, afirma que la inspiración para Californication le vino de la frustración que sentía durante su época como guionista de Dawson Crece. Kapinos no se sentía realizado envolviendo chorradas adolescentes en forma de diálogo shakesperiano, así que decidió dar rienda suelta a su represión y crear una provocativa e irreverente serie plagada de sexo, drogas y rock & roll. Además de ello, Californication tiene como telón de fondo una fuerte crítica social hacia el individualismo e incomunicación de la sociedad actual y a la cultura de la violencia y las drogas.

Para una generación David Duchovny siempre será el agente Fox Mulder, pero para mí no es otro que Hank Moody. Tras abandonar Expediente X Duchovny intentaba lanzar su carrera en el cine y no estaba demasiado convencido de regresar a la televisión. Sin embargo aceptó el papel porque le gustaba mucho la relación entre Hank y su hija Becca. Lo cierto es que tras la avalancha de sexo explícito y la verborrea de sus afilados y cínicos diálogos, ese es el verdadero corazón de esta tragicomedia negra: la relación entre un padre y su hija. Para dar vida a la musa de Hank, Karen, la escogida fue Natascha McElhone, actriz que quizás no recuerdes por su nombre pero sí por sus papeles. Fue la mujer que despertó de su letargo a Jim Carrey en El Show de Truman o la jefa del mercenario Robert de Niro en Ronin. Aunque hoy resulta difícil ver a otra actriz en ese papel, lo cierto es que en un principio iba a ser su compañera de reparto Pamela Adlon quien la interpretase. Sin embargo prefirió el papel de la divertida y deslenguada Marcy. Adlon es una habitual del mundo del doblaje y ha participado en series Disney como La Banda del Patio o Pipper Ann. Por su parte Evan Handler, que da vida a Charlie, es un secundario habitual de series de televisión. Seguramente no lo recuerdes pero se ha dejado caer por algún capítulo de Perdidos, A Dos Metros Bajo Tierra o Sexo en Nueva York.

Temporadas

Californication consta de 7 temporadas con 12 episodios cada una, donde las cuatro primeras son espectaculares, la quinta y la sexta mantienen el tipo (aunque con mucha menos frescura) y la séptima es totalmente innecesaria. Cada temporada funciona prácticamente de manera independiente a la anterior debido a que la serie se rodaba de un tirón mucho tiempo antes de ser emitida y nunca se sabía con seguridad si sería renovada por una temporada más o no. Por este motivo Tom Kapinos solía crear tramas y personajes que desarrollaba a lo largo de una temporada y a la siguiente aparecían otros nuevos. De este modo en la segunda temporada tenemos el placer de disfrutar del carismático Lew Ashby (interpretado por Callum Rennie), uno de los mejores personajes que nos ha regalado la televisión en los últimos años. Además a lo largo de la serie se dejan caer por ella actores como Kathleen Turner, Carla Gugino, Rob Lowe o Heather Graham.

Rock & roll music… if you want to dance with me

El rock es un elemento que está presente en todos los aspectos de Californication. Centrémonos un poco en el apartado musical de la serie, que incluye temazos de la talla de You Can't Always Get What You Want y Simpathy for the Devil de los Rolling Stones, The Pretender de Foo Fighters, California Dreamin´ de The Mamas and the Papas, Heart Shaped Box de Nirvana, Instant Karma de John Lennon, Let My Love Open the Door de Pete Townshend, Surrender de Cheap Trick o Rocket Man de Elton John.

Los guiños musicales no acaban ahí. El libro de Hank God Hates Us All (Dios nos odia a todos) es el título de un disco de la banda de metal Slayer. La película basada en ese libro, A Crazy Little Thing Called Love (Una loca cosita llamada amor), se llama así por la canción de Queen. Janie Jones, la chica de Lew Ashby, debe su nombre al tema de los Clash. La famosa portada de la revista Rollig Stone donde John Lennon y Yoko Ono se abrazan en la cama también es homenajeada en un capítulo por Hank y Karen. Y así podríamos seguir durante párrafos con un largo etcétera de guiños al mundo del rock que todo aficionado sabrá agradecer. Además cuenta con apariciones de músicos como Rick Springfield, Marylin Manson o Zoë Kravitz (la hija de Lenny Kravitz). Por supuesto el nombre de la serie es igual al de un tema de los Red Hot Chili Peppers, asunto por el cual los productores de la serie y la banda californiana llegaron a los tribunales.

REGRESO AL FUTURO III

Regreso al Futuro II ya nos iba dejando pistas sobre la época en la que se desarrollaría el capítulo final, como el videojuego Wild Gunman del Café de los 80 o el fragmento de Por Un Puñado de Dólares que Biff ve mientras se toma un baño. Subamos una vez más al DeLorean para nuestro último viaje en el tiempo.

La película

Tras caer un rayo sobre el DeLorean Doc queda atrapado en el año 1885, en pleno salvaje oeste. Cuando Marty descubre que su amigo fue asesinado allí decide atravesar el tiempo para encontrarlo y llevarlo de vuelta a 1985. Sin embargo Doc se ha enamorado de Clara Clayton, la maestra del pueblo, y su habitual buen juicio se ve un tanto alterado. Ahora Marty tiene que velar por la seguridad de su amigo, mantener el DeLorean funcionando y sobrevivir al pistolero Bufford “Perro Rabioso” Tannen para regresar al futuro de una vez por todas.

Doc Brown in love

La segunda y la tercera entrega de Regreso al Futuro se rodaron seguidas. Después de tres semanas de merecido descanso entre peli y peli, el equipo comenzó la fotografía principal de la tercera parte. El director Robert Zemeckis las pasó putas durante algunas semanas ya que durante el día trabaja en el set de rodaje de Regreso al Futuro III mientras que por las noches tenía que supervisar el montaje de Regreso al Futuro II.

Tras llevar a todo tipo de situaciones a la familia de Marty en las dos primeras entregas, para esta tercera se les ocurrió una nueva y alocada idea: Doc Brown se enamoraría. La escogida para interpretar a su amada Clara Clayton fue Mary Steenburgen. Aunque en un principio la actriz no estaba demasiado convencida de aceptar el papel, sus hijos le insistieron en que no podía dejar escapar la ocasión de participar en Regreso al Futuro. Con este giro en la historia se da la situación de que Marty y Doc se intercambian los papeles: ahora Doc es el apasionado y Marty el racional.

Mi nombre es Eastwood… Clint Eastwood

Como vengo haciendo en el último apartado de las reseñas de Regreso al Futuro, cierro con algunas curiosidades. En primer lugar hay ciertas claves que se repiten a lo largo de la serie, como la del sueño del que despierta Marty tras algún golpe en la cabeza. Su madre (o algún antepasado) es quien lo cuida hasta que éste grita aterrorizado consciente del lío en el que anda metido. Además cada vez que Marty derrota a Biff (o algún antepasado) le deja caer sobre un montón de estiércol. Por otro lado hay guiños a los tipos duros del Oeste. Marty adopta el nombre de Clint Eastwood durante su estancia en 1885. Bob Gale y Robert Zemeckis le pidieron permiso a Eastwood para poder usar su nombre de manera destacada durante toda la película. Otros que aparecen en el film (éstos sí de manera física) son ZZ Top, que hacen un pequeño cameo además de ocuparse de la canción principal del film.

Para terminar, una anécdota que a Michael J. Fox no debió hacerle demasiada gracia. ¿Recordáis la secuencia en la que Bufford Tannen intenta ahorcar a Marty y luego llega Doc y lo rescata? Pues se les fue la mano con el realismo y durante el rodaje casi lo ahorcan de verdad. En su autobiografía Lucky Man cuenta cómo quedó transitoriamente inconsciente y se salvó de la muerte por los pelos.

Ficha técnica y artística

Back to the Future. Part III

Director: Robert Zemeckis

Guión: Bob Gale

Música: Alan Silvestri

Fotografía: Dean Cundey

Producción: Neil Canton, Bob Gale, Steven Spielberg, Kathleen Kennedy, Frank Marshall

Reparto: Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Mary Steenburgen, Thomas F. Wilson, Lea Thompson, Elisabeth Shue

Productora: Universal Pictures

Año: 1990

Duración: 118 minutos